Esto no es Vietnam

HABEMUS PAPAM

2011-11-07T10:56:00.001+01:00

Director: Nanni Moretti
Intérpretes: Michel Piccoli, Nanni Moretti, Margherita Buy
Web: http://www.habemuspapam.it/

Nanni Moretti es un experto en destruir expectativas. Sus proyectos de mayor repercusión internacional le catalogaron entre el público como un sucedáneo italiano de Woody Allen, pero los paralelos con el director neoyorquino no sirven más que para una aproximación superficial a su figura. Continuador de sí mismo (“Abril”), explorador de géneros (“La habitación del hijo”) o indignado con Berlusconi (“Il Caimano”), Moretti no ha parado en estos últimos años de (re)buscar nuevos retos a su cine. A priori, con “Habemus papam” se esperaba una comedia crítica de un izquierdista en la corte de un Papa que no acepta su condición divina.

Nada es predecible en el mundo de este cineasta. Enfocada como una fábula amable (y, a ratos, muy profunda) sobre los papeles que nos obliga a asumir la vida, el filme hace filosofía y ejemplifica su teoría con un caso extremo: el de un anciano (Michel Piccoli) al que los azares le colocan al frente de una de las organizaciones más antiguas del planeta. Planeada en dos líneas argumentales, una menos potente y centrada en el psicoanalista que trata de arreglar las ansiedades del pontífice; y otra deslumbrante que espía al Papa en su divagar romano, “Habemus Papam” es una consecuencia lógica de alguien que se hace muchas preguntas y sabe responderlas con inteligencia. Capado de sus teorías freudianas (a su Santidad no se le puede preguntar por su madre, ¡faltaría!) y, por tanto, incapaz de encontrar motivaciones subconscientes al comportamiento de su paciente, al psicólogo protagonista solo se le permite una terapia en ese asilo multicultural que es el Vaticano: un partido de voleibol eterno que parece la única forma de organizar una existencia pacifica entre cardenales. Eso sí, en esta subtrama se echa de menos a la mala leche del Moretti de “Il Caimano”, especialmente al mezclar psicoanálisis y religión, un terreno abonado al humor.

Aunque todo se perdona con el Sumo Pontífice, (casi) integrado en una compañía teatral, que asume su condición de Sumo Actor ante su pueblo y que empuja, con ternura y descreimiento, la principal cuestión del largometraje. Aceptar o no aceptar el papel que Dios nos da, se repite Moretti en su imprescindible “Habemus Papam”.

TIBURÓN 3D. LA PRESA

2011-11-07T10:54:00.000+01:00

Director: David R. Ellis
Intérpretes: Sara Paxton, Dustin Milligan, Katharine McPee
Web: http://www.iamrogue.com/sharknight3d/fullsite/index.html

En una de las escenas más celebradas de “Hermanos por pelotas”, a los hermanastros Brennan (Will Ferrell) y Dale (John C. Reilly) se les ocurre una grandísima idea para hacer negocio: un vídeo musical de “rap” con yates y prostitutas titulado “Yates y prostitutas”. El éxito comercial se asegurará, piensan estos majaderos, juntando conceptos que, por separado, son imbatibles: rap, prostitutas y yates.

Un fenómeno semejante se produce en “Tiburón 3D. La presa”. No se refiere el título (“Noche de tiburones” en el original) a una secuela de la película de Spielberg, sino a un bello arrejuntamiento de conceptos: por una parte, una serie de escualos en un lago y, por la otra, una conspiración psicopática y postadolescente. Un conjunto de elementos ¿independientes? con la que los productores piensan que van a ganarse al respetable. Pero el orden de los factores sí altera el producto final y sin el gamberrismo (y la inteligencia) de Eli Roth en la revisitación de “Piraña”, los intentos del filme de David R. Ellis no pasan de una anécdota de mal gusto.

FOOTLOOSE

2011-11-07T10:35:00.000+01:00

Director: Craig Brewer
Intérpretes: Kenny Wormald, Julianne Hough, Dennis Quaid
Web: http://www.footloosemovie.com/

Uno todavía recuerda una tarde infame de los ochenta en la que aterrizó en VHS aquella cosa titulada “Footloose” (Herbert Ross, 1984). Con el regusto amargo de una prohibición bíblica del baile, el joven interpretado por Kevin Bacon se empeñaba en danzar en su pueblo híper-conservador y ¡lo conseguía! Esto, que ya sonaba ridículo a nuestras mentes prepúberes, se convirtió en uno de los taquillazos de la década y produjo que humanos como Foreigner, Kenny Loggins o Bonnie Tyler viviesen un momento de gloria con un impacto mundial inversamente proporcional a su talento.

Como el “remake” de “Fama”, todo lo malo no se hace esperar y algún ejecutivo hollywoodiense tuvo la bendita idea de resucitar la franquicia “Footloose” con un reparto de chavales majos y Dennis Quaid en el papel del pastor que defiende la prohibición del bailoteo. Videoclip de gran presupuesto, no hay nada reseñable en el intento de Craig Brewer por reubicar la saga fuera de un franquiciado en automático. Al final, inquieta profundamente que, bajo su apariencia “cool”, sus muchachas saladas y sus bailoteos con hits actuales, se encuentre una película cadáver, maquillada con mucho pote para la ocasión.

EVA

2011-10-30T12:04:00.001+01:00

Director: Kike Maíllo
Intérpretes: Claudia Vega, Daniel Brühl, Marta Etura
Web: http://www.evalapelicula.com/

Con “Eva”, el debutante Kike Maillo prepara una receta inusual en el cine español, un cruce entre ciencia ficción y drama que se sitúa en un alternativo 2041 para contar el regreso del científico Alex Garel (Daniel Brühl) al pueblo donde trabajaba en sus investigaciones con robots. Allí le aguarda un invierno eterno y varias personas que formaban parte de su pasado: su antigua novia Lana (Marta Etura), ahora mujer de su hermano David (Alberto Ammann) y madre de una niña llamada Eva (Claudia Vega), y la casa en la que inventó algunos de sus ingenios mecánicos.

Nacida en la estupenda cantera de la ESCAC, extraña que esta propuesta empiece con tantas promesas, albergue tanto esfuerzo en su forma, y termine atrancándose en su desarrollo. Es admirable el empeño de la producción con su estética, un logradísimo mundo gélido de autómatas (humanos o metálicos) y artefactos que sobreviven moribundos al paso del tiempo, y es decepcionante que su narrativa se deslavace a medida que avanzan los minutos. De arranque, todos los elementos necesarios se encuentran en ese trabajadísimo imaginario de un porvenir imperfecto. La dificultad comienza cuando Maíllo los mueve por su puzzle y hay piezas que no acaban de cuajar (¿qué busca Daniel Brühl? ¿Por qué siente esa cercanía con Eva? ¿cuáles son las motivaciones del personaje de Alberto Amman?), dejando las verdaderas sorpresas de la película en manos de secundarios como un Lluis Homar robótico que, mimetizando su profesión de actor, gradúa su emotividad y se convierte en uno de los elementos más interesantes de la cinta.

Despeja dudas sobre lo que nos ofrece “Eva” el hecho de que, finalmente, confunda lo que importa con lo que es accesorio y desvele así su conservadurismo. Mientras que se aprecian sus momentos turbios y bíblicos (dos hermanos enfrentados, la mujer del prójimo, el sacrificio de un hijo), pareciese como si la producción basase su potencia en un giro narrativo al borde del abismo. Quizá ser proclive a la sorpresa y no a la construcción de una historia, abandona al filme en una posición incómoda: más cerca de la liviandad bien ingeniada que de esa impronta grave que corona cualquier buena ciencia ficción.

VARAS NO ES UN VARAS

2011-10-24T17:40:00.002+02:00

No lo digo yo, lo pone el diccionario de la RAE en alguna parte que no he encontrado en “el Internel”. Asusta que estos señores que se llaman como un grupo de atracadores de banco (“Señor ñ mayúscula”) hayan validado la acepción de “varas” cuando se refiere a un ser humano muy cansino. Pero la verdad es que todos lo hemos utilizado. Lean mi pequeña antología del horror brasas. Un pariente de Córdoba que no para de referirse a “lo bien que se come en Asturias”. Un profesor que es impermeable a los “bueno…”, “creo que se me hace tardeeee”. Siempre me he preguntado qué es peor, un pesimista incansable o un pesado incansable. Amigos, mientras que el pesimista solo te puede dejar noqueado, el brasas te roba lo más preciado: tu tiempo.

Con tan malas connotaciones, uno siente en la superficie granulosa de sus pezones la tremenda injusticia de que se apellide así la bella persona que consiguió detener el robo barcelonista del sábado. Fíjense en el penalti fantasma, en la expulsión de Kanuté por culpa del ratonero Cesc y, coronando al horrible Iturralde, en los siete minutazos que descontó ese finstro arbitral al final. Vamos, “Layla” dura 7:13 y ya parece interminable. Compañeros merengues, piensen en las chanzas que tiene que aguantar el gran portero Javier Varas, en el resquemor cotidiano que corona su vida. “Ya está el Varas en el entrenamiento”, “Ya tuvo que llegar al estadio ese Varas”. Horrible descrédito, amigos, para un titán que aguantó las inclemencias de plantearle un partido al Barcelona basándose en el físico y que dejó al equipo hispalense más sudado que Falete en una sauna.

Creo que se debe formar un movimiento blanco que pida, en su honor, la eliminación de la acepción de “varas” del lugar tenebroso en el que se encuentra, justo entre los pesimistas incansables y los asesinos en serie. Movilicémonos con firmas, con manifiestos o, como hacen las indignadas de Nueva York, enseñando las téticas al respetable. ¡No puede durar esta tropelía con D. Javier! Y recuerden que el cambio comienza en uno mismo: cuando vean venir a la pesada de turno, no avisen a las personas cercanas diciendo “ahí viene Verónica, esa varas”. Si son madridistas agradecidos, griten “ahí viene Verónica, esa brasas”. Y por supuesto, eso no ha cambiado, echen a correr en dirección contraria.

LA COSA

2011-10-24T17:38:00.000+02:00

Director: Matthijs Van Heijningen
Intérpretes: Mary Elizabeth Winstead, Joel Edgerton, Ulrich Thomsen
Web: http://www.quieneslacosa.es/

En algunas tardes tontas, la pregunta al final de la película no es "¿qué pasará después?", sino "¿qué pasó antes?". Por ejemplo, la reciente "El origen de el planeta de los simios" rellenaba, con irregularidades, el vacío existente entre la hecatombe de la civilización humana y el aterrizaje del astronauta Taylor (Charlton Heston). Ahora, le toca el turno a "La cosa", esa maravilla que John Carpenter rodó en 1982. Y la forma de abordar el proyecto no puede ser más interesante. ¿Cómo llegaron el extraño visitante norteño y ese (maldito) perro a la estación polar donde trabajaba Kurt Russell?El cineasta holandés Matthijs van Heijningen debuta en una superproducción norteamericana entendiendo a la perfección las coordenadas de la novela original en la que se basaba Carpenter, "Who goes there?" de John W. Campbell. Largometraje de ciencia-ficción y terror, esta "La cosa" también hereda la vocación lúdica de sus antedecesoras, con ese juego a "¿quién es el asesino?" que intensifica (y diversifica) sus valores fílmicos alrededor de una panda de semidesconocidos y la nueva "reina del grito", Mary Elizabeth Windstead. Así, el descubrimiento de una nave en medio del Ártico y la apertura de esa gélida caja de Pandora con monstruo dentro, se disfruta a medida que recordamos lo que nos gustaba de la original.

Asumiendo que Van Heijningen no posee la maestría de un Carpenter desatado, pero que retiene dotes de buen realizador, se echa de menos ese punto de atrevimiento bizarro que atesora la filmografía del director norteamericano. Quizá influido por remakes rutinarios o por sus productores, en determinados instantes (especialmente en los que se desentraña el misterio), se agradecería un poco más de mala leche. De todos modos, como en las buenas películas de criatura, siempre nos queda la criatura. Replicando humanos, ensamblando caras u ocupando perros, la monstruosidad amorfa del filme nos reitera (aún con cierta monotonía) el porqué nos encantan estos engendros. Solo la posibilidad de un mal mayor (la conquista del mundo), roba la ternura a un organismo huérfano de forma, que, pobre, trata de sobrevivir.

TENTACIÓN EN MANHATTAN

2011-10-24T17:34:00.000+02:00

Director: Douglas McGrath
Intérpretes: Sarah Jessica Parker, Pierce Brosnan, Greg Kinnear
Web: http://howshedoesitmovie.com/

Cuando Sarah Jessica Parker llega a casa y Matthew Broderick la recibe con un abrazote, ¿se oirá una voz en off describiendo sus sentimientos por el marido? Cuando Sarah Jessica Parker queda con sus amigas y toman un “gintonic” con pepino, ¿hablarán de "sekso”? Cuando Sarah Jessica Parker teclea en su nuevo Mac, ¿pensará en el email que escribe o en una novela llena de amorinos y dificultades? En "Ed Wood", Tim Burton presentaba los últimos días del actor húngaro Bela Lugosi y sus peripecias con Ed Wood, el ínclito director de serie "Z" que le idolatraba. El bueno de Bela, ya trastornado por la edad y el traqueteo, pasó sus meses finales creyendo (o casi creyendo) que era su personaje más famoso, Drácula, y, fiel al desvarío del patriarca, su familia pidió que fuese enterrado ataviado con la capa del insigne conde.Al menos, sabemos que, por mucha identificación que tuviese con su personaje, Lugosi no se va a levantar de su tumba y atacarnos con virulencia sangrienta.

En cambio, después de ver "Tentación en Manhattan" sí sospechamos que Sarah Jessica Parker se va a encarnar una y otra vez en su "alter ego", Carrie Bradshaw ("Sexo en Nueva York"), con diferentes nombres. Si el único atractivo para atacar esta película es la dirección del habilidoso Douglas McGrath (colaboró con Woody Allen en el guión de "Balas sobre Broadway" y firmó la notable "Historia de un crimen"), las ganas se nos quitan pronto. Aunque utilice maneras de falso documental y se anime con sobretítulos (que sí funcionan, por ejemplo, con esas madres competidoras), el poso del filme es viejísimo. En su ideología encapsulada de familia y lealtad al trabajo se abandona toda perspectiva irónica, toda mordacidad, toda contradicción, con tal de regresar a Carrie Bradshaw. “Tentación en Manhattan” olvida las estupendas bazas que tenía para triunfar: un director competente, una buena terna de masculinos secundarios (Pierce Brosnan y Greg Kinnear) y una Christina Hendricks que, aún con el pelo suelto, demuestra su afinada comicidad, más allá de lo que "Mad Men" le deja.

¿15-OCTUBRE O 15-ÖZIL?

2011-10-17T09:02:00.000+02:00

El país va muy mal y la gente está muy indignada, lo sé. ¿Qué clase de persona no compartiría los valores de la manifestación de este último 15 de Octubre? 300.000 humanos en la puerta del Sol protestando por la gran estafa del Sistema, por la falta de trabajo, por Pepiño negociando en una gasolinera (¿no hubiese sido mejor en un chino?) y porque “Granjero busca esposa”, lo más positivo de la semana, se termina pronto. La situación española es dramática; hemos llegado a un momento en el que todos los productos que se venden en pack en el supermercado ¡llevan siempre una unidad gratis de regalo! Qué pobre somos, amigos, nos lo dicen las marcas, y la única reacción posible es contactar por redes sociales, armar unas pancartas de protesta (“Aquí huele a chorizo”, “Chorizo tú, no yo” o “Se te acabó choricear, chorizo”) y lanzarse a la calle. Y, al final, la concentración salió perfecta. Seguimiento masivo alrededor del planeta, marchas pacíficas, jóvenes comprometidos… magnífico… pero, solo un detalle, un pequeñísimo detalle os quiero preguntar, ¿era estrictamente necesario poner la manifestación a la misma hora que el partido del Madrid?

“¡Cómo no voy a ir!”, le aseguré a aquella moza de ojos azules. “Nos encontramos allí fijo, dame tu teléfono y yo preparo el texto de la pancarta”. Me lo creía, amigos, redacté mi lema (“Banquero, ¡cara de huevo!”) pensando en agitarlo con violencia frente al Banco de España, junto a mi guapísima compañera. Iba a ir hasta que recordé la hora del Madrid-Betis. Mierda. Con lo que me apetecía disfrutar a Higuaín de titular. Con las ganas que tenía de ver cómo se movía el equipo de Pepe Mel por el Bernabeú. Y el debut en Madrid de Vadillo, al que auguro un gran futuro. Dios, qué dilema. ¿La reivindicación o lo de siempre? ¿Los cánticos agitados o las pipas saladas? ¿El bien de la sociedad o el bien de un sábado tarde? Vamos, ¿el 15-Octubre o el 15-Özil?

¡Qué juego del delantero argentino! Un hat-trick y, ay, por poco, casi un cuarto. Extraordinario. Y la desgracia del pobre Vadillo. Cristiano desacertado, esa cabeza que nunca le funciona. Dios, qué mal rato con el 2-1 de Jorge Molina. Me suena el teléfono. Es mi amiga de ojos azules. “¿Edu, dónde estás?”. “En Sol, ¿no oyes el gentío?”. “¿Y por qué cantan “Así, así, así gana el Madrid”?”. “La emoción, moza, la emoción de soñar un mundo mejor”.

MIENTRAS DUERMES

2011-10-15T10:28:00.002+02:00

Director: Jaume Balagueró
Intérpretes: Luis Tosar, Marta Etura, Alberto San Juan
Web: http://www.mientrasduermeslapelicula.com/

En “Frenesí” (1972), Alfred Hitchcock adoptaba una primera persona inédita en su filmografía para introducirnos en el día a día de un asesino en serie. Bob Rusk (Barry Foster) mataba mujeres con una rutina torpe, descuidada, como si el director británico hubiera reparado en que la perfección perturbada de Norman Bates no era aplicable a la mediocridad de su siguiente criminal. Jaume Balagueró (“REC”), toma la misma perspectiva de “Frenesí” con su monstruo de “Mientras duermes”: César (Luis Tosar), un portero de edificio, ejerce de vigilante silencioso de la comunidad y, en especial, de Clara (una guapísima Marta Etura). Con reminiscencias de cuento agridulce (particularmente de “El Grinch”, esa creación animada del Dr. Seuss que no soportaba que todo el mundo fuese feliz), el desafío de la notable película de cineasta catalán es impedir que su protagonista canibalice el mecano de suspense de su alrededor.

Balagueró se mueve como pez en el agua por los espacios de la cinta. Tras varias experiencias parecidas (el capítulo “Para entrar a vivir” de “Historias para no dormir II” y “REC”), todavía inquieta su habilidad de mantener la tensión entre cuatro paredes. En ellas, César traza su rutina de vigilancia y, en ellas, el metraje combina sus recursos hitchockianos con mejor (una chica que duerme e, inconsciente, cohabita con su acosador) y peor fortuna (la aparición de un Alberto San Juan descolocado y el efectismo de su resolución). Porque, frente a los claroscuros de su artilugio de suspense, se engrandece el personaje principal y, cómo no, el actor que le da vida. Las grietas de esta criatura que visita a su madre silente en el hospital (en un determinado momento, uno no puede evitar a la referencia a “Breaking bad”), que sufre el chantaje de una prepúber o que se rebela ante la indiferencia del mundo, son exploradas por Tosar con un tiento tan magistral que acaba proporcionando sentido a escenas que, en manos de cualquier otro, perderían su carácter. Se baja el telón y uno siente que César el portero sería perfecto para continuar con un serial en diferentes comunidades de vecinos, para estrenar un reverso sombrío de “Autopista hacia el cielo” sobre este psicópata que, como Ricardo III, elige odiar los perezosos placeres de este tiempo.

SIN SALIDA

2011-10-15T10:25:00.002+02:00

Director: John Singleton
Intérpretes: Taylor Lautner, Lilly Collins, Sigourney Weaver
Web: http://www.sinsalida.com/

Que se ponga la camiseta ya. Cuando el gran argumento de un actor se centra en si lleva o no lleva un trozo de tela encima de la pechera, la cosa puede llegar a ser preocupante. Taylor Lautner, el “megahípercachondoquetecagas” hombre lobo de “Crepúsculo”, capitanea su primer “thriller” a las órdenes de John Singleton (“Justicia poética”). El problema del bueno de Lautner es que no conecta ni con los dioses de la interpretación (verle llorar o buscar seriedad chirría más que las películas de Raphael), ni, lo que es peor, engancha al público objetivo de este tipo de filmes. Con una narración endeble plagada de solidísimos secundarios (solo se explica la presencia de Sigourney Weaver o Alfred Molina, además del cheque, por conseguirle clases de apoyo al chaval), la única justificación para continuar su visionado se basa en los frecuentes mamporros del mozo. Aunque, seamos justos, sufriéndole en una pelea de tren contra un doble agente ruso, tampoco se le adivina mucho futuro por ese camino.

MÉTETE EL MADRIDISMO DONDE TE QUEPA

2011-10-03T18:11:00.001+02:00

Busque al madridista

Ayer, en la portada de los diarios deportivos, apareció una noticia inquietante. En su afán de tenernos informados con mandanga de calidad, los periódicos blancos abrieron sus ediciones con el siguiente titular: "En el campo del Espanyol piden que los madridistas no se identifiquen". Así, continúa el reportero, "el estadio Olímpico no se convertirá en un Mini Bernabeu". Vamos, que ya que nos invitan a casa de nuestros amigos del Espanyol, más conocido como el "Real Madrid Z", y que nos van a poner unas conservas "Dani", no nos sobremos con ellos. En ese peaso de campo se podría dar una situación "Robocop": que a alguno de los asistentes, desorientado por no saber a quién animar, le estalle la cabeza ante tal incoherencia lógica.

¡Compañeros dirigentes del equipo perico! ¡Yo solo os puedo dar un consejo, siempre a cambio de que me mandéis unas navajas en conserva! ¡No os preocupéis, no aviséis demasiado a esos merengues con sobrepeso que van a ir a ver a su equipo! Si algo llevamos haciendo bien los madridistas desde hace unos años, ¡es evitar que se nos note! Ay, amigos, ¿se acuerdan de los noventa, cuando Lorenzo "El mafioso de los Simpson" Sanz, llevaba el equipo? ¿Se acuerdan que ganamos una Copa de Europa y nos enfrentábamos contra equipos en los que jugaba Munitis? Bueno, puede que lo segundo no haya cambiado demasiado, pero les aseguro que estábamos orgullosos de ser madridistas. Con los periódicos deportivos regalaban zapatillas, marcapaquetes o "Laserdiscs" del Real Madrid y a uno no le daba vergüenza ir al kiosko y soltar un "Manolo, ponme LA NUEVA ESPAÑA, que regalan un "Huevo Pinto" coleccionable con la cara de Suker. ¡Y mañana otro que prueba que Mijatovic no estaba en fuera de juego en el gol de la Séptima!". ¡Que tiempo tan feliz!, que diría María Teresa Campos.

Y siento que esto les sonará raro a los madridistas más alevines. A ver, voy a gritar consignas. Vamos. ¡Chiquillos blancos que todavía no os habéis afeitado esa pelusilla sobre-labial porque vuestros padres os han dicho que "si te la afeitas, te va a crecer más"! ¡Chiquillos blancos que pensáis que el Facebook lo inventó Franco! ¡Chiquillos blancos que pensáis que os vais a quedar ciegos por tocarse! ¡Os digo que hubo una época en la que uno podía estar orgulloso de ser madridista! "Hala, exagerao, viejuno", me contestareis antes de escribirlo en el Whatsapp. ¡No! ¡Os lo digo en serio! ¡Hubo unos años en los que había que esforzarse para ocultar tu madridismo! ¡En los que sudabas como un mono para no gritar "¡Viva Di Stefano y su calva!" cuando veías la menor señal de barcelonismo en el ambiente! Pero ahora todo eso ha cambiado y, que los dirigentes del Espanyol digan que nos metamos el madridismo donde nos quepa, suena a obviedad. Sí, Sánchez Llibre, ya lo llevamos haciendo desde que Pepe (casi) descabeza a Casquero.

SOMEWHERE

2011-10-03T17:15:00.000+02:00

Directora: Sofia Coppola
Intérpretes: Stephen Dorff, Elle Fanning, Chris Portius
Web: http://www.somewhere-lefilm.com/

En el prólogo de “Somewhere”, un Porsche gira y gira por un asfalto circular. Este bucle ensimismado bastaría para explicar el momento vital del actor de Hollywood Johnny Marco (Stephen Dorff). “La fama te hace difícil de tragar”, cantaba David Bowie en el LP “Young Americans”, ligando ese fenómeno a un país (USA) y a una época (el post-warholismo). Alrededor de la fama intragable de Marco, Sofía Coppola retrata un hábitat extraterrestre, atravesado por el hotel “Chateau Marmont” de Los Ángeles y en transcurso permanente de strippers portátiles, de Benicio(s) Del Toro y de cadáveres premonitorios (John Belushi murió en uno de sus bungalows). Por allí se mueve la cámara y, lo más valioso del filme, por allí destapa Sofía Coppola ese extrarradio del celuloide que también intentaron capturar, con amargura, Fellini en “Ocho y medio” y Woody Allen en su pluscuamperfecta “Recuerdos”. Las ruedas de prensa y sus preguntas imposibles, los maquillajes y su “bajo la máscara”, las galas de premios (italianas) y sus esclavitudes por contrato… son manejadas con habilidad por alguien que lo probó, y lo sabe. De fondo queda, como en las obras de Fellini y Allen, la anhedonia y la soledad de quien le sobra lo que todo el mundo desea.

Notable historia móvil de un microcosmos idiotizado (muy alejado del Los Ángeles paradisíaco y ñoño de “El séquito” (HBO)), uno reprocha a Coppola que no se haya enfangado todavía más para regalarnos otra autopsia del “New Hollywood” tan descarnada como el “I’m still here” de Casey Affleck y Joaquin Phoenix. De todos modos, la filosofía Coppola prevalece y, al final, es la familia la única capaz de reinsertar al individuo en una existencia armónica. Esa niña, una brillantísima Elle Fanning, interviene y reafirma las bases morales del cine de Francis y Sofía. La preadolescente irrumpe en su mundo y Johnny Marco, de pronto, descubre la inmiscibilidad entre una partida compartida de “Rock star”, con su irónico “So Lonely” de Police, y el “Photocall”; entre una receta cocinada por tu hija y una entrevista cocinada por tu agente; entre un viaje de promoción y una chiquilla llorando porque huyes de nuevo.

PINA 3D

2011-10-03T15:46:00.001+02:00

Directores: Wim Wenders y Pina Bausch
Web: http://www.avalonproductions.es/pina/

Más allá de la vorágine marketiniana del 3D (con producciones 3D, producciones convertidas a 3D o producciones reestrenadas en 3D), se han instalado autores que han parasitado, con sus proyectos personales, a la avalancha de filmes tridimensionales . Hablamos de Werner Herzog y su maravilloso "Viaje a la cueva de los sueños" y de "Pina 3D", dirigida por el cineasta Wim Wenders en colaboración con la bailarina, recientemente fallecida, Pina Bausch. La película del alemán se estructura en una serie de escenas de danza intercaladas con mínimos recuerdos de los principales colaboradores de la artista. En su mosaico diverso de coreografías, se reitera la afición de Wenders por explorar paradojas visuales, integrando a los bailarines en escenarios globales (la fábrica, la piscina, la urbe) mientras, a la vez, les aísla en ellos. Dentro de su compromiso con la experiencia, "Pina" aún consigue esbozar la naturaleza del oficio de su protagonista ausente: desde la luminosidad de la generosísima Bausch hasta esas sombras que surgen de una dedicación constante al físico. Posdata: debemos aplaudir que el 3D busque nuevos caminos donde no se tome al espectador por idiota y, sobre todo, que los cines Yelmo Los Prados se arriesguen a estrenar semejante triple tirabuzón: ¡un largometraje alemán, en versión original, y en 3D!

CARIÑO, ¡¡HE AGRANDADO AL RAYO!!

2011-09-26T16:42:00.002+02:00

Mourinho, siguiendo las instrucciones patafísicas del gran Rick Moranis, ha creado una máquina asombrosa, un aparato capaz de hacer crecer de tamaño a los equipos contrarios. Vaya lío. Juntando unas piezas de Varane, colocando a Sergio Ramos donde Carrillo perdió el mechero y sacando a Lass en un doble pivote loco, loco, loco, loco, loco, loco, el portugués hizo que el Rayo se creyese un gigante en el Bernabeu. Amigos, necesito que tomen perspectiva. Ahora que Mou lo ha convertido en Fernando Romay, les recuerdo cuán diminuto es el equipo vallecano: su estadio se encuentra ¡en la avenida del payaso Fofó!, su antigua presidenta anunciaba flanes, lo entrena un míster con apellido de tertuliano del corazón y, para mayor chifladura, ¡ha conseguido subir a un jugador del Oviedo a Primera!

Mete miedo que sea la segunda vez esta semana. En Santander, ese campazo de Champions, se vivió otro momento estomagante. Del susto y la tortura posterior, a los que estábamos cenando patatas bañadas en alioli, mayonesa, salsa rosa, ketchup y mostaza se nos formó un país asiático en el colon. ¿Me están diciendo que nos pone en apuros un equipo con Munitis, un «futbolisto» del Madrid 2000-01? ¿Me están diciendo que casi nos ganan el partido con gol de?? ¿Óscar Serrano? ¿Me están diciendo que José «El luso» responsabilizó del empate a «las simulaciones» del Racing?

En «Cariño, ¡¡he agrandado al niño!!», un chiquillo enorme destroza las calles de Las Vegas. Moranis, preocupado porque su hijo descomunal no le hace caso, descubre una importantísima verdad: para que los niños respeten a sus padres, éstos últimos deben de tener más estatura que ellos. Entonces, el bueno de Rick utiliza su máquina con su mujer y ella, ya transformada en una gigante, tranquiliza al pipiolo. Ésta es una realidad Disney que Mou no ha asumido todavía. Para controlar a un equipo, debes de ser más grande que tu plantilla. Obviamente, culpando a Khedira de una derrota, dando voces en una rueda de prensa o utilizando el dedo en el ojo de un contrario, uno se vuelve muy, muy pequeño.

¿POR QUÉ PITAN A PUYOL?

2011-09-19T11:54:00.001+02:00

“Me pitan por ser rico, guapo y gran jugador”, declaró Cristiano Ronaldo después del partido de Champions en Zagreb. Y luego vino el vendaval. En ninguna de las ediciones digitales donde apareció esta frase lapidaria, el número de insultos bajó de los chopocientos. “Creído”, “idiota”, “imbécil”, “poligonero”, “guatanebikonso”, y, en nuestro querido LNE.ES, “fato”. Esa estupenda gente que se dedica a comentar las noticias de los periódicos, se arrejuntó como una enorme liga de supervillanos idiotas contra el bueno de Cristiano. ¡Ay, qué labor más gratificante es masacrarle en Internet! ¿No les encanta el combate cibernáutico entre “Gijondemicorazon_87” y “Prosineckifan78”? ¿Y cuando un conocido te suelta, orgulloso de su majadería, “Galán, ¡cómo puse a parir a Cristiano en lahojaparroquialdeSanMartinDeLosBerruezos.com!”?

Y todo porque, por fin, alguien trae un ñasco de realidad al fútbol español. Estamos demasiado acostumbrados a tonterías de Del Nido (“Este movimiento [12 clubes vs. Madrid y Barça, una broma] no tiene marcha atrás ni para coger impulso”), medias mentiras de Rossell (sobre la Supercopa, “veníamos de la playa y le ganamos el título a un equipo que estaba mucho más preparado”) y vaciladas de Guardiola (“Ya sabemos que Busquets es un inútil”), como para distinguir la maravillosa verdad que esconden las declaraciones de CR7. Deberíamos escribir una estadística de la cantidad de zurriagazos que el portugués recibe en cada partido y, en especial, del hachazo que le costó tres puntos de sutura en Zagreb. Y, encima, le silban. No queda más que concluir, ya que no me puedo creer que humanos tan limpios abucheen a una víctima, que lo hacen por otros motivos.

De las tres razones que apuntaba el luso, creo que la principal es que le gritan porque ¡¡vuelve locas a las fans de Melendi!! Esa quijada y ese pelaco engominado son lo que encabrona al mismo personal que, si le tuviese en su equipo, le aplaudiría. Grande Cristiano… pero hemos encontrado una incoherencia en la teoría. Si solo se silba a los guapos, ¿qué problema hay con Puyol en los campos de España?

LOS AMOS DE BROOKLYN

2011-09-17T07:31:00.000+02:00

Director: Antoine Fuqua
Intérpretes: Ethan Hawke, Richard Gere, Don Cheadle
Web: http://www.brooklynsfinestthemovie.com/

Pareciera como si en la carrera de Antoine Fuqua sus reivindicaciones afroamericanas de videoclip y sus dejes de realizador de grandes producciones solo hubiesen condensado bien en dos proyectos: un documental sobre el Blues (con concierto incluido), “Lightning in a bottle” (2004), y una joya del Nuevo Cine Negro Norteamericano, “Training day” (2001), con Denzel Washington y Ethan Hawke. Las premisas de “Los amos de Brooklyn” remiten a esta última película: en ese barrio de Nueva York conviven tres policías, un infiltrado (Don Cheadle), un corrupto (Ethan Hawke) y un casi-jubilado (Richard Gere).

Desechando el terrible “planteamiento Iñárritu”, donde las tramas confluyen por lo civil o lo criminal, Fuqua estructura su guión trazando tres paralelas que en rara ocasión se cruzan y que casi forman un filme de capítulos independientes. Desgraciadamente, “Los amos de Brooklyn” cae en el principal error de este tipo de películas, la excesiva fragmengación. Fuera del valor de cada uno de los segmentos, Fuqua no encuentra un hilo conductor que pueda sustentar a su metraje de forma global: es ¿un noir? ¿un drama? ¿un cuento moral? De sus capítulos, comandados por un trío de grandísimos actores, se empequeñecen los guiones de Hawke (un previsible descenso a los infiernos) y de Cheadle (huérfano de contenido), al lado de la historia que protagoniza un entonadísimo Richard Gere.

Aunque tropiece con algún tópico (esa prostituta buena de la que se enamora), los minutos de ese policía que intenta salvar, por una vez, al mundo, bastan para reafirmar que el talento del actor budista se expande mucho más allá del cine comercial.

NOCHE DE MIEDO 3D

2011-09-13T12:38:00.001+02:00

Director:Craig Gillespie

Intérpretes:Anton Yelchin, Collin Farrell, Christopher Mintz-Plasse

Web:http://www.welcometofrightnight.com/

Nuestraviejunez rampante, que ya incluye el alquiler en un BETA de lapelícula original de “Noche de miedo 3D” (“Fright night”,Tom Holland, 1985), temía un “remake” infectado de esevampirismo a lo Stephanie Meyer: asexualidad “cool”, goticismo eimpostura. Los nombres de los implicados calmaron rápidamentecualquier prejuicio: Craig Gillespie (el director de “Lars &the real girl” y la subvalorada “Mr. Woodcock”), David Tennant,el gran Christopher Mintz-Plasse y, como el chupasangres antagonista,una buena dosis canallesca de Collin Farrell.

Estos(benditos) ingredientes se reúnen en la historia de un adolescente(Yelchin) que descubre que su vecino es un vampiro (Farrell) y tratade evitar que acabe con su barrio con la ayuda de un cazadorprincipiante (Tennant). Despojada de ese (irrecuperable) encantosuburbial-ochentero que el original compartía con producciones desimilar fondo (“No matarás… al vecino”, de Ray Peterson) yataviada con un innecesario 3D, sí posee el filme de Gillespie otrosméritos: proporcionar sabor “teen” a un argumento universal yresucitar el envidiable ritmo de su predecesora. Ese animal salvajeque encarna Collin Farrell con actitud “rock & roll” nosbasta, al estilo de una magdalena de Proust mojada en sangre, parahacernos conscientes del por qué nos gustaban los vampiros y, sobretodo, del por qué dejaron de gustarnos. En este sentido, la luchaentre ese depredador insaciable y el cazavampiros al que acude elchaval evidencia las intenciones del cineasta: frente a la sexualidadmantis de Farrell, Gillespie contrapone a un cazador que vive de unosespectáculos en el Hard Rock Hotel de las Vegas con vampiros yvampiras góticos, enamoradizos y grandilocuentes.

Resultaque, casi una empresa heroica, alguien reivindica el vampirismo comomaldición y aún no es lo más interesante del filme. Dice mucho delguión original de Tom Holland que el “nerd” interpretado porChristopher Mintz-Plasse (“Supersalidos”) termine pasando a la“wild side” de ultratumba y alcance el sueño de todo empollónde instituto. Aunque siga sin ligar con una chica (¡inclusotransformado en el arquetipo por el que suspiran miles deadolescentes!), el buen chaval sí ha conseguido convertirse en unade esas figuritas coleccionables, convertirse en uno de esospersonajes de cómic que amontona en casa y que su madre siempreamenaza con tirar.

CERCA Y LEJOS CON VILLA

2011-09-13T12:34:00.002+02:00

Yo era un «yonqui» de «Barrio Sésamo». Me levantaba los sábados por la mañana y allí estaban esos monstruitos de peluche que te ayudaban, como niño cabezón, a manejarte por las dificultades de la vida. ¿Que necesitabas el abecedario? Teníamos a la rana Gustavo, con su parecido razonable a Pepiño Blanco, explicándotelo. ¿Que tenías que conocer dónde se colocaban los pasteles en una panadería? ¡Perfecto! ¡La labor de Chema! Eso sí, para un niño desorientado, la gran aportación del programa la trajo, un martes por la tarde, Coco. Coco era un monstruo azul con mucha clase que, mediante un bellísimo plano fijo, nos enseñó la diferencia entre dos conceptos complicados: «cerca» y «lejos». El método era precioso, señores. El bicho se colocaba frente a la cámara y gritaba «¡cerca!». Después, se situaba al fondo y gritaba, en la distancia, «¡lejos!». Ni Schoppenhauer utilizaba razonamientos tan magníficos.

Sencillez y algarabía infantil. Dos cosas por las que Coco triunfó en «Barrio Sésamo». Dos cosas que le faltan a David Villa para triunfar en el Barça. Y es que se puede pensar que el asturiano cree que el equipo se dispone a su alrededor con el objetivo de asistirle constantemente. El error garrafal del segundo gol de la Real no sólo muestra una equivocación sino, más importante, manifiesta una desconexión total del formato de juego barcelonista, siempre tan preocupado por las jugadas grupales y la asistencia de unos a otros. Bendito Aguirretxe, que marcó, y bendito Busquets que, en su maravillosa locura transitoria, intentó parar el balón con la mano. Qué divertido. Los minutos siguientes del delantero fueron como cuando Coco se escapaba de plano tras explicar su división del espacio: desaparecía por un lateral de la pantalla y no se le volvía a ver.

Por eso, siempre gracias a ésta, nuestra gran caridad madridista, le vamos a enviar a Villa un DVD de «Barrio Sésamo's Greatest Hits». A mí Coco me ayudó a salir de «Desorientados anónimos» y creo que al «Guaje» le va a venir bien. Y no estaría mal pasarle una copia también al inoperante Guardiola, un entrenador «muchomejorqueMourinho», que dejó escapar un partido con cero a dos en el marcador.

EL DEDO DE M.O.U., EL EXTRATERRESTRE

2011-08-29T09:59:00.000+02:00

M.O.U. solo quería señalar a "Pito" su casa

Arranca la Liga y, un año más, lo que importa es machacar a Mourinho. La buena imagen de la Supercopa se evaporó en la prensa nacional entre ataques al Real Madrid. Su “dedazo” a “Pito” Vilanova eclipsó todos nuestros esfuerzos y, de la noche a la mañana, nos convertimos en unos genocidas. Que si íbamos a quebrar la selección; que por qué Florentino no se disfraza de Hulk Hogan e interviene; que por qué no se disculpa el “míster” (incluso Joan Gaspart, en el límite de la desfachatez, lo exigió). Si en esos días E.T. hubiese bajado a la tierra, a su índice rojo y prodigioso le prestarían menos atención. Estoy seguro que los culés dirían algo como “ese monstruo fecal podrá hacer volar a prepúberes y bicicletas y descubrir nuevos caminos a la ciencia, pero... ¿tú has visto la agresión del cerdo de Mourinho a “Pito” Vilanova? ¡Menudo sinvergüenza!”.

Mourinho ya ha pedido disculpas al madridismo, detalle que no han imitado “Pito” y sus “apandadores” azulgrana por sus provocaciones en el banquillo del Barça. Pasen página, señores, y recuerden que el bueno de José estuvo trabajando con ustedes durante ¡cuatro años! y no hubo ninguna queja por su personalidad, sobre todo cuando hoy le pintan como una mezcla de Gadafi, el malo de “Avatar” y Teddy Bautista. Aparte, me parece muy exagerado y ventajista llamar “agresión” a una acción que no inmuta ¡ni a un señor de bigote! (sí, ese tipo del fondo de la imagen igualico que Aznar).

Además, no se equivoquen, el gesto de Mou ha sido un servicio al madridismo más increíble que cuando E.T. conectaba sensorialmente con el chaval protagonista. Mi generación ochentera de merengues siempre ha estado marcada por un movimiento de dedo: el de Michel tocando el “paquebote” de Valderrama. No había un partido en el colegio en el que un niño azulgrana no te dijese “jugamos, vale, pero ni me roces la pilila”. Qué graciosos (y que imberbe es la palabra “pilila”) eran mis compañeros culés de una sola ceja. Nuestro profeta Mou ha hecho que, en la limitada memoria de nuestros enemigos acérrimos, el foco táctil de la vergüenza madridista se desplace de una parte del cuerpo a otra. Y, piénsenlo, por muchas tardes de triunfo que te dé esa bendita parte del cuerpo, para aliviar el escarnio infantil y juvenil siempre es mejor que se centren en la segunda y te suelten “jugamos, vale, pero ni me roces el ojo”.

EL PERFECTO ANFITRIÓN

2011-08-27T18:46:00.000+02:00

Director: Nick Tomnay
Intérpretes: David Hyde Pierce, Clayne Crawford, Nathaniel Parker
Web: http://theperfecthostmovie.com/

Cuando te acercas a un festival de cortos (y en España hay muchos y, algunos, muy notables), observas que el “efecto sorpresa” es la principal adicción de los jóvenes cineastas en sus trabajos. Pocos medios, pocos personajes, actores “amateur” y un giro de guión. “Éste reamente no era éste”, “nuestro ángulo de cámara del principio no nos descubría dónde estaba realmente el protagonista”, “la conversación se basa en un doble sentido que realmente se revela al final”... una letanía de golpes de efecto que, aunque en contados casos funcionen (por ejemplo, el magnífico “Si o no” de Isabel Poveda Llanos), en la mayoría se diluyen por reiteración.

Eso sí, tranquilícense, parece que este mal es global. Así, no extraña que “El perfecto anfitrión” descienda de un corto de su director, “El anfitrión”, multipremiado en Australia. Producción modesta con el añadido de David Hyde Pierce (Neils en “Frasier”), la cinta desarrolla el encuentro entre un ladrón a la fuga y un conocido que le acoge en su casa. A pesar de que su estructura recuerda, a ratos y en la distancia, a “La Huella” de Joseph L. Mankiewicz y a “Hard Candy” de David Slade, la película se pierde en sus obviedades (quizá la más sangrante sea el mostrar, mediante un montaje grosero, que la cena solo está en la mente del anfitrión) y en su obsesión por dejar al espectador boquiabierto. Quitando sus imposturas y sus excesos (esa escena en la que se corta el cuerpo, casi humorística), la interpretación de Hyde Pierce acaba por capitalizar lo bueno del filme de Tomnay, ya aburridos de un director que confunde un recurso de guión, con un argumento; una sucesión de sorpresas, con un largometraje.

DINERO FÁCIL

2011-08-27T18:43:00.000+02:00

Director: Daniel Espinosa
Intérpretes: Joel Kinnaman, Matias Padin, Dragomir Mrsic

Con “Dinero fácil”, Daniel Espinosa propone un terceto de historias que transcurren en ese microcosmos de marginación y delincuencia que crece en paralelo a la existencia cosmopolita, de revista de viajes, de Estocolmo. Un taxista y su hija, un hombre que se ve envuelto en tráfico de cocaina, y un inmigrante latino, componen el cuadro de relaciones que, capital sueca (sí y no) de fondo, funcionan con doble filo: por una parte, un “thriller” interesante y, por otra, un drama mediocre. Es en sus episodios de robo donde la película brilla con mayor intensidad, en especial, al cruzarse los tres personajes con un propósito “noir”: escamotear dinero a un capo mafioso. De aroma al reciente “thriller” norteamericano (“Ciudad de ladrones”), se atranca Espinosa al manejar más elementos genéricos que el estrictamente policiaco. Ninguno de sus actores termina convenciendo porque “Dinero fácil” no les facilita bien alcanzar sus objetivos. De todos modos, es justo aceptar que, aún no siendo su combinación de elementos la mejor para el filme (irregularidad de historias, poca agilidad en su último tercio), sí se nota la labor de alguien que sabe hacer cine, de alguien que puede regalarnos una alegría en cualquier momento.

MANUALE D’AMORE 3

2011-08-20T11:40:00.000+02:00

Director: Giovanni Veronesi
Intérpretes: Robert De Niro, Michele Placido, Monica Bellucci

Giovanni Veronesi es, en Italia, al amor pastoso lo que Santiago Segura es, en España, a la roña y el cutrerío. Cuestión de prioridades nacionales. Con su primera “Manuale D’Amore” el director azzurro recaudó 15 millones de euros en su país y ese pequeño impulso le ha ayudado a crear una saga de historias entrelazadas (esta entrega se divide en tres trozos: “juventud”, “madurez” y “vejez”) que amenazan con extenderse hasta el infinito. (Bien) enterradas en la memoria sus dos predecesoras, de “Manuale D’Amore 3” resultan sorprendentes unos cuantos elementos. El más notorio es el protagonismo de Robert De Niro en su tercer capítulo. Salvo por la oportunidad de ligarse a Mónica Belucci (en la ficción), no se entiende cómo el actor norteamericano se ha prestado a un texto de enredos que podría firmar cualquier guionista novel de teleserie española. Tras una voz en off que reflexiona sobre las emocionalidades basura de su personaje, De Niro incurre de nuevo en esa especie de maldición que somete a su carrera a vejaciones indecibles con tal de seguir trabajando.

Pero aunque la incoherencia en el asunto De Niro sobresalga por motivos marketinianos, ésta no nos debe ocultar el fondo de los argumentos de Veronesi. Bajo sus tonos de novelón y bajo el prepúber que abre cada sección del filme, arcazo en mano (no nos vaya a quedar claro que es Cupido), se esconde un retrato del amor tan carca, pringoso y conservador que chirriaría a Franco Zefirelli. Quién nos iba a decir que añoraríamos a semejante cineasta hoy, en estos terribles tiempos berlusconianos, cuando Veronesi y el insoportable Moccia nos trepanan, por lo menos, una vez al año.

NUEVO BLOG EN ESQUIRE!!

2011-08-17T08:38:00.002+02:00

PAUL

2011-07-23T23:58:00.000+02:00

Director: Gregg Mottola
Intérpretes: Simon Pegg, Nick Frost, Kristen Wiig
Web: http://www.quienespaul.es/

La pareja formada por Simon Pegg y Nick Frost es impermeable a los géneros. Desde su físico de cuarentañeros nerds han (re)escrito, para su (nuestro) goce y disfrute, aventuras que reaniman a narrativas en hibernación: el serial de treintañeros (“Spaced” en la BBC), el cine de zombies (“Zombie’s Party”) o el misterio a la inglesa (“Arma fatal”), nada se les resiste. Con “Paul”, su tercer filme, desvelan lo cercano que está el humor de la aventura a través de la historia de dos “freaks” ingleses que, mientras hacen un tour guiado de los lugares de avistamiento OVNI en Estados Unidos, se topan con un alien en fuga. Estructurada como “road movie” (el gobierno y un esplendoroso fundamentalista persiguen al extraterrestre), “Paul” utiliza los saludables hábitos postmodernos de desmitificación, referencia y remezcla (en un alarde, Spielberg participa descubriendo los secretos de “E.T.”) como motor de un metraje altamente recomendable que, de paso, aprovecha para ridiculizar a la ultraderecha religiosa de Estados Unidos.

Sobreponiéndose a la ardua tarea de sustituir en la dirección a su habitual Edgar Wright (“Scott Pilgrim contra el mundo”), Greg Mottola (“Adventureland”) recicla las entregas británicas previas de presupuesto medio en un menos afortunado (y amable) “tempo” de superproducción norteamericana; un objetivo que, a ratos, se anima con el apoyo de un reparto espectacular (una gran parte de “Saturday night live”, con una destacada: la magnífica Kristen Wiig), de unos cuantos gags muy efectivos, y de su permanente baile de arquetipos (el alien es un gamberro postadolescente; los héroes son un gordo y un flaco). Homenaje explícito a esos filmes que germinaron al calor comercial de “E.T.” (incluso se enorgullece de ello con un chiste en referencia a “Mi gran amigo Mac”), la cinta de Mottola tiene la desvergüenza artística de situarse, mediante el humor, por encima del “trash” comiquero que adora. En lugar de concluir su trilogia, la dignísima “Paul” nos obliga a pedirles a Pegg & Frost que continúen sus lustrosas peripecias con otro subgénero “freak” y conviertan su amistad ¡ya! en serial cinematográfico.

LOS PINGÜINOS DEL SR. POPPER

2011-07-23T23:56:00.000+02:00

Director: Mark Waters
Intérpretes: Jim Carrey, Carla Gugino, Clark Glegg
Web: http://www.lospinguinosdelsrpoper.es/

Veinticinco años después de sus actuaciones de “standup” y del “Saturday Night Live”, es un buen momento para resaltar los méritos de Jim Carrey, un actor que ha sido capaz de convivir con proyectos mainstream (“El grinch”, “Man on the moon”), de culto (‘Yo, yo mismo e Irene”, “Un loco a domicilio”, “Las chicas de la tierra son fáciles”) y que posee, al menos, un par de obras cumbre en su filmografía (“El show de Truman”, “Olvídate de mí”). La eterna cantinela con su sobreactuación no justifica ennoblecer los enormes méritos de un intérprete que acaba de cumplir todavía cuarenta y nueve años y parece dispuesto a seguir buscando retos.

Dicho esto, “Los pingüinos del Sr. Popper” cumple la labor alimenticia a la que cualquier actor hollywoodiense está obligado. Adaptación de un cuento infantil de Richard y Florence Atwater, Carrey da vida a un recién divorciado que encuentra sentido a su existencia cuidando a un grupo de pingüinos que han aparecido en su puerta. Sin ninguna pretensión, llaman la atención los pocos detalles de la película de Mark Waters que llaman la atención: quizá tan solo pequeñas concesiones al gamberrismo de Carrey como ese estupendo primer plano de su cara frotándose, en modo saludo, por toda la mano de una increíble Angela Lansbury. A medida que avanza el metraje, por la recurrencia de su estilo y el buenismo de sus planteamientos (ese rollo pastoso de arrejuntar de nuevo a unos divorciados), dedica uno el tiempo a pensar cuándo nos sorprenderá otra vez el bueno de Jim. Probablemente, cuando termine de pagar su mansión.

HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE. PARTE 2.

2011-07-17T10:07:00.002+02:00

Director: David Yates
Intérpretes: Daniel Radcliffe, Rupert Grinch, Emma Watson
Web: harrypotter.warnerbros.es

El crecer (o envejecer) en paralelo a la saga de Harry Potter otorga al mago de J. K. Rowling (y a Daniel Radcliffe, Rupert Grinch y Emma Watson) un aura de compañero de viaje que, en su despedida, significa aún más. Es evidente que, desde el estreno de “Harry Potter y la piedra filosofal” en 2001, el niño ha madurado a la par que su serial: aquellos elementos que en la primera entrega prometían divertimento y remezclas tontorronas (descubrir al culpable de los múltiples misterios de Hogwarts; video-jugar en los aires con las carreras de Quidditch), se han ido oscureciendo hasta este desenlace final que tiene poco de irrelevancia infantil y mucho de gravedad mesiánica. A partir de la mejor cinta de la serie, la oscura “Harry Potter y el prisionero de Azkaban” (Alfonso Cuarón, 2004), se puede apreciar que las artimañas de la multilogía se van encaneciendo con sus actores y no se detienen en sus fronteras juveniles, sino que señalan con acierto a referentes muy bien traídos y muy serios: las fantasías distópicas de Orwell (“Harry Potter y la orden del Fénix”) o el suspense hitchockiano basado en el recuerdo psicoanalítico (“Harry Potter y el príncipe mestizo”). Esta (r)evolución silenciosa, tras las que Rowling mantiene ágiles costuras de Agatha Christie y fabulaciones de Tolkien, alcanza un climax bíblico en la primera parte de su conclusión, donde Harry adopta, por fin, el papel de salvador de su comunidad.

Comienza la segunda parte con los últimos segundos de su predecesora, que sirven para reforzar que ambas forman un conjunto indivisible y no se pueden explicar por separado: Voldemort grita al cielo, disparando la varita de Dumbledore, y entran, ahora, los títulos iniciales. El prólogo de David Yates evidencia sus intenciones: el director no quiere a nadie en la sala que no (re)conozca bien el resto de aventuras, solo inyecta a los yonquis potterianos la emoción con la que cerraba su anterior filme y les arrastra de nuevo, lo cantaban los Doors, al otro lado. La obligación de traer estudiado el magisterio de Rowling se nos confirma con el arranque, que combina hábilmente las referencias al pasado con el habitual engarzado de misterio de las películas de Potter (en este estreno, ya es un engarzado total que mata todas las incógnitas de la serie), y la aventura mesiánica de un elegido que busca liberar a su pueblo del mal. Ésta es la gran baza de “Harry Potter y las reliquias de la muerte”: por encima de sus estupendos (y briosos, y desbordantes, ¡y en 3D!) ejercicios digitales (esas copas que se multiplican, ese vuelo en dragón moribundo, esos ejércitos atacando Hogwarts), funciona la constitución torturada de Potter como salvador resurrecto, como niño viejo que asume la labor del héroe, cumplimentando a la(s) parte(s) previa(s) con lógica y garra admirables.

Escriben Jordi Balló y Xavier Pérez en su inagotable “La semilla inmortal” (Ed. Anagrama), que los relatos mesiánicos atraviesan varias etapas: la aparición, después de una profecía, de un líder en tiempos de crisis; la ayuda de fuerzas sobrenaturales para que éste sobreviva; la revelación al héroe de su destino y su confrontación al mismo; y, finalmente, su muerte trascendente, culminada con la resurrección. Ése es el itinerario para el que Rowling lleva cincelando a su chiquillo desde la citada película de Alfonso Cuarón. Potter aquí es adulto y, además de su labor redentora, descubre, al igual que Batman en “La broma asesina” o Bruce Willis en “El protegido”, que su némesis forma parte de él, con un plano brutal que pone en piel, sangre y carne, lo que de Voldemort posee Potter dentro de sí. Esa riqueza del personaje principal, cual matrioska abriéndose, se fija aún más en el tapiz del largometraje cuando se enfrenta a los caracteres secundarios, minimizados en sus subtramas (salvo el Severus Black de Alan Rickman) a comparsas planos con el futuro resuelto, a argumentos agotados desde hace demasiado tiempo.

Por mucho que, a ratos, “Harry Potter y las reliquias de la muerte. Parte 2” suene a guiño a “fans”, se agradece que un serial pida de tiempo para su asimilación y que éste, especialmente en su antecesora, se dedique a explorar los recovecos de su carácter principal. Maravilloso culmen al universo de Rowling, hay que agradecer que el ecléctico grupo de cineastas que asumieron la serie hayan conseguido inocular el virus de los libros en el celuloide, tan comprometido con la aventura y el misterio como en el papel, y, por supuesto, hay que celebrar que el increíble reparto se haya responsabilizado de la tarea de reinventar algunos de los irregulares textos de la autora británica.

En contraposición a su principio, desbordado de ilusión infantil por traspasar el muro mágico de King’s Cross, cierra la saga una deliciosa reflexión de madurez serena que algunos de los espectadores veinteañeros serán incapaces de asimilar: la (predes)aparición de un Harry avejentado y padre de familia, lejano al prepúber que (nosotros también) dejamos atrás. Explica Fernando Savater a aquellos que piden más secuelas: “Al final de los finales, los magos crecen, salen de la adolescencia y se convierten en padres y madres de familia, como era de esperar y quizá de temer. Pero, seamos sinceros, ¿cabría esperar otra cosa? La edad de los hechizos concluye en la paternidad responsable y el último conjuro, el más necesario y difícil de todos, el irreversible, es el que lanzamos para proteger y bendecir a los hijos que van a seguir viviendo la aventura eterna en nuestro lugar”.

BETTY ANNE WALTERS

2011-07-17T10:04:00.000+02:00

Director: Tony Goldwin
Intérpretes: Hillary Swank, Sam Rockwell, Minnie Driver
Web: http://www.foxsearchlight.com/conviction/

“Aquí llega la historia de “El huracán”/ El hombre al que las autoridades culpaban/ De algo que nunca hizo”. En su canción “Hurricane” (Desire, 1976), Bob Dylan narra la historia del boxeador negro, Robin “Huracán” Carter, acusado de un crimen que no había cometido. Como la canción protesta (ésa de la que “Hurricane” hereda su narrativa), la cinematografía norteamericana se nutre de falsos culpables (“wrong men”) que son, casi siempre, “wronged men” (hombres engañados). Pero no solo Hitchchock y sus suspenses desarrollan esta figura; la épica del inocente ha sido explotada de las formas más variopintas: del telefilme estándar (“basado en hechos reales”), a variantes malévolas (y divertidas) que pertenecen al subgénero de “quién es el asesino” (“Testigo de cargo”, “Las dos caras de la verdad”) que tanto detestaba el maestro inglés.

Tony Goldwin, director de la insufrible “The last kiss”, nos presenta “Betty Anne Walters” con la proclama de una película consagrada al oficio de dramatizar el caso real de un acusado/engañado (Sam Rockwell) y la pelea titánica de su hermana (Hillary Swank), durante veinte años, para sacarle de la cárcel. Lo que deberíamos plantearnos es qué pretende un filme sustentado por una noticia periodística: si esta premisa se reduce a poses comerciales (aprovechar el tirón sensacionalista del suceso o certificar la mímesis de tal o cual actor con una persona pública) es muy posible que todo acabe en otro metraje efectista de sobremesa. Y a esto se asemeja el tercio inicial de la cinta de Goldwyn, una sucesión de imágenes convencionales que ya hemos visto muchas veces y con las que intenta ilustrar la vivencia de superación de la biografiada. Recorren sus primeros minutos, como si se tratase de un catálogo de estampas turísticas, el asesinato con una habitación ensangrentada; el juicio y el presidio; la hermana que se obsesiona con su liberación y el progresivo abandono de su vida personal con tal de evitar a su familiar la cadena perpetua.

Se salva “Betty Anne Walters” de su destino gracias a su reparto principal. Aunque Hillary Swank regrese a ese carácter sureño, de físico hosco, que ya la engrandeciese en “Million Dollar Baby” y sucedáneos, el polimorfismo de Sam Rockwell le ayuda a no caer en una revisitación rutinaria de su papel. Entre ellos y una terna de secundarios potentísimos (Melissa Leo, Juliette Lewis, Peter Gallagher, Minnie Driver) consiguen recuperar a la película de la realización cadáver de Tony Goldwin. Pareciera como si el arte se rebelase ante aquellos que quieren ficcionalizar la vida con tanta monotonía: todo les queda envarado, automático, carente de valor, hasta que llega Bob Dylan y escribe “Hurricane”, y nos demuestra que siempre existe una rendija donde la realidad se deja ver desnuda, contradictoria, indomable.

BAD TEACHER

2011-07-12T15:49:00.000+02:00

Director: Jake Kasdan
Intérpretes: Cameron Díaz, Justin Timberlake, Lucy Punch
Web: http://www.sites.sonypicturesreleasing.es/sites/bad_teacher/

En una de las escenas de “Bad teacher”, Cameron Díaz utiliza el visionado de la película “Mentes peligrosas” (la locura de John N. Smith con Michelle Pfeiffer de educadora cachas) como excusa para no impartir su clase y dejar la educación de los chavales en manos de quien se lo ha ganado: los “mass media”. Aquel estereotipo de la Pfeiffer, un mujer blanca, fuerte en el “ghetto” negro, capaz de enderezar la vida de sus alumnos, se torna en el modelo artificioso de una pija del Medio Oeste, interesada en ganar dinero a costa de sus pupilos e invertirlo en unas tetas nuevas. En esa(s) excusa(s) enorme(s) y siliconada(s) con la que una “material girl” se convierte por azar en una profesional de la docencia, reside la principal baza del filme de Jake Kasdan. Después de las notables “Zero effect” y “Dewey Cox”, el director vuelve a utilizar el re-montaje de un arquetipo como instrumento para la comedia, al trasladar la “rock & roll” actitud de John Belushi (y sucedáneos) a un cuerpo femenino que, eso sí, no toleraría la gordura del “Blues brother”. Este personaje “punk” de la actriz principal funciona cuando es en contraposición al mundo políticamente correcto que le rodea, y que aquí se revela, a ratos, con una estupenda sutileza y, en otros, con becerrismo máximo en la piel de esa maestra psicótica (Lucy Punch, un descubrimiento cómico reseñable), o ese director delfín-fílico interpretado por el gran John Michael Higgins.

Despues de un prólogo prometedor (un estupendo “flashforward” que muestra la caída en desgracia de Díaz), la película parece asegurar mayores bestialidades (ya nos tenía acostumbrados la actriz con sus aventuras de los Farrelly), pero el total flaquea al levantar Kasdan el pie del acelerador y termina atrancándose como el simiente estampado en la pernera de Justin Timberlake. Guardando mínimo respeto a su primer tercio, el microcosmos del “highschool” miserable de “Bad Teacher”, y que tan bien han entendido últimamente Bobcat Goldwaith y su “World’s Greatest Dad” o la serie “Community”, se desinfla con una serie de argumentos convencionales que acaban demostrando que la comedia romántica, cual sarpullido, consigue emerger en cualquier parte.

CARS 2

2011-07-12T15:48:00.000+02:00

Directores: Lasseter & Lewis
Web: http://disney.go.com/cars/cars2/index-cars2.html

“Cars” le supuso a los estudios Pixar de animación uno de sus primeros desencuentros con la crítica. Advirtamos antes que en su filmografía podemos toparnos con joyas como “Buscando a Nemo”, “Ratatouille” o “Up” y obras maestras como “Toy Story”, “Wall-E” o “Los increíbles”. John Lasseter, su impulsor, ha creado a su vera una maquinaria de dibujos animados que calcula perfectamente los tiempos y que le permite estrenar una película sobresaliente al año, una verdadera barbaridad teniendo en cuenta los pormenores de producción a los que están sujetos estos proyectos mastodónticos.

Quizá espoleados por los resultados críticos mediocres y, sobre todo, por los resultados comerciales excelentes de su primera entrega, Pixar se ha decidido a lanzar la segunda, casi a resuello vengativo con las reseñas y a continuación comercial con las taquillas. El retorno del animismo metálico de Lasseter se estructura como una “road movie” que termina en un campeonato del mundo, interlazados ambos con una trama de espionaje que siempre da la impresión de motor secundario al argumento principal y que busca un único propósito: alcanzar, en reserva, los setenta y cinco minutos de duración. A pesar de un esplendoroso universo digital (las plataformas petrolíferas del comienzo, refulgiendo como el Los Ángeles de “Blade runner”), las aventuras de Rayo McQueen y su compañero-grúa avanzan con una monotonía impropia de otros productos de la factoría y se basan en una serie de carreras inconexas (eso sí, alguna muy divertida, en Mónaco) que aguantan por sus guiños a ese bizarrismo europeo oteado desde California. Confirma nuestra teoría de hallarnos ante un filme “vende-coches-de-juguete”, cuando recordamos que en su promoción se destacaba la colaboración en las voces de Fernando Alonso y Lewis Hamilton, esos dos grandes actores.

BLACKTHORN

2011-07-04T20:36:00.001+02:00

Director: Mateo Gil
Intérpretes: Sam Shepard, Eduardo Noriega, Stephen Rea
Web: http://www.blackthornthemovie.com/

Como el western, el paradero final de Butch Cassidy siempre ha transitado la(s) frontera(s). Esta neblina biográfica que se formó alrededor de su muerte alberga a un forajido sin lugar al que dirigirse, sin destino que le contenga, y plantea la posibilidad de insertarlo en historias de diversa condición. La estela de este ser mitológico (y cinematográfico, gracias al “Dos hombres y un destino” de George Roy Hill) inspira a Mateo Gil (“Nadie conoce a nadie”) para rodar su siguiente proyecto, “Blackthorn”, en el que propone que Butch Cassidy se ha librado de su suerte y vive en Bolivia, apartado de sus recuerdos de bandido.

Sam Shepard recoge el testigo de Paul Newman e interpreta a un Cassidy crepuscular, inmerso en la huida de un ingeniero español (Eduardo Noriega) que acaba de robar al propietario de unas minas bolivianas. Interesante en su planteamiento y afortunada en la elección del actor principal, un Shepard que empequeñece a lo limítrofe, “Blackthorn” se queda en su envoltorio de western. Las referencias están ahí y bien se cuida Gil de que las palpemos con su grosería impropia de principiante (esos “flashbacks” impolutos que nos muestran cómo Cassidy, y no Sundance Kid, sorteó la muerte), organizando al metraje en una sucesión de postales en las que Sam Shepard trata de mantener el tipo, como un duelo a muerte con la vulgaridad. Si eliminamos lo superficial (“flashbacks”, un Noriega imposible) del trabajo de Gil, “Blackthorn” se revelaría en su verdadero papel de apreciable “mash up” sobre la nostalgia de un hombre al que le late la leyenda dentro y los hombres que le persiguen. En cambio, al extender sus argumentos y pretensiones a más allá de la media hora, el filme se recrea en imágenes bochornosas: su súbita transformación de “road movie” a película con sorpresa o ese plano, ese plano, de Eduardo Noriega sucumbiendo a la parca, ese plano, ese plano, ese plano, que produce, más por contraposición a la sobriedad de Shepard, una sensación de estar viendo un ejemplo involuntario, maravilloso en su tontorronería, de post-comedia. Al igual que un torero japonés o un bluesman de Chiclana (pero sin su sentido del humor), no dudamos de que el cineasta y el guionista responsables se hayan apropiado de la semántica del “western” (en “Blackthorn” hay, claro, pistolas, y sombreros, y whisky, y caballos, y bandidos, y...); asunto bien distinto es que hayan comprendido su sintáxis, su alma, esa cosa que no se captura recitando de corrido, con la pedantería de un empollón de la ESO que suelta en automático la lista de los reyes visigodos, todas y cada una de sus influencias.

WIN WIN (AQUÍ GANAMOS TODOS)

2011-07-04T20:34:00.000+02:00

Director: Tom McCarthy
Intérpretes: Paul Giamatti, Amy Ryan, Jeffrey Tambor
Web: http://www.foxsearchlight.com/winwin/

El universo del director Tom McCarthy se nutre del desamparo. Tanto su debut, “The station agent”, como su segunda película, “The visitor”, se ocupan de personajes aislados que, de pronto, son violentados por el azar: un enano (Peter Dinklage) que es obligado por la muerte a enfrentarse a su futuro y un monótono profesor universitario (Richard Jenkins) al que un visitante inesperado cambia su ritmo vital. Similares premisas utiliza “Win Win” al narrar la existencia de Mike Flaherty (Paul Giamatti), un ex-abogado y entrenador de lucha libre embarrado en el fracaso. La irrupción de un extraño, un adolescente inadaptado (y de grandes dotes deportivas), funciona en este caso como la gran oportunidad económica (¡por fin alguien que haga ganar al equipo!) para un padre cualquiera del Medio Oeste norteamericano.

Rodada con los mismos preceptos de su anterior cine (costumbrismo yanqui, familias desestructuradas, clases medias-bajas, denuncia social), además de con su habitual talento al escoger reparto (por no citar al gigantesco Paul Giamatti; Amy Ryan, Jeffrey Tambor, Bobby Cannavale), Tom McCarthy vuelve a regalarnos una joya sencilla que funciona con un resultado memorable. Lejos del buenismo del “mister” Denzel Washington de “Titanes”, nuestro protagonista es un buen perdedor miserable con el que el cineasta consigue evitar un elevado número de esas rutinas chirriantes y monocordes que pueblan las películas deportivas de superación. Aunque a priori “Win win” posea elementos suficientes para detestarla (chico problemático y repudiado, madre que le reclama, equipo que sólo le quiere por su talento deportivo), la maestría de McCarthy salva la situación como libera a sus personajes solitarios del aislamiento, con sutileza, artesanía y emoción.

TRANSFORMERS 3: EL LADO OSCURO DE LA LUNA

2011-06-30T10:47:00.000+02:00

Director: Michael Bay
Intérpretes: Shia LaBeouf, Rosie Huntington-Whiteley, Jack Dempsey
Web: http://www.transformers3-lapelicula.es/

En 1954, François Truffaut publicó un artículo esencial para comprender su filosofía cinematográfica. Bajo el título “Una cierta tendencia del cine francés”, su escrito planteaba el imperativo de otorgar al director una mayor importancia en el resultado de su película. Él (y, en algunas ocasiones, el productor) es el firmante final de lo filmado, ya que él es el único capaz de decidir el montaje, la puesta en escena, el casting, la fotografía o, en el caso de autores totales como Billy Wilder, el texto. Así, Truffaut aconsejaba al cineasta/autor que fuese el solitario (y receloso, y agresivo) guardián de su estilo, un modelo artístico que, resguardado a lo largo de su carrera, se convertiría en distintivo de su arte.
Lo revolucionario de la teoría de Truffaut sobre los autores es que también se puede aplicar a los directores comerciales. Estrenan “Transformers 3” y se nota que Michael Bay (“La roca”, “Bad boys”) posee una voz propia (y recelosa, y agresiva) que le aúpa a uno de los pedestales del Hollywood actual. “Transformers 3” repite con saña las premisas de las anteriores entregas: los Autobots liderados por Optimus Prime resisten a la enésima embestida de los Decepticons, esta vez escondida en una misteriosa nave que les aguarda en el lado oscuro de la luna. Abren el (impresionante) 3D del filme unas imágenes de archivo que construyen una esplendorosa ucronía: ¿y si el viaje a la luna fue motivado por el descubrimiento de una nave extraterrestre? Con este juego ahistórico, el prólogo constituye una de las partes más valiosas de “Transformers 3”, planteando un “what if” que inserta, en los tiempos de las “pulp histories” de ciencia ficción, una “pulp history” de ciencia ficción.

Termina el prólogo y los robots nos empujan de un cuerpo metálico a otro (muy) carnoso, el de Rosie Huntington-Whiteley, gélida sustituta de Megan Fox. Y, a partir de ahí, se suceden los automatismos del cine de Bay, dentro de una conspiración en la sombra que incuba el engaño a los Autobots y los humanos, inconscientes ambos del terror que se avecina. En esta parte, la película se vulgariza con una sucesión de escenas deslavazadas (la presentación de Patrick Dempsey, ese científico loco de Ken Jeong), que sirven para comprobar el pulso infantiloide que corroe los argumentos dramáticos de Bay cuando éstos se mueven fuera del artificio puro de acción y explosiones.

Solo un par de guiños culturetas (el infierno, nacido en la torre Trump de Chicago; la conexión “coeniana” de Frances McDormand y John Turturro) nos separan de la sucesión de píxeles ultraviolentos (asombrosamente alejados de las higiénicas primeras cintas de la saga) del último tercio del metraje. La destrucción de Chicago, que acaba tornándose la “playground” apocalíptica de los Transformers, ameniza la cuenta atrás hacia los títulos de crédito. En el universo de Michael Bay todo lo bueno es extragrande: los estallidos (rascacielos, helícopteros, seres humanos), los planos (generales, aéreos), las curvazas de Rosie Huntington y, cómo no, las esencias que arman a su nación norteamericana “bigger than life”. “Paz”, “ejército”, “honor”, “sacrificio”, “familia”, “pistolas” o “democracia” pertenecen a la enormidad de Optimus Prime o a la pomposidad de las habituales cámaras lentas de Bay, y bastan en su amontonamiento atolondrado para reafirmar que estamos ante la visión de un autor (megalómano) a la manera que describía Truffaut, eso sí, con un discurso atrancado en los mismos errores (guiones inconexos, ediciones imposibles, recursos caducos) y atrincherado en sus, cada vez menos, aciertos (ese espectáculo tan gigantesco como sus robots).

RESACÓN 2, ¡AHORA EN TAILANDIA!

2011-06-25T19:01:00.000+02:00

Director: Todd Phillips.
Intérpretes: Bradley Cooper, Ed Helms, Zach Galifianakis
Web: http://wwws.warnerbros.es/thehangover2/

Uno ya no sabe por dónde le van a enjaretar los géneros. De arranque, buscando la seguridad de lo conocido, pareciese como si a la aventura, al suspense o al fantástico se les acomodase mejor una serialidad clásica, insistente en arquetipos, recursos dramáticos y cronologías. Dicha armonía no suele replicarse en la comedia gamberra, tan asociada a una determinada edad y tan deseosa de renovarse con tal de no repetir chiste. Pero eso ha cambiado. En nuestra sociedad “cool”, al asimilar los pantalones cortos o una actitud juvenil hasta poco antes de morirnos (o hasta casi, casi justo antes, como el anciano de “Aquellas juergas universitarias”), la comedia gamberra ha encontrado un filón de caracteres que no caducan, o al menos no suenan incoherentes a las inclemencias físicas del envejecimiento (incluso, en sentido inverso, Todd Phillips propone un “Resacón 2” infantil en un “flashback”). Así, los personajes de “Resacón en Las Vegas” pueden ser jóvenes siempre como le ocurre a Hugh Hefner, y sólo deben estar preocupados en mantener el humorismo serial, es decir, en buscar dónde celebrar su siguiente colocazo, en decidir a quién pierden en esta ocasión.

Con su verosimilitud incorruptible de adultos preadolescentes, lo único que necesitamos es que la estructura no se nos desgaste por el uso y eso es lo que consigue Todd Phillips en su segunda aventura de descerebrados en Tailandia. Comprobamos, mediante una situación calcada a la primera entrega (una noche de puñetera locura, alguien que desaparece), que el director norteamericano ha hallado la oportunidad de supervivencia a su serial cómico: mezclar sus nuevos "gags” con una franquicia de suspense al estilo de Agatha Christie que aclare los misterios provocados por esa droga de más que siempre rula Galifianakis. No nos engañemos, al cineasta norteamericano le importa su comedia grosera y, además, consigue que los espectadores nos impliquemos en sus "mcguffin", en sus estupendas reconstrucciones “CSI” del día anterior. Maravilloso talento el de Phillips que nos controla como un muñeco de su trama haciéndonos reír (estupendos gags inter-culturales con un mono, imprescindible Ed Helms otra vez) e intrigándonos con su “suspens(c)omedia”. Recoge un doble mérito la segunda parte de “Resacón!”, compartido con cualquier serial de misterio de la televisión, al final se trata de plantear un culpable y que alguien, aunque sean tres mongoles, lo resuelva. Aquí reside lo divertido de “Resacón 2” (y en todos los desarrollos seriales), las expectativas que nos crea de género (incluido ese Zach Galifianakis en todo su esplendor) y las sorpresas que, aún con lo(s) mismo(s), nos regala hasta su habitual, monótono y placentero “happy ending” (en Tailandia, con más razón). Continuar igual para seguir de otra forma; ése parece el lema de un Todd Phillips que puede extender tranquilamente su franquicia a un buen número de entregas; esa magnífica filosofía es la que nos hace descojonarnos a pesar de que la secuela regrese a micropenes asiáticos, tontunadas de Mike Tyson o a una borrachera previa a un casamiento.

SOLO UNA NOCHE

2011-06-25T18:59:00.000+02:00

Director: Massy Tadjedin.
Intérpretes: Keira Knightley, Sam Worthington, Eva Mendes.
Web: http://www.lastnightmovie.com/

Se debería estudiar seriamente qué se considera infidelidad y cómo comunica ésta en nuestro Occidente del siglo veintiuno. ¿Una mirada furtiva a una chica del metro cuando no me ve(s)? ¿La tercera noche que tu marido se queda trabajando? ¿Unas palabras cariñosas de un ex de tu novia en Facebook? En “Solo una noche” la desencadenante de las tensiones entre Michael (Sam Worthington) y Joanna (Keira Knightley) es una mano lenta en un hombro. A través de un cristal de fiesta burguesa, Joanna observa la cercanía que una compañera de trabajo, Laura (Eva Mendes), demuestra con él y ese gesto comienza una retahíla de reproches. Al día siguiente, la pareja separa sus caminos (ella se queda en Nueva York y se topa a un antiguo amor, mientras él se va de viaje de negocios con Laura) y, en otro movimiento, la cineasta Massy Tadjedin nos plantea la artimaña que va a utilizar en su disección de la infidelidad: dos historias paralelas que no confluirán hasta el epílogo.

Al ver “Solo una noche”, se recuerda esa obra maestra póstuma de Kubrick, “Eyes Wide Shut”, que desgranaba, deambulando por la noche neoyorquina, los claroscuros del matrimonio burgués en el fin del milenio. Aquí también tienen presencia esencial la nocturnidad, un lugar cercado por bares, fiestas y cenas (casi todo el filme se confiesa en esos lugares), y Nueva York, como espacio perfecto para obedecer los mandatos de la infidelidad global (tan cercana y tan lejana; tan GPS ella). Pedimos lo mismo a los estudios sobre los (h)usos de los escarceos extramatrimoniales que al guión de Massy Tadjedin: una mayor mordacidad y contradicción en sus planteamientos iniciales. Con un reparto impecable (Sam Worthington resulta un actor solidísimo, a pesar de “Avatar”), “Solo una noche” se empequeñece por su utilización de un simplista (híper)paralelismo narrativo como motor dramático. Si Kubrick, Altman (“Short cuts”) o Antonioni (“La noche”) proponían aristas, dudas (en forma y fondo) a sus discursos sobre la infidelidad, las reflexiones de Tadjedin se quedan en un noble intento (más aún, al tratarse de un debut) del que solo quedan instantes (muy potentes, algunos) que le pueden dar a la directora pistas para futuros proyectos de superior calado.

MICMACS

2011-06-18T15:19:00.000+02:00

Director: Jean Pierre Jeunet
Intérpretes: Danny Boon, André Dussollier, Jean-Pierre Marielle
Web: www.micmacs.es

Lo mejor de Jean Pierre Jeunet es que ya funciona como franquicia de sí mismo. El éxito inesperado de “Amelie” (especialmente tras la separación de su “partenaire” Marc Caro), le otorgó un cheque en blanco para experimentar con su obsesiones formales en la irregular “Largo domingo de noviazgo” y, ahora, en “Micmacs”, venganza “naif” de un pobre hombre que atribuye a un traficante de armas la responsabilidad de la muerte de su padre. Como la casualidad constituye la esencia del cine del francés, todo en su nuevo filme va ligado a ese estrambótico azar de dibujo animado: una bala perdida que acaba alojada en el cráneo del protagonista o un micrófono que no entiende de espacialidad, determinan el desarrollo de la trama del largometraje. Porque cualquier género consigue Jeunet transplantar a su mundo y, lo que en Steven Soderbergh podría convertirse en un “Ocean’s Eleven” repleto de guaperas, dueños de casino y prostitutas, aquí se traslada a una serie de “freaks” desgarbados que se unen en su justicia (poética y universal, tontorrona y grosera) de vengar al planeta de la existencia del mal en sus entrañas (las minas antipersona, ese ejemplo de mal soterrado).

Cierto es que el cine del galo carbura a buen ritmo en fábulas bienintencionadas, estímulo previo a la compra de un bolso con el cartel de la película (“¡es tan mono!”), pero se atranca al escaparse de ese terreno conocido. Como “Alien Resurrección”, “Micmacs” nunca termina de encontrar su sitio, permitiendo a la lingüistica del autor emburdecer el total. Eso sí, encontramos logros a Jeunet (por mucho que no sean más que remezclas de otros anteriores): ese énfasis caleidoscópico en un Danny Boon silente o esos análisis políticos (Sarkozy, amigo del traficante) de divertida simplonería, que refuerzan al conjunto en su (acomodaticia) misión: reiterar el estilo de Jeunet caiga quien caiga.

KUNG FU PANDA 2

2011-06-18T15:17:00.000+02:00

Directora: Jennifer Yuh
Web: http://www.kungfupanda.com/

Incluso a primera vista, “Kung Fu Panda” dispone de un buen número de hallazgos. En una realidad audiovisual global y enmarañada, la producción de Dreamworks combina (y se recrea) en la remezcla de estilos hasta (cortarlos y) pegarlos en una sola formalidad. Aparte de a sus personajes recuerrentes (esa hábil contraposición de supergrupo/ antiheroe), el filme de Jennifer Yuh fuerza a cohabitar a, en principio, formatos contradictorios de animación (manga, 3D, animación clasica, Tex Avery) casi con la misma gentileza con la que su panda hace kung fu. Permanece la fórmula de los directores de la primera parte, Osborne y Stevenson, porque la firmante de la secuela retoma sus mandatos con una fidelidad extrema y mínimas licencias. Lo que funciona en la cabeza del espectador (maravilloso prólogo de teatro de sombras en 3D), mantenlo.

Y si hay una pieza esencial en la cabeza del aficionado al cine de aventuras, ésa es la posibilidad serial. Después del éxito (comercial y crítico) del capítulo inicial, parece lógico que las andanzas de Po y sus amigos se repitan hasta que se (nos) agoten. En está ocasión toca derrotar a un enemigo que proviene del pasado, un pavo real con aspiraciones edípicas que da pie a estudiar el inconsciente del oso protagonista en desbordantes “flashbacks”. Como le advierte su maestro (psicoanalista/zen, más cruces), una vez alcanzado el dominio de las artes marciales, toca encontrar la paz interior. Por eso, resulta lógico que la conclusión final sea contraria al materialismo de aquella estupenda escena de “Indiana Jones y el templo maldito” en la que Indiana demostraba empíricamente la superioridad de la pólvora frente a la espada. Quizá ambas ficciones no defiendan lo mismo pero, en suma (y aunque estemos de acuerdo con Indiana), “Kung Fu Panda 2” se disfruta por idénticas razones que las aventuras del arqueólogo spielbergiano; lo que tiene(n) de clásico, de inocente, de trepidante (y de moderno).

ALGO PRESTADO

2011-06-18T15:15:00.000+02:00

Director: Luke Greenfield
Intérpretes: Kate Hudson, Ginnifer Goodwin, John Krasinski
Web: http://somethingborrowedmovie.warnerbros.com/

Como veíamos la reciente “¡Qué dilema!”, los test de revista femenina escriben los guiones de la última comedia romántica hollywoodiense. El “Algo prestado” del título se basa en un lío típico de postadolescentes: ¿qué ocurriría si te acuestas (claro, enamorada de él) con el futuro marido de tu mejor amiga? El humorismo de saldo a costa de equívocos está a la orden del día en este guión adaptado de Jennie Snyder, una escritora ya curtida en productos semejantes como la serie “Las chicas Gilmore”. Kate Hudson (parece un espejismo su papel en “El demonio bajo la piel” de Winterbottom) y Ginnifer Goodwin (parece un espejismo su papel en la serie “Big love”) continúan su caminar por el cine más arcaico, previsible y conservador, confiadas no tanto en su carrera cinematográfica como en un buen número de posados en portadas “cool”. Poco se puede añadir al trabajo de Luke Greenfield que la confirmación del estado actual de la cuestión: la comedia masiva va mal.

INSIDIOUS

2011-06-13T12:53:00.000+02:00

Director: James Wan
Intérpretes: Patrick Wilson, Rose Byrne, Barbara Hershey
Web: http://www.insidious-movie.com/

En el subgénero de las casas encantadas, sólo hay dos opciones. O la vivienda quiere echarte (como en “Amityville”) o quiere que te quedes para siempre (como en “El Resplandor”). Lo interesante de la nueva propuesta del director de “Saw”, James Wan, es que opta por un término medio: la casa quiere que te vayas pero, maravillas de la interdimensionalidad, también te persigue. Eso le ocurre a la pareja formada por Rose Byrne y Patrick Wilson: una vez que su hijo entra en coma tras una caída, comienzan a sufrir el acoso de fuerzas paranormales. Rodada, en especial durante su primera parte, con un brío inusual que remite al “Saw” primigenio, “Insidious” remezcla (en ciertos momentos, a ritmo “Rocky Picture Horror Show”, y, en otros, esos dos frikis para-investigadores, a ritmo “Poltergeist”) algunos de nuestros miedos globales: la imposibilidad de asir el mal (aquí se emparentaría con terrores asiáticos como “The ring”), la oscuridad que subyace en las rutinas familiares del Medio Oeste norteamericano (“Paranormal activity”), o las neblinas que habitan la imaginación de los niños (uno regresa a la magistral “Los mundos de Coraline”).

A pesar de que el filme se base en una estructura rizomática, al final, la herencia del Jack Torrance de “El resplandor” acaba impregnándolo todo. Así, por mucho que Barbara Hershey ensamble otro de sus (recientes) personajes de madre perturbada, el viaje hacia interiores desdoblados compone el acierto esencial de James Wan. Se podrá achacar a “Insidious” alguna licencia de más o un cierto deslavazamiento al acercarse a su resolución, pero uno disfruta como un niño con su desbocada imaginería, un terrorífico espacio ¿vacío? que se alquila para atormentar, hasta el último fotograma, a la extraordinaria Rose Byrne.

ALMAS CONDENADAS

2011-06-13T12:52:00.000+02:00

Director: Wes Craven
Intérpretes: Max Thieriot, Zena Grey, Nick Lashaway
Web: http://www.iamrogue.com/mysoultotake

Por fin a Wes Craven se le reconoce el enorme mérito de conseguir que una parte de nuestro terror de gran consumo carbure través de maquinaria postmoderna. La saga “Scream” y, originalmente, “Pesadilla en Elm Street V” desafiaban al espectador con metaficciones, autoreferrencias y sanísimas parodias que terminaban armando el estilo del largometraje. Frente a riesgos previos como los que ya hemos descrito, “Almas condenadas” suena a retroceso. Catálogo de trucos que ya (parecia) superar “Scream” ¡hace quince años!, el filme trata sobre una hermandad de chavales que nacieron justo cuando un psicópata cometía el último de sus crímenes. Decidido a continuar con la venganza, el guión sigue las cuchilladas del “slasher” alrededor del pueblo con una monotonía y falta de originalidad sangrantes. Casi convencidos de que este trabajo debe de ser producto de un ayudante de dirección despistado y no de uno de los grandes maestros del terror contemporáneo, queda asumir el buen número de automatismos mediocres con los que Wes Craven juega en “Almas condenadas” como paso previo a su futuro desmontaje en la siguiente “Scream 5”.

NOWHERE BOY

2011-06-13T12:50:00.000+02:00

Director: Sam Taylor-Wood
Intérpretes: Aaron Johnson, Kristin Scott-Thomas, David Threfall
Web: http://www.nowhereboy.com/

Los años que precedieron al abrupto fallecimiento de su madre y a la posterior incubación de ese grupo de rock “n” roll que el mundo conoció bajo el nombre de los Beatles, constituyeron el periodo iniciático de John Lennon. El debutante Sam Taylor-Wood trata de capturarlos con un ansia muy cercana en intenciones (y muy alejada en presupuesto) a los telefilmes del corazón que pueblan nuestras pantallas rojigualdas. Los devenires de una vida de clase baja en el Liverpool de los años cincuenta, empantanada por una orfandad prematura, aquí son dibujados con un afán postal que desdibuja cualquier intento, si es que los hay, de atrapar con acierto y rigor la ambivalencia vital de John Lennon. Frente al cinismo (“éramos sólo cuatro tipos”, declaró en los setenta refiriéndose a los Beatles), y la nostalgia (“Madre, me tuviste pero nunca te tuve”, escribió en su LP de debut en solitario) con la que el músico recordaba su pasado, Sam Taylor-Wood atranca su desarrollo en un tour guiado (un impoluto McCartney cantando “Twenty flight rock” para entrar en los Quarrymen, un Liverpool higienizado) de la juventud de Lennon. Aunque quizá le afecte la ñoñería del conjunto, aprobado por Yoko Ono, es valorable el retrato de un personaje: esa Kristin Scott-Thomas que da vida a la (cariñosa, adorable, bondadosa) tía Mimi, la primera mujer en la que John Lennon buscó a su madre.

¡QUÉ DILEMA!

2011-06-04T11:07:00.000+02:00

Director: Ron Howard
Intérpretes: Vince Vaughn, Kevin James, Jennifer Connelly
Web: http://www.thedilemmamovie.com/

“¡Qué dilema” contiene varias demostraciones empiricas: 1) que la palabra “dilema” se ha depreciado (por mucho que lleve delante un intrascendente “¡qué!”, traicionando a la solemnidad del original “The dilemma”), y 2) que la carrera de Ron Howard, a excepción de la notable “Frost/ Nixon”, sigue retozando(se) en la mediocridad. Si en el pasado Maquiavelo se preguntaba "¿alma o estado?", Hamlet lanzaba al silencio eso de “¿Ser o no ser?”, o Batman se planteaba soltar a un Joker indefenso al vacío, parece sintomático que en nuestra sociedad MTVizada, la cuestión “dilemática” se desmerezca. En esta película, dos amigos preparan un proyecto importantísimo para General Motors cuando uno de ellos (Vince Vaughn) descubre que al otro (Kevin James) le están siendo infiel (la perraca de Winona Ryder). Al pobre hombre, le quedan dos opciones de consumo: ¿cuál es peor mal, perder un negocio o perder un amigo?

Allan Loeb, el guionista de la cinta, continúa con su afán por deconstruir, en tono de revista mensual, los vericuetos de las parejas postmodernas. Ellos son completamente imbéciles y ellas son muy buenas (Jennifer Connelly será buena siempre) o muy malas (como Winona Ryder): todo en el metraje se reduce a dicotomías (quizá de ahí se saque su principal interés, en su desvergüenza torera) que jamás carburan ni como comedia ni como drama (si consideramos un drama que tu mujer te engañe, claro). Casi por jugar un rato, por montar una polémica de tertulianos chuscos e insultarnos/lanzarnos bolígrafos, podríamos discutir si los arquetipos del filme se balancean más hacia posiciones machistas o hacia un feminismo marca “TELVA”. Vamos, permítanme aprovechar algo de “¡Qué dilema!”

SENNA

2011-05-28T11:22:00.000+02:00

Director: Asif Kapadia
Web: http://www.paramountpictures.com.br/senna

En una de las grabaciones del documental de Asif Kapadia sobre el extraordinario tricampeón de F1, Ayrton Senna, el carioca grita exultante su victoria en el Gran Premio de Brasil ‘91, finalizado en una agónica sexta marcha. Esa épica de semidiós (dandy) recubre la vida (y este celuloide) del corredor. Desde su llegada a Europa y su formación en los karts hasta las circunstancias de su trágica muerte, todo en “Senna” se imbuye de una monumentalidad que no siempre se ve acompañada por la capacidad del realizador al justificarla. Apoyándose en expertos e imágenes de archivo, solo consigue su objetivo cuando abandona las macrodeclaraciones (“sentí como si, al morir, su espíritu volase”, majadería del doctor que le atendió tras su accidente mortal) y se centra en la microhistoria del campeón.

De esta hagiografía de gran producción y mayor distribución (he visionado los doscientos y pico minutos del montaje original, que seguro ganarán en su versión editada para cines), interesan (y, al ser pocos, mucho) los resquicios que adivinan claroscuros a Senna, esas grietas que permiten atisbar a un personaje poliédrico y de superiores dimensiones que las que busca (o le dejan buscar a) Asif Kapadia. Como ocurre en los documentales autorizados por Norman Foster (“¿Cuánto pesa su edificio, señor Foster?”) o Pasqual Maragall (“Bicicleta, cuchara, manzana”), juegan a su favor las contadas ocasiones en las que el filme se distancia de su retratado o en las que se aparca el montaje automático de antiguos “reels” informativos. Relativiza a ese personaje mesiánico (y asexual) el amor-odio superviviente de un Prost avejentado, su emoción al recordar lo salvaje de los karts (casi un paraíso perdido), su territorialidad animal de (cualquier) campeón, o esos gritos de felicidad al haber conquistado lo imposible en el 91, en sexta marcha, en un país entonces sobrepasado por el presente.

PEQUEÑAS MENTIRAS SIN IMPORTANCIA

2011-05-28T11:21:00.000+02:00

Director: Guillaume Canet
Intérpretes: François Cluzet, Marion Cotillard, Benoit Magimel
Web: http://www.pequeñasmentiras-lapelicula.es/

Después del recomendabilísimo thriller “Ne le dis a personne” (“No se lo digas a nadie”, aún inédita en España), Guillaume Canet vuelve a la dirección con texto propio y unos cuantos de sus actores favoritos (Marion Cotillard, François Cluzet). Aunque, de arranque, ambas películas se distancien en temáticas, “Pequeñas mentiras sin importancia” comparte el suspense con su predecesora en una portentosa escena inicial que desafía al plano secuencia de larga duración. Un accidente de moto de un disoluto, éso son aquí los amantes de la noche y el copeteo, prologa el viaje purificador de sus amigos a una pequeña casita de playa donde aplacarán sus diversas sexualidades y sus filosofías new-age al calor de unas brasas.

Próxima a otros intentos de desgranar qué narices es eso de llegar a la cuarentena en la burbuja post-burguesa, su simplísimo guión le impide a uno acordarse de aciertos como “Los amigos de Peter” y, en cambio, le facilita rememorar lugares superficiales y bobalicones como “Las razones de mis amigos”. Los equívocos “gay” (vanguardia del humor), las inseguridades en las relaciones (especialmente, en aquellas que son “poco profundas”) y esa afición de Canet de machacarnos con una BSO obvia (“My way” en el funeral, “The weight” en una escena coral y, cómo no, Anthony and the Johnsons cuando estamos tristes), caracterízan a un metraje de elevadas pretensiones y mediocres resultados. Incluso su duración (casi ciento cincuenta minutos, un “rara avis” en películas de este tipo) nos obliga a pedirle a Canet que regrese a sus thrillers sin importancia pero, al menos, divertidos.

¡MANCHESTER REAL YA!

2011-05-23T13:53:00.001+02:00

¡Os queremos, Manchester!

Una Copa del Rey barriendo al Barça. Ciento dos goles con un equipo «defensivo». Pichichi histórico de Cristiano Ronaldo. Un entrenador que ha revolucionado hasta a TR1 (Toñín el toRero). Vale. Muy bien. No nos basta. El orden del Universo todavía no está en perfecta armonía. Falta un detalle, amigos: que el Barça no gane la Champions. Compañeros de otras escuadras, no se me lancen al cuello y reflexionen. Si los «gremlins» azulgranas arramplan con este título se verán autorizados para darnos la barrila durante todo el resto del siglo con eslóganes que ya se han probado falsos: «Hacemos el mejor fútbol de la historia», «Messi es el mejor jugador de la historia», «Nadie, en la historia, conseguirá igualar los títulos de la época Guardiola». ¿A que les suena? Si queremos evitar esto y las llamadas de los culés y las coñas marineras con Guti y a Shakira cantando «Tot el camp» y a…, es imprescindible que el Manchester se lleve la victoria el sábado.

Sé que por sus cabecitas pasarán cosas del tipo de «Este Galán es un miserable», «¿Por qué no se alegra de que gane un equipo español?», «¡Con lo que molan los partidos del Barcelona!», o «What the F.A.C.! ¡Vaya panzón que tiene Álvarez-Cascos!» (en este caso es que aún no han superado la impresión de admirar la lozanía de D. Francisco al celebrar su victoria electoral). Se equivocan. Les reitero: el Barcelona y su concepción del fútbol es un mal superior a cualquier desacuerdo que tengamos, un mal que ha provocado esta crisis generalizada en el mundo del fútbol: las diferencias cada vez más pronunciadas entre los clubes, los altos números de temporadas sin títulos merengues, la incapacidad de nuestros dirigentes, o el caso islandés (como todo se origina en esa isla, es seguro que algo relacionado con el Madrid tiene que haber ocurrido allí).

A modo de inspiración, deben de recordar esos momentos históricos en los que varios pueblos se juntaron contra terribles amenazas al futuro de la Humanidad: rememoren la colaboración entre los rusos y los norteamericanos en la II Guerra Mundial o la alianza de los Autobots y los Decepticons al descubrir que el malvado Galactus había infectado Las Vegas de zombies. «Friens of de Llunaited», ya sé que nuestro último enfrentamiento en Europa acabó con victoria blanca, ¡no nos lo tengáis en cuenta! Me encantaría felicitar a los jugadores de Manchester, especialmente a los enormes Javier Hernández, Berbatov y Vidic, por su nueva Liga. Van der Saar, Giggs, Ferguson, no lo dudéis, los madridistas estaremos apoyándoos fuera del estadio, acampados por un mundo mejor, libre de barcelonismo.

SETENTA CANCIONES PARA LOS SETENTA AÑOS DE BOB DYLAN

2011-05-23T11:09:00.003+02:00

(Escrito con Antonio Rico)

"Tangled up in blue", nuestro número 4

El próximo martes, 24 de mayo, Bob Dylan, el más ejemplar de los grandes compositores de canciones que ha producido la aparición de la música grabada a mediados del siglo pasado, cumple 70 años. Quizá a él ese día le pase desapercibido, aunque seguramente el público del probable concierto de esa noche le recordará su aniversario redoblando la pasión insana con la que habitualmente es recibido el viejo alquimista de estilos. Como si de un plan concebido hace cincuenta años se tratara, Dylan va volviendo cada vez más en sus discos y conciertos a las raíces más elementales de su obra y de la música popular norteamericana, dos conceptos cada vez más indistinguibles. Y así cierra un ciclo de blues, rock, folk y pop de una cantidad, calidad y densidad artística que no pudieron alcanzar ninguno de sus compañeros de generación. Setenta años de Dylan: es el momento perfecto para ensayar una de las setenta mil posibles listas diferentes con las mejores setenta canciones de Bob Dylan.

01. Mr. Tambourine Man (1965)

02. Like a rolling stone (1965)
Bruce Springsteen describió la sensación de escuchar por primera vez el trallazo de tambor con el que explota «Like a rolling stone» «como si alguien hubiese abierto la puerta de tu mente». Al Kooper, responsable de acarrear el Hammond en la canción, afina aún más la emoción: «Es como escuchar un golpe del martillo de un juez». En la composición, ese magistrado decide sobre el futuro de una chica pija caída en desgracia, quien, en una primera interpretación del texto, acaba siendo culpable. Los versos de Dylan producen una canción sin nostalgia, una epopeya de liberaciones: la de su protagonista, la del propio Dylan, o la de una generación hippie que la escuchó, amplificada y endiosada en los dedos de un (casi) cadáver llamado Jimi Hendrix durante la quinta jornada del Festival de Monterrey-67.

03. Changing of the guards (1978)

04. Tangled up in blue (1975)
Si Bob Dylan hubiera grabado un único disco y ese disco hubiera sido «Blood on the tracks», ya estarían plenamente justificadas las celebraciones que a lo largo de todo el planeta conmemorarán la semana que viene el septuagésimo aniversario del genio, la concesión del premio «Príncipe de Asturias» y la estatua del músico que próximamente se levantará en Washington Square. En la mitad de la treintena, exactamente en la frontera que su divorcio de Sara Lownds supuso entre dos etapas completamente diferentes de su vida, Dylan compone un disco brutalmente honesto, cuya solidez y clasicismo se mantienen intactos tras ser escuchado a diario durante los últimos treinta y seis años. Se abre con «Tangled up in blue». Si Bob Dylan hubiera grabado una única canción y esa canción hubiera sido «Tangled up in blue», bla, bla, bla...

05. Desolation row (1965)

06. A hard rain's gonna fall (1963)

07. I want you (1966)

08. Idiot wind (1975)

09. Blowin' in the wind (1963)

10. I and I (1983)
Cuenta Leonard Cohen una deliciosa anécdota acerca de esta canción. Charlando tras un concierto, Dylan preguntó al canadiense cuánto tiempo le había llevado escribir «Hallelujah». «Dos años», mintió Cohen, porque le avergonzaba reconocer que escribir esa canción le había ocupado más de tres años. A continuación, le devolvió la pregunta: «Y tú, Bobby, ¿cuánto tiempo tardaste en escribir "I and I"? «Quince minutos», contestó Dylan. «Maldito Dylan», termina Cohen, «estoy seguro de que él también me mintió. Estoy seguro de que la escribió en diez minutos».

11. Gotta serve somebody (1979)

12. Every grain of sand (1981)

13. Dirge (1974)

14. If you see her, say hello (1975)

15. Señor (tales of yankee power) (1978)

16. Sad-eyed lady of the lowlands (1966)

17. Shooting star (1989)
La sequía creativa que ya amenazaba «Empire burlesque» en 1985 se prolongó durante el resto de sus discos de los 80. Hasta que en 1989 de nuevo los planetas volvieron a alinearse, el mejor Dylan entregó «Oh Mercy» y todos respiramos aliviados. «Shooting star» quedó inmediatamente incluida entre los clásicos de su discografía, y nuestro escritor de canciones favorito se permitió sumirse en otra crisis fronteriza. Habría que esperar hasta 1997 y «Time out of mind» para que renaciera Bob Dylan convertido en el anciano y sabio bluesman que es desde entonces. «Vi una estrella errante y pensé en ti».

18. Precious angel (1979)
Aceptémoslo: estas estrellas del rock extravagantes viven durante décadas y décadas en mundos extraños, con fans trastornados revolviendo en los cubos de su basura, cometiendo excesos que se prolongan durante años, contestando entrevistas pseudoprofundas con respuestas pseudomísticas ante las cuales los lectores quedan pseudoboquiabiertos. ¿Cómo no se les va a ir la olla? Y a Dylan se le fue, se le fue del todo. Una mala mujer aprovechó un delicado momento personal para convencer al aturdido Bobby de que Jesús tenía un plan para él que pasaba porque abandonara toda su vida pasada, ingresara en una iglesia de «renacidos» y comenzara a grabar discos bíblicos anunciando la inminencia del Apocalipsis. Dicho y hecho, el ahora septuagenario empezó entonces a grabar estremecedores discazos de rock y gospel amenazando a la audiencia con infiernos ardientes en caso de que siguieran fornicando como venían haciendo. Discos buenísimos, por cierto. ¿Qué pasa?, ¿nos va a dejar de gustar la Capilla Sixtina porque sea católica? No, ¿verdad? Pues igual podemos disfrutar de «Gotta serve somebody», «When he returns», «Saved», «Pressing on» o esta «Precious angel» de una belleza luminosa inaudita. La audiencia siguió fornicando como venía haciendo y a Dylan volvió a parecerle bien cinco años después.

19. Mixed up confusion (c. 1962)

20. Mississippi (2001)

21. Make you feel my love (1997)
Esta canción no supuso ningún avance significativo en la música popular del siglo XX. No cambió el rock, ni el pop, ni el blues, ni el folk. No inaugura una nueva forma de narración dentro del formato de las canciones ni trata sobre un tema inusual en el campo de la música comercial. Es, simplemente, la canción de amor más hermosa escrita en la década de los 90, y sobre ella cayeron como buitres gente tan dispar como Billy Joel, Adele o los aspirantes a entrar en «Operación Triunfo». «Cuando la lluvia golpee tu cara y todo tu mundo quepa en una maleta, yo te daré un cálido abrazo para que sientas cuánto te quiero». Así de sencillo.

22. Lonesome day blues (2001)

23. Where are you tonight (journey through dark heat) (1978)

24. Subterranean homesick blues (1965)

25. Isis (1976)

26. Ring them bells (1989)

27. Forever young (1974)

28. Girl from the north country (1963)

29. Highway 61 revisited (1965)

30. Cold irons bound (1997)

31. Not dark yet (1997)

32. I shall be released (1975)

33. My back pages (1964)

34. Don't think twice, it's all right (1963)

35. Maggie's farm (1965)
«¡No me abucheéis más!», grita Dylan por la ventana de un taxi en el documental «Don't look back» (1966). En este metraje se registran las reacciones del publico británico al descubrir al Dylan electrificado. Ese chico ya no era el que les gustaba a los «folkies», ese chico era el Judas que soltó la guitarra acústica y nos jodió la protesta y los derechos civiles. Me han dicho que Pete Seeger intentó detenerle cortando el cable eléctrico con un hacha. ¿Y la paz mundial?, ¿dónde está la puñetera paz mundial en el «Maggie's farm» que (nos) arruinó el Festival Folk de Newport de 1965? Sí, compañeros, fue ese cabrón el que consiguió que Peter Yarrow pidiese disculpas a la congregación folk por su osadía de empuñar una Gibson con un bajista y un batería y cantar imitando con desgana al Dylan que todos esperaban escuchar.

36. Just like a woman (1966)

37. Knockin' on Heaven's door (1973)

38. Lay, lady, lay (1969)

39. Jokerman (1983)
Como una continuación de «Changing of the guards», Dylan inicia su grandísimo álbum «Infidels» con una avalancha de imágenes surrealistas, referencias eruditas y rimas inesperadas. Es imposible de agotar: no importa cuántas veces se escuche, cada vez sorprende con un detalle en el que antes no se había reparado. E, igual que ocurría en «Changing of the guards», la canción tiene una melodía demasiado hermosa como para que Dylan sea capaz de cantarla en directo. Y eso que a principios de los 80 el tenor todavía tenía algo de voz.

40. Love sick (1997)

41. Visions of Johanna (1966)

42. One too many mornings (1964)

43. Is your love in vain? (1978)

44. Mama, you've been on my mind (c. 1964)

45. When he returns (1979)

46. Wedding song (1974)

47. I threw it all away (1969)

48. Pressing on (1980)

49. Tomorrow is a long time (1962)

50. You're a big girl now (1975)

51. Shelter from the storm (1975)

52. The times they are a-changin' (1964)
El 11 de febrero de 2010 se celebró en la Casa Blanca un concierto que resucitó la banda sonora que acompañó a los manifestantes por los derechos civiles. Esta revuelta ciudadana tuvo su acto más representativo en «La gran marcha sobre Washington» de 1963. Organizada por agrupaciones religiosas a favor de los derechos humanos, y comandada por Martin Luther King y su «He tenido un sueño», lo que allí ocurrió convirtió a Dylan en uno de los iconos de la izquierda norteamericana. Cuarenta y siete años más tarde, en una lujosa sala de la Casa Blanca, frente a un presidente negro, Dylan obvió las tres canciones de la actuación original («Only a pawn in the game», «When the ship comes in» y «Keep your eyes in the prize») para aullar, con voz rasgada y esforzada, una versión emocionante, incomparable, de «The times they are a-changin».

53. Blind Willie McTell (1983)

54. Simple twist of fate (1975)

55. Stuck inside Mobile with the Memphis blues again (1966)

56. When the deal goes down (2006)

57. Just like Tom Thumb's blues (1965)

58. It's all right, ma (I'm only bleeding) (1965)

59. With God on our side (1964)

60. It's all over now, baby blue (1965)

61. Ballad of a thin man (1965)

62. Rainy day women #12 & 35 (1966)

63. Series of dreams (1989)

64. When I paint my masterpiece (c. 1970)

65. Foot of pride (c. 1983)

66. I'm not there (c. 1975)
En «No direction home», el documental de Martin Scorsese, se pueden ver las primeras imágenes del músico en el año 61. Su torpeza ante la cámara, basada en movimientos frágiles y desacompasados, remite a uno de sus héroes confesos, Chaplin. Esta fascinación infantil por el séptimo arte ha provocado que Bob probase suerte en el cine en diversas ocasiones y que, en casi todas, fallase. Hasta que un verdadero maestro como Todd Haynes consiguió rodar una obra maestra a la altura de Dylan. El filme «I'm not there» retrata las múltiples vidas del cantautor de Duluth con la iconoclastia debida a un músico poliédrico que, en una entrevista promocional por el estreno de «Renaldo y Clara» (1978), declaró a un periodista: «Podríamos hacer una película y tú podrías ser Bob Dylan».

67. High water (for Charley Patton) (2001)
«Ayúdanos, Señor, porque conocimos lo peor siendo demasiado jóvenes», recita Dylan a Rudyard Kipling en una entrevista, apuntando una de las inspiraciones de su álbum «Love & theft», publicado el 11-S. Como escribe Sean Wilentz en el esencial «Dylan in America», Bob juega en este LP con «el pasado y el presente, la memoria y la historia». Después de revisar el cancionero norteamericano con «World gone wrong» y «Good as I been to you», Zimmerman compone con «High water (for Charlie Patton)» un puzle de referencias a una memoria capaz, entre el «High water» original del «bluesman» Charlie Patton y Robert Johnson y George Lewes y su amigo Darwin y el Diluvio Universal, de adivinar el (nuestro) futuro: «La gente pierde sus posesiones / la gente se va de la ciudad / Ella me dijo: "No trates de ayudarme, / ¿No ves que yo también me ahogo?" / Está jodido ahí fuera / Inundaciones por todas partes».

68. The lonesome death of Hattie Carroll (1964)

69. 'Cross the green mountain (2003)

70. Song to Woody (1962)
Invierno de 1961. En el psiquiátrico de Greystone (New Jersey) acababa sus días Woody Guthrie, el padre folk de todos los padres de la música norteamericana del siglo XX. Enfermo de Huntington, no está claro que Guthrie se enterase de las composiciones que un postadolescente llamado Robert Zimmerman le susurraba al lado de la cama. Poco después, recién instalado en Nueva York, Zimmerman escribió «Song to Woody», incluida en su elepé de debut «Bob Dylan», dedicada a su ídolo y todas las personas que vienen con el polvo y se van con el viento. Durante la primera entrevista para lanzar el disco, le preguntaron sobre las múltiples referencias de sus textos: «¿Dónde aprendiste estas cosas?». Tras una infancia y adolescencia en Duluth, Minnesota; de padres de clase obrera y sin un dólar, Dylan comenzó a inventarse a sí mismo: «Las aprendí con una feria ambulante. Estuve con ellos unos seis años».

TOKIO BLUES

2011-05-23T10:52:00.000+02:00

Director: Anh Hung Tran
Intérpretes: Rinko Kikuchi, Kenichi Matsuyama, Kiko Mizuhara
Web: http://www.tokioblues.es/

La inclusión en la banda sonora de “Tokio blues” de diversas canciones de “Can”, ese grupo sesentero, psicodélico (y alemán), sirve para desvelar muchas de las intenciones de Anh Hung Tran en su adaptación cinematográfica de la novela de Haruki Murakami. A lo largo de 1967, año en el que arranca el metraje, en Alemania Occidental y en Japón alcanzaba la mayoría de edad una generación que había crecido bajo control norteamericano y que, en parte, se había educado bajo una serie de reformas (y rutinas) (tele)dirigidas por el gobierno estadounidense. La canción de los Beatles, “Norwegian Wood”, representante de un movimiento occidental (hippismo + amor libre) en conflicto con una cultura oriental, desencadena el recuerdo en Toru Watanabe (Kenichi Matsuyama) de un tiempo de posadolescencia en el que (sobre)vivió al suicido de su mejor amigo Kizuki, a la vez que establecía una relación amorosa con la ex-novia de éste, Naoko (Rinko Kikuchi).

Hung Tran, director de las imprescindibles “El olor de la papaya verde” y “Cyclo”, traslada el texto de Murakami con el mayor respeto posible en cine: asimilándolo a su visión filmica. El cineasta aplica su tempo, pausado y detallista (disfruten la fotografía de Pin Bing Lee), a la inestabilidad de lo retratado; un cúmulo de emociones soterradas durante la iniciación de unos adolescentes a un mundo adulto que, reitero, (a)parecía aún más incierto en el Japón de 1967. En ese mosaico surge la sexualidad, la locura, el suicidio (diseccionado durante una escena inicial fuera de plano) o la enfermedad, todo a revoluciones súbitas que remarcan las intenciones del director para con su proyecto. “Los tiempos están cambiando”, cantó Bob Dylan cuatro años antes de lo que ficciona la película. El metraje basta como evidencia tangible de la afirmación del cantautor, describiendo con fuerza las contradicciones de una época que dejó enmedio a una nueva tipología masiva: la de la mujer liberada (y sus despresurización, especialmente, en una sociedad como aquel Japón). No deben de extrañar, y de esta manera están contadas en el filme, algunas de las consecuencias de la asimilación de lo norteamericano en el país imperial: la progresiva occidentalización de los trastornos psicológicos (incluso integrados en un sistema de curación como el que sugiere la cinta) o la expresión de (ya) nuestra variopinta sexualidad (“necesito ver porno, algo perverso”, ordena una de las mujeres del filme). Asumimos alguna cadencia excesiva y alguna hípermetafora en “Tokyo blues” solo porque posee méritos notables: adaptar un “best-seller” muy ligado a la memoria sentimental actual (casi tanto como “Norwegian wood” a su protagonista) y, además, por hacerlo con voz autónoma, casi proponiéndonos que nos olvidemos de, que matemos a, Murakami.

COMO EL PORNO DE BIN LADEN

2011-05-16T11:09:00.003+02:00

Cuando entraron los SEALS, el porno todavía estaba en la habitación de Bin Laden.

Según parece, al tipo que consideraba la música como “la flauta del diablo”, le gustaba bastante el ritmillo. Pero, en su descargo aparte de sus descargos, recordemos que ¡llevaba cinco años metido en una puñetera habitación! Encima, con la única compañía de sus tres esposas. El infierno. Ni un mal amigote que invitar a casa a ver el fútbol y compartir su riquísima marihuana; ni un día sin oír, con diferentes voces, eso de “Osama, ¡da asco cómo tienes el armario!”. Sinceramente creo que fue él quien acabó filtrando su escondite a los americanos: mejor un cielo con chopocientas vírgenes que un antro (tri)familiar de Abbottabad. Eso sí, lo curioso es que un humano que afirmó en 2002 que USA “explotaba a las mujeres como productos de consumo” y que “exponía a sus hijas desnudas en vallas publicitarias para vender”, guarde un botazo de vaselina en la cómoda y se haya comprado una colección de pelis del estilo de “Desert girls III” o “En el harén sin sostén”.

Se va cerrando la temporada y, al igual que los vídeos de Bin Laden, aún tendremos que aguantar unos cuantos discursos culés sobre lo inmaculado de su fútbol y lo marrano, infernal, asqueroso, insoportable, del nuestro. A pesar de que, a estas alturas, hemos ganado los mismos títulos que ellos (la Supercopa me vale tanto como el Pichichi histórico de CR7), seguirán apelando a ese bien esencial, metafísico, llamado “el buen fútbol”. Ellos, cómo no, son los poseedores, conocedores y certificadores de su patente, y el resto somos la basura que explota a nuestros jugadores como productos de consumo y a nuestras novias desnudas en vallas publicitarias para vender. Con una liga en sus manos y una Champions en la que continúan gracias a las ayudas arbitrales, se permiten el lujo de etiquetar al Madrid de “equipo machetero”. Mascherano, el balonazo de Messi a la grada, las declaraciones de Guardiola, las tontunadas de Piqué o ese Busquets tan conciliador son ejemplos de su especial concepto de la limpieza.

Además de desgranar los mecanismos del pensamiento integrista, “Cómo discutir con un fundamentalista sin perder la razón”, estupendo ensayo del filósofo Hubert Schleichert, termina admitiendo que los fundamentalistas son impermeables a cualquier razonamiento lógico, ya que sus proposiciones están corroídas por la no falsabilidad. O sea que, madridistas, relájense: apoyen estos partidos a Mourinho (nuestra gran apuesta) y olvídense, nada se puede hacer por ellos, de los impermeables sermones hipócritas de los azulgranas desde sus habitaciones aisladas del mundo.

¡BIN LADEN Y MOURINHO SIGUEN VIVOS!

2011-05-09T09:49:00.001+02:00

El posmodernismo ha traído tiempos de relativismo y conspiranoia, camaradas. No nos basta con ver un vídeo con Massiel bailando descocada, que si no vemos delante a Massiel bailando descocada, ¡no nos cabe en la cabeza que la cantante le dé al «drinking»! Ya que María Teresa Campos se lleva ex famosos a «¡Qué tiempo tan feliz!» para que comprobemos que aún viven, considero que es mi deber periodístico repetir su gran labor de investigación con Bin Laden y Mou, dos castrones que resurgirán en cualquier momento. Los paralelismos son evidentes y, si uno todavía respira, no me jodan, ¡el otro también!

1.- A los dos les emboscaron en una residencia de lujo. A Bin Laden, en un complejo «cool» y semivacío de Abbottabad. A Mou, en un hotel carísimo de Barcelona, donde lo había confinado la UEFA durante la vuelta de Champions.

2.- Los dos utilizaron un escudo humano. Bin Laden, a una de sus esposas; Mourinho, a Karanka.

3.- A los dos les formó el enemigo. Se ha revelado que Bin Laden, en los ochenta, realizó varias traducciones a la CIA. Asimismo, todos sabíamos que Mourinho era el traductor de Robson en el Barça.

4.- A los dos les mola verse en vídeo. Este fin de semana se han emitido unas grabaciones en las que aparece Osama disfrutando ¡vídeos de sí mismo! No es difícil pensar que José tenga semejante vicio y le diga a su niño: «¡Vaya si es guapo papá!, ¿eh?».

5.- Sus captores son premios Nobel de la Paz. Bueno, Obama sí, y Guardiola no, pero igual el calvo se lo merece por controlar un vestuario con «futbolistos» como Piqué, Puyol, Mascherano o, en el pasado, Eto'o.

6.- Los dos parecen pakistaníes. No me lo nieguen, si Mou se pusiese un chándal morado y acarrease unos mecheros de bar en bar, lo echarían de su mesa. Por eso, no es muy razonable que se oculte en Finlandia del linchamiento al que está sometido.

7.- A los dos les guía un profeta. Mahoma y Florentino, vidas paralelas.

8.- Cuando se mueran, a los dos les enterrarán con un ritual. Al terrorista, lanzándolo al mar, como manda la tradición islámica; al entrenador, anunciando su destitución en portada del «Marca», como manda la tradición madridista.

9.- Los dos se sustentan por unos radicales. A Bin Laden lo financia Al Qaeda y el mulá Omar, ese hombre que hizo una peineta al satélite norteamericano. A Mou, le pagamos el sueldo los madridistas y el mulá Roncero, ese extraordinario ser que hace peinetas a los barcelonistas en «Punto pelota».

CARTA BLANCA

2011-05-07T12:54:00.000+02:00

Directores: Bobby y Peter Farrelly
Intérpretes: Owen Wilson, Jason Sudeikis, Jenna Fischer
Web: http://hallpassmovie.warnerbros.com/

El humor ha sido uno de los métodos preferidos del cine para estudiar a ese nutrido grupo de humanos y humanas que, llegada la cuarentena, intentan (re)volver(se) a sus años juveniles, purificados estos por la memoria y por nuestra sociedad de consumo. Los “fortynagers” o las “cougars” pelean por ese paraíso perdido de tal manera que ya, según explica “Carta blanca”, en algunos matrimonios se ha establecido un “todo vale” momentáneo, un descanso en la rutina del guerrer@ ajado, que permite, de mutuo acuerdo (no nos pasemos), un ratico de locura infiel, inconfesable y “teenager” a los cónyuges.

En esa entente cordiale se basa la nueva película de los Farrelly, dos cineastas que, haciendo cuentas, realizaron sus mejores trabajos en los noventa (las esplendorosas e inmaduras “Algo pasa con Mary”, “Dos tontos muy tontos”, “Vaya par de idiotas” y “Yo, yo mismo e Irene”). Asumiendo que toda la última comedia gamberra acaba abismándose en el romanticismo (cómo echamos de menos cosas como “Very bad things” o “Porky’s”), “Carta blanca” invierte las tornas y lo “punk” alivia el total amoroso. En “Carta blanca”, los hermanos Farrelly dejan atrás las contradicciones de rigor y aplican a pies juntillas lo que propone en el arraque la maravillosa (y mujer) Joy Behar (“ésta práctica ha ayudado a mi matrimonio”). Quizá sea esta filosofia la que provoque que aquellos que tan solo buscan sexo y no una prueba de amor, no encuentren ni lo uno ni lo otro, y que aquellas que buscan una prueba de amor y no sexo, encuentren lo uno y lo otro. Hay que celebrar, como ese comatoso que ejercita el esfínter de súbito, los mínimas victorias de la marranada primigenia durante el filme: ese gran Richard Jenkins en el paroxismo del patetismo ancianojuveniloide, y esa apología del pene afroamericano, aquí en manifiesta desventaja con el miembro nasal de Owen Wilson.

NO LO LLAMES AMOR, LLÁMALO X

2011-05-07T12:49:00.002+02:00

Director: Oriol Capel
Intérpretes: Paco León, Kira Miró, Julián López
Web: http://www.nolollamesamorllamalox.com/

El uso del “falso documental” como carburante de una (cierta) comicidad postmoderna permite, por esa ilusión de estar viendo una ficción rodada con una formalidad “real” y “veraz”, la introducción de la vergüenza ajena en el humor, un sentimiento este, en principio, contrapuesto a la risa. Este descojonarse huérfano de la fisionomía del descojone ha construido, gracias al pudor intermediado, un doble discurso: el de algunas formas de primera línea cómica (“Four lions” de Christopher Morris, “The office” de Ricky Gervais o “A mighty wind” de Christopher Guest) y, a su vez, el de un “mainstream” ansioso de nuevos estímulos (higienizados en preproducción) para excitar a las masas.

El problema de “Llámalo X” es que utiliza el “falso documental” o “mockumental” como una más de las excusas deslavazadas que componen su metraje. En realidad, probablemente todas se (re)suman en una: el enmascaramiento formal de esa, nuestra comedia costumbristo-nacional (la pareja con enredos, los dos feos que se quieren, las situaciones de equívocos) que se niega a desaparecer (aún menos con el éxito de “Que se mueran los feos”, la interminable “Aída” o el trash sociológico de “La que se avecina”). Siguiendo los mandatos marketinianos del proyecto, la multitud de intérpretes se pierde en desigualdades: ninguno de ellos es capaz de aguantar (todavía) un filme a sus espaldas, por mucho esfuerzo que le pongan. Del debut de Oriol Capel decepcionan promesas que se revelan fiascos: que su “El alzamiento nacional” haya mutado en “Llámalo X”; que Javier Cansado desemboque en Paco León; y que sus mezquindades cómicas terminen en un pastel hípercauchutado de dramatismos (y moralismos) de saldo.

YONQUIS DE MOURINHO

2011-05-03T09:42:00.001+02:00

“Estoy rellenando el agujero/ por donde entra el agua”, cantaba Paul McCartney en “Fixing a hole”, una de las grandes composiciones del gran “Sgt. Pepper’s lonely hearts club band”. Al Madrid le ha ocurrido con Mourinho como al adicto a una droga dura. Pasado el subidón de la Copa del Rey, llega el periodo de abstinencia y la fiebre alta y los pies pesados y los huesos de ganso, que (d)escribía John Lennon en “Cold turkey”. ¿Va a ser siempre así? ¿Qué vamos a hacer si se pira Mou? ¿Regresaremos a la tristeza, sobrios e impolutos ellos, de Pellegrini o Valdano? Fíjense que hasta Guardiola, animando a los orcos barcelonistas, adoptó el papel del portugués cuando se refirió a él como “el puto amo”. Un tipo con estilo, este Pep, que se asemeja más a nuestro míster de lo que a él (o a los que le siguen) les gustaría admitir.

Sabemos que, ahora, a los madridistas nos toca vagar los aparcamientos de los supermercados para que nos saquen en algún “Callejeros futboleros”. Ya le vale a nuestro entrenador de no rular los gramos que queremos: ojalá se terminen estos tiempos de “No podemos remontar la eliminatoria” o “La culpa de que el equipo no entrara bien contra el Zaragoza es mía”, que tanto recuerdan a la metadona que homenajeaba Warren Zevon en “Carmelita”. No necesitamos cuelgues de esa basura, José; no nos has enganchado a tus espléndidas rajadas o a tu espíritu ganador durante toda la temporada para que nos dejes con medias tintas al estilo de Emery (esta semana me he despertado en medio de la noche, sudado cual mono salido, después de soñar con su patético “he sentido vergüenza” tras perder en el Bernabéu).

Advertía el clásico norteamericano “Cocaine Blues” que “el doctor dice que (la cocaína) te matará/ pero no te dice cuándo”. El madridismo aún desconoce si el estilo Mourinho es lo que le está matando o lo que le mantiene vivo. A estas alturas del campeonato, cuando las cabeceras deportivas cuestionan incluso que el vestuario apoye al luso (los futbolistas, siempre los primeros en abandonar), hay que comenzar a redactar el balance del trabajo del míster. Parece lógico, viendo la persecución arbitral, la búsqueda de un estilo, los avances en el juego (y el machaque reiterado de los poderes establecidos), pedir que Mourinho continúe con tal de que Sergio Ramos siga tirando las copas, endrogado el pobrecico por la victoria inesperada, delante del autobús.

NO TENGAS MIEDO

2011-04-30T11:25:00.000+02:00

Director: Montxo Armendáriz
Reparto: Michelle Jenner, Lluis Homar, Belén Rueda
Web: http://www.notengasmiedolapelicula.com

En una de las escenas de “No tengas miedo” un padre propone a su hija que vean juntos “Azul”, el largometraje de Kieslowski. Lo que, encapsulado, se interpretaría como un placido retrato familiar, aquí se revuelve en referencia explícita a múltiples lugares comunes con el director polaco, dentro de un filme que también cuenta la historia de una mujer marcada (en áquella, por una muerte, en ésta, por los abusos sexuales de su padre). El cineasta navarro arranca su celuloide con una disrupción violentísima fuera de plano; mientras que, hasta ese momento, toda su atención se centraba en una niña y su entorno idílico de paseos y juegos, la cámara se desliza de plano medio a plano detalle con la intención de huir de un infierno súbito. Es durante ese primer tercio, rodado con brío narrativo, compromiso estético y extrema habilidad para sugerir abismos en lo cotidiano, donde las esperanzas en “No tengas miedo” se fundamentan: la convivencia con el monstruo y la indiferencia cómplice de su mujer, bien manejadas por Armendáriz, ayudan a construir a la mujer que Michelle Jenner afirma despúes con una interpretación autista y desesperada, cálida y distante.

Frente a los matices del trabajo de la actriz principal, las premisas de la cinta se desdicen en convencionalismos a medida que avanza el metraje y su arrojo primigenio se va diluyendo en ciertos hábitos que recuerdan los principales déficits del cine de Armendáriz. La exposición grosera al drama, aupada por la inserción de testimonios de víctimas de abusos; las licencias narrativas (¿hipnosis?); o la ¿ocultación? de un desarrollo automático con unas formas deudoras de los Dardenne o Tavernier, ensombrecen la película. Así, gana muchísimo “No tengas miedo” al cultivar la sugerencia y el silencio en los ojos de Jenner, en un taxi previo al suicidio, en las caminatas por una Pamplona habitacular o, sobre todo, cuando, tras mirar al miedo a la cara, éste no tiene nada que decir.

PIQUETÓN MADRIDISTA

2011-04-25T10:47:00.000+02:00

Cuore, siempre con la cultura

Hay que confiar en determinadas reacciones físicas, amigos. Las palpitaciones, dolor de cabeza o la sudoración repentina suelen llevar asociada alguna causa psicológica que ayuda a su aparición. Así, no es suficiente explicar un piquetón basándose en la túnica albugínea, los cuerpos cavernosos o el súbito flujo sanguíneo. Importa el cómo pero, por encima, el por qué. Obviamente, un abrazo de Shakira puede ser el solitario desencadenante del magno evento aunque éste también se entendería tras una serie de victorias sucesivas, como ganar la Copa del Rey o abrasar al Valencia en Mestalla.

En la web humorística ankwardboners.com, unos majaderos estadounidenses recopilan fotos de momentos inadecuados para tener un piquetón. El Real Madrid de Liga merecería aparecer en ese sitio: a pesar del barrido ¡con los suplentes! a los de Emery (“siento vergüenza”, dijo el ruinoso míster), no deberíamos estar muy orgullosos. La distancia con un Barça (casi) campeón, en este nuestro mediocre campeonato nacional, es tan insalvable como la que hay entre Guaita y Casillas o Stankevicius y Carvalho. Eso sí, contribuye esta victoria a animar a Kaká, a reinsertar a Higuaín y a finiquitar a un entrenador valencianista que ya no sabe ni por dónde le vienen.

En cambio, esta nueva Copa del Rey disculpa cualquier reacción física inoportuna, incluso la de nuestro cómico favorito, Sergio Ramos, tirando la Copa del Rey por la borda del autobús. El atasco táctico de Guardiola demostró que Mourinho conoce infinitamente mejor la mecánica del fútbol. Ese gol de Cristiano, ese pase de Di María, ese Marcelo, ese Manolito, ¡grandes! fueron claves para que los madridistas estemos toda la semana con el “Waka-waka” en el cuerpo. Benditos sean porque, en el fondo, han destapado una mentira: el fútbol no se termina en el Barça. Por mucho que ahora se acuerden de la madre de Undiano o criminalicen a un Pepe extraordinario, la única recomendación que se les puede hacer a los culés es una buena dosis de Viagra.

Les vendrá bien, en su decrepitud futbolística, darse un gusto antes de que se despidan de la Champions.

MADRID-BARÇA II. LA SECUELA.

2011-04-18T12:48:00.000+02:00

¿Quién dijo las segundas partes eran peores que las primeras?

En 1991, se nos hundió una de las certezas que asentaban nuestra filosofía cinematográfica. Hasta entonces, toda nuestra educación se basaba en la prohibición de ver “Depredador 2”, “Mad Max 2” o “Kickboxer 2“ con la jodida excusa irrebatible de que “las segundas partes de una peli siempre son malas”. ¡Malditos educadores! Hicieron que nuestra existencia acnófila se corrompiese por una mentira. Eso sí, de vez en cuando, se estrenaba algún filme (“El padrino 2”, “El imperio contraataca”, “Tó er mundo é mejó”), que nos advertía que aquella letanía era una miserable falacia. Está claro. Esas cintas fueron señales proféticas que indicaban la venida de “Este chico es un demonio 2”. Sí, amigos, tuvo que ser el visionario Brian Levant, ese humano que luego crearía las películas del perro Beethoven o la obra maestra “Un padre en apuros” con Schwarzenegger, el genio que demostrase que una secuela puede superar a su original, reescribiéndolo con nuevas, brillantes (y, en este caso, muy bizarras) ficciones.

El sábado se nos hundió una de las certezas que asentaban nuestra filosofía futbolística. Hasta entonces, toda nuestra educación se basaba en la prohibición de decir que al Barça no se le podía ganar con la jodida excusa irrebatible de que “nos machacaron en la ida y son un equipo imbatible”. ¡Malditos imbéciles! Hicieron que nuestra existencia canosa se corrompiese por una mentira, aunque peor es la que se cuentan a sí mismos. Descubrir a Messi lanzando el balón al buen público madridista con mala leche de pendenciero, prueba algo. Mourinho ha sabido canalizar la energía de un equipo a través de ese Pepe reubicado y conseguir, ¡con diez!, el empate frente unos azulgranas anonadados y cabreados. Muñiz se zampó la segunda de Alves pero nos dejó una verdad: ahora mismo el Real Madrid posee el empuje necesario para, a tres partidos vista, enterrar al Barcelona en su pasado mediocre. Recuerden lo que nos enseñó Brian Levant: las secuelas pueden ser mejores que el original. Después de “Este chico es un demonio 2”, se estrenaron “El caballero oscuro” e “Indiana Jones IV” y, después del complicadísimo encuentro del sábado, tenemos muchas posibilidades de celebrar la Copa del Rey y la Copa de Europa en nuestras vitrinas. Sé que, si esto ocurre, solo conservaremos una pena: que quizá eliminemos al gran Raúl y su Schalke.

CARTAS A DIOS

2011-04-16T08:32:00.000+02:00

Director: Eric-Emmanuel Schmitt
Intérpretes: Michele Lároque, Amira Casar, Max Von Sydow
Web: http://www.wildbunch-distribution.com/site/oscardamerose/

La distribuidora Karma Films se ha currado (y muy bien) el liderazgo en un segmento complicado del mercado audiovisual español: el cine religioso. Nuevos lanzamientos (el documental “La última cima”, un inesperado éxito en España, o “Blood money”) y estimables recuperaciones (“Therese” de Alain Cavalier); la iniciativa de estrenar celuloide y, especialmente, en el momento que nos encontramos, resulta siempre estimulante y esperanzadora. Como toda(s) la(s) Semana(s) Santa(s), la inyección de filmografía pía es casi una obligación bizarra o, ¿quién sería capaz de imaginar estos días sin un buen chutazo de “Jesús de Nazaret” de Franco Zeffirelli, “Fray Escoba” de Ramón Torrado o, volvámonos locos, “El padrecito”, con el ínclito Cantinflas? Aunque, si prefieren el cine a la caja tonta, Karma, nuestro principal “dealer” en estos menesteres, tiene un estreno que acompañe a “Encontrarás dragones” en su pelea por la taquilla católica de la temporada.

“Cartas a Dios” se titula la película y, como otros esfuerzos de similar temple (“Marcelino pan y vino”, “María Goretti”), desgrana la relación de un niño (enfermo de cáncer, en este caso) con la muerte, el sacrificio y la trascendencia. A través de un juego con una amable mentora (la irregular Michele Laroque a la que se refiere el original), el chiquillo irá epistolando sus dudas existenciales y sus reproches a un Dios indiferente (solo hasta el final). Si olvidamos la estética efectista y demodé de Schmitt, perdida enmedio de la filosofía de Jeunet & Caro y el melodramón clásico (y tontorrón), se agradecen estas desfachateces de género que suelen desmontar (ellas solitas) sus pomposas y ultraterrenas intenciones de partida. En suma, se digiere la correcta “Cartas a Dios” en automático, esperando a que el mozuelo descubra el amor con beso, aguardando a que muera entre cánticos virginales, eso sí, feliz fallece porque ya nos ve el pobrecito desde el cielo, como esos charranes que regresan en verano.

HAPPYTHANKYOUMOREPLEASE

2011-04-12T09:30:00.000+02:00

Director: Josh Radnor
Intérpretes: Josh Radnor, Kate Mara, Malin Akerman
Web: http://www.avalonproductions.es/happy/

En una de las escenas de “happythankyoumoreplease”, debut en la dirección del actor Josh Radnor (“Cómo conocí a vuestra madre”), una pareja se abalanza hacia sí misma en celo desenfrenado y, a un tiempo, masculla su opinión sobre el último Woody Allen y su “workaholismo” y la calidad menguante de sus películas. No es gratuita esta referencia a la fuerza de la palabra durante el pre/post-sexo en la filmografía del cineasta neoyorquino. La cinta de Radnor analiza a diversos “manhattanitas” híperverbalizados cuyo nexo de unión es Sam Wexler (el propio Radnor), un escritor inmaduro que se encuentra de golpe dos obstáculos en su vida: un huérfano ¿perdido? al que acoge en su casa y una chica ¿perdida? (la guapísima Kate Mara) por la que se juega su independencia.

Quizá el armazón (varias historias independientes entrelazadas) o las intenciones previas del realizador/intérprete sean lo único que emparente “happythankyoumoreplease” a la obra de Woody Allen. Aún en sus proyectos más amables, el universo de parejas allenianas opta, en un alarde de valentía e inconsciencia, por revolcarse en sus contradicciones: la volubilidad del amor (“Hannah y sus hermanas”), la cotidianeidad burguesa y sus violencias (“Maridos y mujeres”), la soledad femenina (“Alice” o “La rosa púrpura de El Cairo”), o las vicisitudes de la infidelidad (las oscuras, en “Delitos y faltas”, o las livianas, en “Comedia sexual de una noche de verano”). En cambio, el metraje de Radnor se agota de tal manera en su pose “indie” que termina trasladándose a terrenos convencionales, muy alejados de las rocosidades allenianas.

No bastan sus licencias fabularias (por ejemplo, ese niño pintor) o sus redundancias musicales, la narrativa del filme repite, inclemente, los automatismos de las comedias románticas hollywoodienses pero, he aquí la novedad maloliente, persigue no parecer una de ellas. Por mucho que habiten “thankyoumoreplease” una chica guapa (y calva), una moza perfecta (y frágil) o una pareja molona (e insatisfecha), la conclusión es que el buenismo (incluso el formal) y el romanticismo “Cool-mopolitan” al manejar estos personajes, pueden hacerte ganar hasta el Premio del Público en el Festival de Sundance. Fascina, por buscarle una explicación psico/socio-lógica (y aprovechar el rato) a este lío, que una película colindante a las tonterías de Sandra Bullock o Hugh Grant sea galardonada en un certamen que, en la misma edición, premió a “Winter’s Bone” o “Animal’s Kingdom”. ¿Será que la mayor parte del público de los festivales “indie” no es tan “indie” como creemos?

MOU(HO)UDINI

2011-04-11T11:20:00.000+02:00

A esta foto me refiero en el artículo...

¿A quién no le aterrorizaba San Mamés? Sobre todo cuando nos enteramos de que nuestro entrenador, ese humano que jugó a los cambios imposibles contra el Sporting, iba a dejar en el banquillo a Cristiano, Özil, Xabi Alonso y Marcelo. En los minutos previos al partido, en un estadio no muy amable con el Madrid, ¿quién no sintió una cierta obturación de los orificios corporales y pensó «Dios, cómo me molaría aparecer ahora en una fiesta "bunga-bunga" de Berlusconi»?

«El mejor público para actuar, donde más se ilusionan con tus trucos y más te pagan, es el ruso. Como sufren unas vidas tan rutinarias, tan duras, en su día a día en el campo, es muy fácil que se sugestionen rápidamente ante lo inesperado, ante ese giro final del truco en el que irrumpe la simulación de lo sobrenatural», afirmó el mago húngaro Harry Houdini en la primera década del XX. Conociendo la situación del madridismo, ya habituado a la horrible monotonía de las temporadas en blanco, Mourinho sabe que sus triquiñuelas tendrán aún mayor efecto y, así, perpetra sus trucos de manos en el momento exacto. Por eso la victoria ante el Athletic ha espoleado la (senti)mentalidad merengue, ese mecanismo afectivo que nos provoca el moqueo instantáneo al ver la foto de Ramón Mendoza corriendo, de gabardina, al lado de Jesús Gil, de chándal. Poco importa que se queje Caparrós (¿el Joaquín lamentándose por un arbitraje?, ¡menuda jeta de entrenador machetero!), la apuesta del luso por los tres defensas (Pepe, Garay y Albiol) ha sido definitiva en su principal trabajo, que no era detener a Llorente, sino ofrecer muestras de seguridad atrás de cara las próximas citas con los «gremlins» azulgrana.

Como en el extraordinario truco de Houdini la «Celda china acuática de tortura», donde el mago se liberaba inesperadamente de sus ataduras y escapaba de un habitáculo lleno de agua, Mou apela a la épica del ilusionista. Todo está en nuestra contra: los litros de liquido y Guardiola, la falta de oxígeno y Messi, las esposas en las muñecas y Piqué. Inmersos en la rutina de la derrota, los blancos buscamos un pequeño artilugio que nos esperance para el futuro cercano. Tal vez, ¿una llave en la boca del Houdini que le permita zafarse? Tal vez, ¿el golazo de CR7 en San Mamés?

EL REAL MADRID NO SERÁ CANDIDATO

2011-04-04T09:35:00.000+02:00

ZP y RM, vidas paralelas

“Nuestro equipo no va a ser candidato en este campeonato de Liga. Gracias por vuestro respeto y por vuestro afecto". Tomen nota de estas palabras, mastuerzos. Dos de abril de dos mil diez: partido contra el Sporting de Gijón en el Bernabeu. Apúntenlo como un día histórico para la democracia: el Real Madrid confirmó que no se presentaría como candidato a la liga. Pero no nos engañemos, éste es un anuncio de una declaración que se venía previendo desde finales de 2010 y que, simplemente, el sábado se hizo pública en el congreso madridista previo al encuentro. "Seguro que no es fácil acertar y hemos pensado que lo mejor era hacerlo ahora para poner fin a una incertidumbre que podía perjudicar a la Champions y la Copa. Vamos a seguir respetando los tiempos y los procedimientos", afirmaron fuentes del club al terminar el duelo contra los gijonudos.

Ya en vestuarios, Sergio Ramos aclaró las especulaciones: "Hemos podido cometer errores, pero hemos dado la cara en todo momento. Nos estamos dejando la piel en la batalla diaria de la liga", ha subrayado el sevillano para ensalzar posteriormente la labor de los madridistas respecto a las otras competiciones. Algunos jugadores también han hecho referencia a la actitud progresista del equipo blanco durante las pasadas temporadas, apuntando que se han "mantenido a salvo las políticas sociales como, por ejemplo, poner a Lass y tatuar a Guti pese a la dureza de la crisis", y han destacado el fichaje de Adebayor o la posible recuperación de Van Nistelrooy como “dos de los hitos más bizarros de los últimos campeonatos”. El Real Madrid ha explicado que cuando contrataron a Mourinho pensaban que nueve años sin perder en casa era un periodo "razonable" y lo más conveniente para el país y su familia, era que “Manolo Preciado le vacilase y luego, le derrotase”. Según confirman fuentes del club, el mazazo del sábado ante un entrenador de pseoudobigote “no ha hecho más que afianzar a Mou en su ánimo” de los últimos meses.

Y, a partir de hoy, ¿quién va a suceder al Real Madrid en la futura lucha por la liga? "El mecanismo del dedazo simplifica mucho las cosas, pero no es el nuestro, ni el de la mayoría de la sociedad española", ha asegurado Florentino Pérez, con el objetivo de dejar claro que no se podía esperar otra "actitud distinta de mí". El presidente ha finalizado su declaración con un prolongado y fuerte aplauso de todos los miembros de su club.

EN UN MUNDO MEJOR

2011-04-04T00:17:00.001+02:00

Directora: Susanne Bier
Intérpretes: Mikael Persbrandt, Ulrich Thomsen, Markus Rygaard
Web: http://www.sonyclassics.com/inabetterworld/

En su docu-serie “Cosmos”, Carl Sagan explicaba que “el universo no parece que sea benigno ni hostil, sino simplemente indiferente”. La directora de las notables “Cosas que perdimos en el fuego” y “Brothers”, Susanne Bier, aplica en su decimotercer filme esta afirmación a dos (micro)universos respirables, la Dinamarca del bienestar social y el Sudán en guerra permanente, para desenmascarar a través de un buen doctor (extraordinario Mikael Persbrandt), la violencia indiferente, soterrada en un caso y manifiesta en el otro, que alimenta ambas realidades.

Es especialmente acertada la parte de su metraje que se centra en la vida familiar del médico: su hijo Elias, maltratado en el colegio, traba amistad con Christian, un chico con rasgos psicopáticos, que le defiende de los mafiosos de la clase. Empapado en ese crisol de contradicciones (el “sociedad, educación e igualdad” danés contrapuesto al inmediato refuerzo de la solución violenta), el guión de Anders Thomas Jensen se convierte en una de sus obras esenciales y, así, el brutal arranque de “Mamá es boba” (1997), de Santiago Lorenzo (“me dan vergüenza mis padres”, decía allí el chiquillo palentino protagonista), vuelve a la memoria en una de las escenas familiares más crudas del último cine mundial: la derrota de un padre a cachetazos de un matón delante de su hijo y la venganza posterior de éste último (el “Haeven” del título original significa “venganza”), casi intentando reanimar esa confianza malherida (en suma, esa vergüenza inesperada) en el progenitor/héroe.

Financiada por Zentropa, la productora de Lars Von Trier, y ganadora del Oscar a la mejor película extranjera, “En un mundo mejor” se balancea entre estas dos querencias. De una formalidad/sentimentalidad seca y aterradora (en puro sentido “Dogma”), sólo diluida por las inmensidades africanas, el filme se desmerece defendiendo, quizá en lo más endeble de su planteamiento (ahí su vertiente hollywoodiense), el regreso naif a la armonía. El continente salvaje se acaba tragando a sus (malos) salvajes y el continente civilizado acaba civilizando a sus (malos) incivilizados. Aunque Sagan (y el Woody Allen de “Delitos y faltas”) hubiese arrastrado su conclusión a un sano materialismo, se engrandece el talento incómodo de Bier por poner a prueba verdades (supuestamente) universales y, en el fondo, tan problemáticas como el amor filial, el deber de venganza o, mientras la turba tortura a un paciente, el juramento hipocrático.

POTICHE

2011-03-27T18:14:00.002+02:00

Director: François Ozon
Intérpretes: Catherine Deneuve, Gerard Depardieu, Fabrice Luchini
Web: http://www.potichelefilm.fr/

En la última época, el director francés François Ozon vive bastante atareado. A lo largo de estos dos años ha estrenado ¡tres! películas afortunadísimas, no sólo por el riesgo que acarrean, al mutar con descaro discursos y géneros, sino porque el terceto parece haber salido victorioso de semejante (y peligroso) ajetreo. Hablamos de “Angel” (2007), drama victoriano “á la british”, “Ricky” (2009), notable fábula sobre un bebé alado, y “Mi refugio” (2009), respuesta sombría a la anterior. Uno no puede más que asociar a Ozon (esta afirmación no trata de emparejarlos por su sexualidad, o sí) a una querencia similar, la de Todd Haynes, director norteamericano obsesionado por transitar formalidades y narrativas cruzadas (el biopic musical con “I’m not there”o el experimento “sirkiano” con “Lejos del cielo”) en una búsqueda creativa que engrandece su cine.

“Si queremos que todo siga como está, es necesario que todo cambie”, avisaba Alain Delon a Burt Lancaster en “El gatopardo”. Ésa es la filosofía que planea alrededor del nuevo largometraje de Ozon, “Potiche”, extraña y familiar (casi) a partes iguales al resto de sus películas. Basada en una obra teatral de Pierre Barillet y Jean-Pierre Grédy, se refieren los autores con el título a una vasija de porcelana que se utiliza como elemento decorativo, un contenedor vacío y bello a un tiempo. Eso es Suzanne Pujol (Catherine Deneuve), la esposa-florero de un empresario de éxito (Fabrice Luchini). Cuando en la fábrica de su marido, los trabajadores se ponen en huelga, ella toma las riendas y se enfrenta al día a día con triunfos inesperados. Ambientada en los 70, el cineasta galo trata de tirar una intersección entre las “sex comedies” (esos filmes de equívocos amorosos protagonizados por Doris Day y Rock Hudson), las “trash comedies” de John Waters y la comedia francesa comercial de Francis Veber (“El juego de los idiotas”, “Salir del armario”). Apoyado en su “queen” Catherine Deneuve y en un automático Depardieu, la cinta se afianza en algunos de los valores de Ozon: su sólida creencia (también almodovariana) en una “mujer fuerte, salvadora y asexual” (un arquetipo más contradictorio de lo que “Potiche” lo pinta; no olviden a Thacher, Pallin o Imelda Marcos); su fascinación de Ozon por lo “kitsch” y el musical (una escena de baile entre Depardieu y la diva lo prueba); y su aceptable agilidad en unos amables planteamientos cómicos. Cierto que sus hallazgos son desiguales (ese burdo recurso de la pantalla que cambia de tamaño desvirtúa otros artificios visuales o algún deje a su anterior y negativa “8 mujeres”), pero permanece la sensación de que “Potiche” se une a la lista de proyectos que salen adelante con un mérito añadido: la sana afición de los verdaderos autores a no acomodarse, a meterse en líos, incluso en aquellos que implican a uno de los iconos del cine francés descubriendo la ¿bucólica? cópula de dos conejos.

PINCHADA DE EDU GALÁN EN EL ESTOCOLMO (MADRID, 26-03)

2011-03-21T13:14:00.005+01:00

Más info en el siguiente vídeo:

http://tiny.cc/26vjh

¡NOSOTROS SE LA PASAMOS A FORLÁN!

2011-03-21T10:34:00.000+01:00

En el fondo, los madridistas somos unos bellos ángeles sin alas, como el gran Michael Landon de “Autopista hacia el cielo”. Cabestros, ¿han olvidado esa serie bizarra de los ochenta? En ella, el ex – protagonista de “La casa de la pradera” (y su careto beato), daba vida a un ser celestial que echaba una manica sobrenatural allí donde la requiriesen (en contraprestación de regresar al cielo cuanto antes, claro). Los blancos vamos de ese palo. ¿Que creemos que el diabólico Roures machaca a nuestros jugadores con los horarios? Ahí aparecen nuestro entrenador y nuestro presidente, todos a una, criticando la labor del magnate de La Sexta. ¿Que sentimos que Sergio Ramos anda demasiado solo y nos interesa que se líe con buenas chavalas? Pues ahí le colocamos a Lara Álvarez, a pie de campo, para que el bueno de Sergio se deje querer.

Ay, ¿recuerdan cuando el ángel Jonathan demostraba a un rico que era mejor gastar su dinero en los necesitados que en putucas? ¿Y cuando su amigo Mark, el barbas, se metía en los sueños del personal? En eso pensamos al enterarnos del caso de Forlán: hay que reconducir esa situación. Al pobre hombre ¡sus propios compañeros no le pasan el balón! Uno se imagina a Reyes en el vestuario soltando indirectas del estilo de aquel monólogo de Gila (“¡Alguien sobra y no me gusta señalar!”). Malditos cerdos. Nosotros queremos ser los ángeles de Diego. Porque esta injusticia no puede ocurrir, especialmente en un filial nuestro como el Atlético, que lleva regalándonos puntos desde tiempos inmemoriales. Nuestros jugadores deberían de haber recibido la orden de darle algún baloncito, a ver si conseguía marcar y remontar su masacrada estima. ¿Ese despeje en falso de Pepe que aterrizó en los pies del delantero atlético? Lo entendemos, portugués loco. ¿Ese salto que no dio Carvalho? Perfecto, maestro.

Bendito sea Forlán, al final le cambiaron y le cayó una pitada de la afición atlética, siempre tan señorial (“Cristiano, muérete” y “Marcelo es un mono” fueron sus himnos-basura). Una vez terminado el partido descubrimos que, Michael Landon lo sabía, no tenemos descanso: todavía hay gente a la que ayudar. El primero, Quique Sánchez Flores, que se quedó tranquilo rajando del arbitraje de Teixeira (“Sería conveniente que no nos volviese a pitar”). No se preocupe el entrenador atlético; con nuestros superpoderes celestiales, conseguiremos que llegue el día en el que él elija qué árbitros le pitan y le eviten baños (y cagadas de De Gea) como el del sábado.

NUNCA ME ABANDONES

2011-03-20T14:37:00.000+01:00

Director: Mark Romanek
Intérpretes: Carey Mulligan, Andrew Garfield, Keira Knightley
Web: http://www.foxsearchlight.com/neverletmego/

La imaginación de Kazuo Ishiguro parió una distopía cruel escondida bajo las tapas de una inofensiva novela. En un 1952 alternativo, el ser humano ha averiguado cómo aumentar la esperanza de vida; el cultivo de clones de los que extraer órganos vitales para ir superando, poco a poco, la barrera de los cien años. El cineasta Mark Romanek (“Retratos de una obsesión”) y el escritor Alex Garland (“La playa”) adaptan al autor japonés en su momentografía de tres de estas “criaturas contenedor”, Kathy (Carey Mulligan), Ruth (Keira Knightley) y Tommy (Andrew Garfield), inmersas en un triángulo amoroso a lo largo de casi treinta años.

Fría en su envoltorio, ya durante su arranque en una siniestra residencia/criadero infantil y su continuación en un hospital cúbico, sería peligroso analizar “Nunca me abandones” desde reduccionismos formales. Bajo su gelidez narrativa y sus abundantes (y dolorosísimos) silencios, interrumpidos ocasionalmente por la voz en off de Carey Mulligan, se incuba la emoción de la supervivencia en un ártico infierno indiferente. En su (est)ética de edificios graníticos, de parajes autistas, sus tres protagonistas se alimentan de una (bella) utopía, como hacían los replicantes de “Blade Runner”, para poder seguir respirando. Mientras que sus ¿congéneres? humanos aspiran a tantearles el alma horadándoles el cuerpo, Romanek nos los (de)muestra en la soledad de su bondad naif. Frente a la mecánica diabólica de los médicos, a la sólida incomprensión de una camarera, o al terrible “si le pides a la gente que vuelva a los tiempos del cáncer de pulmón, te dirán que no” de Charlotte Rampling, el cineasta capta a Ishiguro y les otorga lo único merecedor de permanecer: una inocente confianza en unos dibujos mal terminados, en un amor “demostrable”, en un futuro soleado.

Con una contención brillante, inusitada en sus carreras, el trío de actores principales perfecciona a sus benditos salvajes: deslumbrados (así mira Knightley a su doble tras el cristal), resignados (ésa es la sonrisa de Mulligan en el clímax del filme), y, al cabo, asqueados por el mundo que les ha tocado vivir. La impotencia al revelárseles su condición de esclavos, esa orfandad de mañana que Ridley Scott simbolizó en una paloma súbita en manos de Rutger Hauer, sube aquí al cielo en grito infinito, ahogado, de un chiquillo todavía, de un clon enamorado, que descubre el horror al abismo y la repugnancia hacia ¿sus? otros.

CARTA DE RUIZ MATEOS A BENZEMA

2011-03-14T07:47:00.001+01:00

Va a ser que se conocen...

Querido Karim, desde el aprecio que mi familia y yo te tenemos por la gracia de Dios, como has podido comprobar en la ocasión en la que compartiste con nosotros nuestros Brandys Viejísimos de Jerez y que incluyo en el DVD adjunto a esta carta, en el que aparecemos celebrando esa apacible comida, que tuviste a bien aceptar con mis seis hijos varones (inmejorables) en plena Navidad. A pesar de tu enorme juventud y las malévolas insinuaciones que te unen a prostitutas menores de edad, quedamos sorprendidos del profundo conocimiento de tu profesión, así, como de tu exquisita educación, valía, prudencia, discreción, facilidad de palabra, sencillez, modestia y una madurez mental y psíquica que no corresponde a tu corta edad.

He disfrutado indeciblemente con tu doblete en el partido del sábado: por consideración al cúmulo de la cuantiosa responsabilidad como la que pesa sobre ti, que se ha visto agravada por las críticas de periodistas más malos que nadie, no he querido escribirte antes. Como no creo en la casualidad y sí, por el contrario, en la Providencia Divina, me quedé perplejo que la imagen del Santo con la que te obsequiamos, San Maximiliano de Tebeste, estuviera en la santoral del 12 de marzo, día del partido contra el Hércules, y que el mártir fuese de la tierra de tu familia, Argelia. Ello se me antoja pensar varias cosas: 1) posiblemente que al líder Fidel Castro le queda poca vida; 2) que si van a seguir jugando juntos Lass y Granero, merece la pena encomendarse a un Santo para ganar la liga; 3) probablemente, los árbitros seguirán robando los partidos a los adversarios del Barça en la Champions; 4) Que tendrás la ocasión de propagar la fe “mouriana” bajo su Advocación.

Karim, eres inconmensurable.

Cuanta precisión. Cuanto orden. Cuanta capacidad. Cuanta seriedad. Cuanta eficacia. Cuanto sentido de la responsabilidad. Cuanta entrega. Perdona mi atrevimiento de mandarte estas letras, pero como te valoro, te cotizo, te conceptúo tan excepcional y extraordinario, es motivo por el cual me tomo la libertad de dirigirte esta misiva y desearte toda la suerte para el partido contra el Lyon, esa tierra tan cercana a la Virgen de Lourdes y a sus milagrosas curaciones.

Debes saber que los futbolistas sois los más queridos de la sociedad en la que vivimos.

Una vez más, el abrazo entrañable de siempre,
José María

SYED, PITERMAN Y EL MONORRAIL

2011-03-07T12:01:00.001+01:00

“Señores, Springfield no tiene elección,/ levanten sus manos y entren en acción,/ ¡Monorraíl!, mas alto, ¡Monorraíl!”

En “Speed”, la película con autobús desbocado, Dennis Hopper soltaba una frase maravillosa cuando Keanu Reaves le acusaba de estar como una cabra: “¡No! Los pobres están locos; los ricos somos excéntricos”. Las historias de millonarios excéntricos siempre han sido mi debilidad: Howard Hughes, que acabó encerrado en un hotel de Las Vegas, sepultado por sus obsesiones; Ruíz-Mateos y sus inyecciones de bótox octogenarias; o el bizarrísimo Richard Lugner, que se monta unos fiestones increíbles en Viena con sus estrellas “freak” favoritas (Ruby, la “putuca” de Berlusconi, Grace Jones, o Dieter Bohlen). Ay, amigos, son personas así, de éxito, las que demuestran que el capitalismo y la competencia son la única forma posible de progreso.

Tengo un congojo dentro que me obtura las vías de ventilación. Necesito averiguar por qué Santander sirve de imán a este tipo de humanos: ¿será la playa, los restaurantes o la bachato-basura de Bustamante (“Cantabria, la tierra que me vio naceeeeeer”)? Lo del Racing ya es vicio: ¿se acuerdan de Piterman, ese potente excéntrico que cogió al equipo racinguista en 2003? Mecenas del Palamós, liante en el Alavés y desnudo en “Interviú”, el ruso se empeñó en cargarse a todos los entrenadores y ponerse él en el banquillo. Ahora, después de la tumultuosa salida de Dimitry (casi embreado y emplumado), ha aterrizado el nuevo propietario del club en Santander, el indio Ali Syed, saltándose semáforos, comprando en boutiques caras que abren para él en domingo (eso es ser rico, camaradas), y ventilando a Miguel Ángel Portugal. Da miedito cuando las declaraciones de Syed y Piterman son intercambiables entre sí; venga, adivínenme quién lanzó al universo indiferente estas majaderías: A) “El Racing puede ser más y mejor que el Depor”, B) “Llevadme a la casa de Botín; quiero comprarla”, C) “Quiero que el Racing sea el tercer grande".

Con estas milongas imposibles, me viene al cabezón el magnífico capítulo de los Simpson titulado “Marge vs. el monorraíl”. En él, la ciudad de Springfield decide qué hacer con un dinero extra de su presupuesto anual. En lugar de utilizar la pasta en arreglar la calle principal, la opción racional de Marge, el pueblo ¿piensa? que será mejor invertirlo en un monorraíl, basándose únicamente en una canción pegadiza del embaucador profesional Lyle Lanley. Será mi psicosis paranoide pero, al ver botar a Syed en el palco con Revilla mientras el personal aplaude los goles del Racing, oigo de fondo “Señores, Springfield no tiene elección,/ levanten sus manos y entren en acción,/ ¡Monorraíl!, más alto, ¡Monorraíl!”.

P.D. El resultado a nuestro juego de hoy. A) Piterman, B) Syed, C) Syed. Las ganadoras pueden escribirme a edugalanmesa@gmail.com

¡QUÉ LOS PRESENTE RICKY GERVAIS!

2011-03-01T10:03:00.000+01:00

La estupenda tradición de encargar a un cómico la conducción de los Oscar se terminaba este año con la elección de los actores Anne Hathaway y James Franco. ¿Por qué se olvida la Academia de Jay Leno, de Bill Maher, de Sarah Silverman, de Chris Rock, de Steve Martin o de Billy Cristal? Además de por acercarse a un público “juvenil” (recuerden que el año pasado la presentaron, con más ritmo, los dinosaurios Steve Martin y Alec Baldwin), los organizadores temían el “efecto Ricky Gervais”, un señor que reventó a base de barbaridades esplendorosas los corsés de los Globos de Oro. Estas decisiones conservadoras, tan en paralelo al premio a la naftalinísima “El discurso del Rey”, provocaron que Kirk Douglas, ¡con problemas de habla! se zampase en 3 minutos a Franco (un mediocre actor en la mediocre “127 días”) y buena parte del encanto de la Hathaway.

Incluso en la ceremonia previa de entrega de los galardones honoríficos (Coppola, Godard, Wallach) se respetaron mejor los “tempos” de un buen espectáculo (irónico con Robert De Niro, emocionante con ¡Clint Eastwood hablando del pueblo de Covarrubias, en Burgos!). Únicamente se pudieron disfrutar pequeños resquicios de triunfo cuando a Melissa Leo se le escapó la palabra “fuck”, con la aparición de un mesiánico Billy Cristal (como si dijese a los chiquillos, “así se presenta una gala”), o con Charles Ferguson, el director de la imprescindible “Inside job”, reclamando un atisbo de justicia en esta crisis.

Para desgracia del mundo extranjero, los comentarios de Pepe Colubi en Canal Plus revivían el show. En determinados momentos, era él solo, como los músicos del Titanic, el que se arrogaba la sufrida tarea de entretenernos el hundimiento con su (delicada) bizarría grosera. Bendito sea Colubi por hacernos olvidar a esos niños, ¡esos niños!, cantando como “castrati” “Somewhere Over The Rainbow”.

LOS DE LOS HORARIOS (Y EL PORNO)

2011-02-28T11:52:00.000+01:00

Los de los horarios, esa (a)gente secreta

“Mientras que el cine convencional aspira a que el público aguante durante toda la película, el porno busca que el espectador se vaya cuanto antes”. Esta gran declaración de intenciones, atribuida al actor pornobizarro Ron Jeremy, nos valdría también para comparar el juego del Real Madrid y el Barcelona. Después de que el Barça nos mantuviese atados (a pesar del 0-3) al televisor, el Madrid nos echó al poco de comenzar su encuentro. Todo un éxito... La narrativa del equipo de Mourinho funciona como la de las películas porno: sus trozos inconexos cobran más sentido separados que juntos. Si una escena con dos actrices dedicándose al “chiqui-chiqui” posee una mayor entidad (nunca mejor dicho) y solidez (nunca peor dicho) que la película en la que se encuentra (por ejemplo, la versión “goucha” de “Los Simpson”), el Real Madrid nos excita con las individualidades de Cristiano Ronaldo (¿si se lesiona?) y no con el juego del equipo, deslavazado e imposible.

Como cuentan Andrés Barba y Javier Montes en su imprescindible “La ceremonia del porno” (Ed. Anagrama), el senador norteamericano William Hays redactó una ley en 1930 (el “código Hays”) que regulaba la moralidad en el cine: además de la homosexualidad, el incesto o las relaciones interraciales, el texto prohibía mostrar los ombligos de las actrices. Lo maravilloso viene cuando, al divorciarse, la mujer del senador declaró al juez que su marido “siempre había confundido ombligo y sexo femenino”. Grave problema logístico del bueno de William, amigos. En la rueda de prensa posterior al partido, Mou habla de que “los de los horarios” (esa gente misteriosaaaaa y muy cerdaaaaa) le boicotean y confunde lo esencial (el fútbol) con lo accesorio (por mucho que nos gusten los ombligos), cayendo en la peor equivocación de un míster: justificarse con tonterías (práctica habitual en Guardiola; fíjense en cómo se apoyará en los árbitros si pierden la eliminatoria contra el Arsenal). Piénsalo bien, Mou: si quitasen los partidos a las diez de la noche, ¡nos obligarían a sufrir “La noria”! ¡Vivan esos “Men in black”, “los de los horarios”, y, de paso, viva “el de los cuadros”!

“Quizá no podría definir con toda claridad el concepto de porno, pero lo reconozco cuando lo veo”. Estas fueron las palabras del juez Stewart en una sentencia de 1964 sobre el tema pringoso que nos ocupa. Yo tampoco alcanzaría a definir a qué está jugando el Real Madrid de Mourinho, ni si nos va a dar la alegría de la Copa del Rey o la Champions, pero, al ver perderse a Kaká, al aguantar las pijadas de Pepe, al desaprovechar a Xabi Alonso, uno reconoce a este Real Madrid y asume que, de momento, tiene difícil arreglo.

CHICO & RITA

2011-02-27T14:49:00.000+01:00

Director: Tono Errando, Fernando Trueba & Javier Mariscal
Web: http://www.chicoyrita.es/

La estética de la Habana pre-revolucionaria, ésa que conoció las dictaduras de Machado y Batista y la intervención estadounidense, emparenta a aquella lejanísima capital cubana con su ética y sus aspiraciones. En sus calles, en sus teatros, en sus bares brillaba, esplendorosa, “neón-izada”, la sumisión (y se incubaba la reacción castrista) hacia todo lo que sonase a norteamericano. No sólo era el lugar (“noir”) perfecto para los negociantes (como mostraron Coppola en su “El Padrino II” o Pollack en su “Havana”), sino que supuso un cruce de caminos entre los grandes del jazz (Gillespie, Cab Calloway, Charlie Parker) y los grandes de la música cubana (Mario Bauzá, “Mongo” Santamaría, Pérez Prado); una infección musical (por lo que posee de inoculación) que acabó extendiéndose, en forma de “mambo” o “Cubop” a Nueva Orleans, Nueva York o Miami. En La Habana se combinaba el sabor caótico, sexual, arrabalero, de un país caribeño, y el ansia por tarifar esa locura sudorosa como espectáculo, ellos lo habían visto triunfar en Las Vegas o Broadway, de los estadounidenses. Una meta similar (inhalar esa cultura cubanonorteamericana de entonces, esta vez, a través de una microhistoria de dibujos animados) es la que tienen Fernando Trueba y Javier Mariscal en “Chico y Rita”.

Cuenta el filme los vaivenes en la relación amorosa de una cantante y un pianista desde sus inicios hasta la actualidad con una referencia en mente y trazo: el músico nonagenario Bebo Valdés, compositor de la banda sonora. Y esto determina el desarrollo y el peso de la película, un (sentidísimo) homenaje a una figura esencial de la música cubana: es él el que se mueve por las calles animadas de La Habana (en un hábil 2D que muta a 3D durante persecuciones y paseos) y es él hacia quien se tiran líneas de ficción para que éstas se coloquen, domadas y paralelas a su biografía (la colaboración de Chico con Estrella Morente en correspondencia a la colaboración de Bebo con Diego “El Cigala”). Pero, aceptado lo emocionante y lo merecido de su pleitesía a Valdés, “Chico y Rita” no guarda el aroma que le suponemos a aquella Cuba. Suele ocurrir al imponer un estética y un discurso excesivamente envarados a una música bastarda o un contexto histórico convulso; por muchos méritos técnicos que se encuentren en su animación, el resultado acaba remitiendo más a las postales mecánicas de un “biopic” al uso, que al “amour fou” (en una “cité fou”) de sus dos protagonistas. ¿Qué salva al filme de Trueba y Mariscal? Lo (menos) automático de su propuesta: los “standards” “Stardust”, “Besame mucho” o “Sabor a mí” suenan en la voz de Limara Meneses y el piano de Bebo Valdés con mayor resuello, con mayor verdad, que cualquier artilugio del metraje.

WINTER’S BONE

2011-02-21T09:59:00.000+01:00

Director: Debra Granik
Intérpretes: Jennifer Lawrence, John Hawkes, Garreth Dillahunt
Web: http://www.golem.es/wintersbone

Los niños, en sus clases preescolares, describen el sur como eso que está justo debajo del norte y el este como aquello que se encuentra a la derecha del Oeste. Sin complicaciones, sin meteduras de pata. Al tornarnos adultos, esta teoría continúa vigente en nuestras cabezas, quizá adornada por una brújula o un GPS, y obvia otros condicionantes que ayudan a geo/antro/socio/psico-localizar lugares alrededor del mundo. Fíjense en el Sur (mayúscula) norteamericano, una zona que, paradójicamente, no engloba a todo el territorio sureño de USA (Nuevo Méjico o Arizona se quedan fuera), ya que las fronteras de esta parcela de tierra arenosa se rigen por unas leyes que complementan a las físicas. La moralidad férrea y protestante, el amor desmedido por las armas y la propiedad privada (no poseemos unas, no podemos defender lo otro), o la lealtad inquebrantable a una concepción de familia inmutable, cercan sus territorios con más fuerza que los muros entre estados.

Debra Granik viaja a las montañas Ozark, a la Texas profunda, en su segunda película. Basada en un relato del escritor Daniel Woodrell (“escribo “country noir””, declaró recientemente el novelista, acusándose), el filme sigue las pesquisas de Ree (Jennifer Lawrence), una adolescente en busca de su padre, un prófugo de la justicia. En la extraordinaria novela de Erskine Caldwell, “El camino del tabaco” (1932), una familia veía desmoronarse su miseria mientras el Sur (encarnado en predicadora, vendedor o deficiente) visitaba su porche. En un desafío redentor y utilitario (en el protestantismo, ¿no son lo mismo?) que mezcla la ¿rutina? de despellejar una alimaña con los escenarios lynchianos de “Twin Peaks”, nuestra protagonista investiga sobre el paradero de su padre, inconsciente del Sur que este último simboliza, que hay más allá de su porche. De pronto, a nuestra niña le asaltará ese lugar, metafísico y violento, peligroso y tribal, que ya visitara John Boorman en “Deliverance” o que arrasara Eastwood en “Sin perdón”. Por tanto, no resulta gratuito asociar el largometraje de Granik al western postmoderno, y ligarlo a la potencia del arquetipo prepúber, femenino y fronterizo (lo usan los Coen y su “Valor de ley”) como heroína accidental, como salvadora de lo único que queda (aquí, dos niños) de bello en el infierno.

Ganadora del festival de Sundance y nominada a cuatro Oscar, “Winter's bone”, con sus claroscuros narrativos y su naturalismo formal (ascético y brutal a un tiempo), reclama su puesto entre las películas esenciales del año. Nuestra chiquilla, tan perdida y fuerte como la Dorothy de “El mago de Oz”, casi tan rodeada de brujas, leones buenos y maldiciones está la pobre, devuelve esa sensación maravillosa de (re)conocer a cineastas que saben que hay un Sur lejos del sur, que saben que de lo oculto supura el horror del hallazgo.

FUTBOLISTOS

2011-02-21T09:54:00.000+01:00

Cromazo...

“Esto es lo que pasa cuando das por el &%$Ç a un desconocido”, gritaba Walter Sobchak (John Goodman) mientras destrozaba el coche equivocado en “El gran Lebowski”. Es imposible no recordar este momentazo cuando a uno le cuentan el “remake” con Juanele. Como en la película de los Coen, el humorismo del instante bizarro no solo reside en los dos protagonistas (Sobchak/el pobre Juanele; y el propietario del auto), sino en El Nota/El guardia de seguridad gijonudo. Ambos secundarios observan atónitos la escena, comprobando cómo su mundo se desbarata a golpes: al personaje de Jeff Bridges le machacan su coche-casa-porruniverso a barrazos; y, si era un fiel sportinguista, al segurata le derrumban a su héroe, a ése titán del equipo rojiblanco, ocupado hoy en el arte del pincheo vehicular. Todo muy doloroso, vamos.

Preocupados por la mentalidad de algunos deportistas, hemos gastado el fin de semana a estudiar si el número de estupideces por persona aumenta significativamente entre la población de futbolistas. Nuestras conclusiones son definitivas: sí y con mayor incidencia en los delanteros. Piensen el lugar común de partida: humanos jóvenes y bienintencionados con, de pronto, mucho dinero para liarla. Güiza y su madre y la Nuria Ber (“mi hijo no é mu lizto”, soltó la señora en un programa del corazón). José Antonio Reyes, multimillonario en Londres y quemado porque “allí no hay nada que hacer” (¡¡¡en Londres, compañeros!!!): es lógico que se dedicase al coleccionismo de coches de lujo. El portugués Miguel y sus disparos al aire al salir de una discoteca. Benjamín escondiéndose de Lopera durante una fiesta de cumpleaños. Pandiani yendo a entrenar en camión y quedándose atrapado en una de las entradas. Donato y su terrible “fuerza pa vivir”. Kaká, su mujer y su “Dios puso el dinero en manos de Florentino para que fichase a mi marido”. Cañizares tiñéndose y parando un bote de colonia con el pie. Oleguer y sus artículos sesudos sobre De Juana Chaos. La lista es interminable: Collymore, Guti y su tatuaje de la capilla sixtina, Julio Salinas en “Mira quién baila”…

Amigos, las barrabasadas son tan inherentes al mundo del balompié como el balón. Yo propondría arrejuntar a estos futbolistas en un solo equipo y probar a ver qué ocurre. ¿Correlacionará inversamente el CI con la calidad de su juego? Ay, no sé qué pensar pero sí puedo sugerir al entrenador perfecto: David Vidal. Ya estamos todos: ¿en qué ventanilla se hace uno socio?

DESDE LA GALA DE LOS GOYA

2011-02-15T10:24:00.000+01:00

Los Goya

Alex De La Iglesia, charlando con nosotros

Por mucho que en esta edición parezca que se ha montado el lío padre, Jimmy Jump incluido, en los Goya siempre hay batallas. Hay batallas en el público que espera a las celebrities, hay batallas al buscar(se) un sitio entre las decenas de policías que cercan el Teatro Real, y hay batallas al apropiarse de un recodo entre la marea de fotógrafos.

The carpa

Porque en la inmensa carpa de 25 aniversario que la Academia ha colocado en la plaza de Oriente comienza la gran pelea de estos premios, la de los actores que quieren salir en la foto y la de los fotógrafos que solo quieren a algunos (vamos, a Bardem) actores en sus fotos. Se demuestra en el “photocall” que pervive una generación de histriones, inquilinos de un cine español que nunca volverá, Sancho Gracia (que ya se cabrea en su entrada), Terele Pávez, Massiel y Juan Luis Galiardo; y que también hay un relevo nacido en la televisión y de inquietante asepsia (Mario Casas, Dafne Fernández).

Areces, a lo suyo

Tosar

Asusta lo que se encuentran dentro, recién salidos de un Audi, a esa turba de fotógrafos que multiplican sus caras, diafragma más abierto, enfoque adecuado, flash, flash, flash, y les exploran las imperfecciones desde sus pantallas LCD. “Ésta la vendo fijo”, me dice un compañero fotógrafo mientras enseña un posado de Belén Rueda, tan sonriente e imposible como siempre.

Emilio Aragorn

Mario Casas

La que tendrá buenos postores será la foto Alex-Ángeles, casi una pareja en segundas nupcias ambos, agarraicos de la mano, simulando frenesí. Casi uno echa de menos al inhóspito Palacio de Congresos al sufrir la que se ha montado a las puertas del Real: humanos con la careta del ¿héroe? de “V de Vendetta” gritan, me gritan, al entrar que “ya saben los ganadores” y que “Internet es libre” y que “Sinde es una sinvergüenza”.

No sé, esto me parece muy lejos de la bandera de Wikileaks que muestra Assumpta Serna, algo bobalicona ella; bueno, que está frío y uno prefiere entrar y ver cómo el público, hoy disfrazado de clase alta, se otorga a Jorge Drexler que hace gala de una elegancia, “adelante, por favor”, me (con)cede en un quicio, sobrehumana.

Elena Anaya, as beautiful as always

Puigcorbé, su majestad

“Parece ser que a dimitir ahora lo llaman “hacerse un Alex De La Iglesia””, ironiza con nosotros el presidente de la Academia. Su militancia twitteriana, con los riesgos que componen ese mundo de 140 caracteres y su mono de instantes molones que compartir, le han empujado a esta situación: un limbo donde, como cineasta, no puede defender a la ley Sinde ni, como presidente, tampoco puede criticarla. Su discurso, leído con una contundencia “charlesbronsoniana” que le aleja de la pomposidad autista de la ministra, esquiva los charcos más peligrosos (derechos de autor, su relación con González-Sinde, modelo de negocio futuro del cine) y se centra en reforzar la unidad y su “be cool” con los internautas (eso sí, en su “Internet es la salvación del cine”, a De La Iglesia le falta el cómo); por tanto, auguro un reto realmente difícil para su sucesor: aunar las mentalidades e intereses de figuras (productores, distribuidores, directores, políticos) tan diferentes en una industria ya de por sí fragmentada y aún desconocedora de cómo gestionar en Internet sus contenidos para que sean rentables.

Abogadooo...

Bang!

Se nota, y en especial en la cara de Carolina Bang al perder su Goya, que la gala a la que asiste De La Iglesia no es en su papel de cineasta sino de presidente. Por eso, la falta de premios de “Balada triste” no suena a fracaso, sino a casi una confirmación de su irregularidad “clown”.

Balada, y tan triste, de trompeta

En su lugar, emerge una película comprometida, de pulso, y se premia con ella la carrera de un director con voz propia, agrietada por los años de producción independiente: Agustí Villaronga. Se le galardona a él, pero también se galardona a su obra, poblada de filmes indispensables (“Aro Tolbukhin”, “El mar” o “Tras el cristal”).

Manuela Velasco

Aceptando que hablamos de una ceremonia con excesivo número de premios, con intervenciones de agradecimiento demasiado largas en trofeos menores, reconcilia con los Goya una sensación de estar ante un espectáculo rodado y redondo (bendito Buenafuente) y de una justicia general para con (casi) todos los premiados: reconocida “La mosquitera” y derrotado “El discurso del rey” frente a la magistral “Un profeta” (además, Audiard y su maravillosa excentricidad estaban en la sala), el total hubiese quedado perfecto. Última entrega con Alex De La Iglesia y, cuando sales a la calle, permanecen en el “hall”, Goyas tras Goyas, las chiquillas con escote, riéndose, fascinadas por algún actor, negociantes dejándose notar, Andrés Pajares con cara de perdido y Massiel, ¿qué sería un sarao sin ella?, paseando entre sonrisas y bizarrismo.

The Pajares Family

Audiard, ese dios

EL PELACO DE LEONEL ÁLVAREZ

2011-02-14T17:37:00.000+01:00

Leonel, seguro de su pelo

Estoy seguro de que a ustedes les ha pasado. Se encontraban ¿disfrutando? el España-Colombia en sus casas, en el bar o en un motel de carretera y, de golpe y porrazo, apareció Leonel Álvarez y su pelaco. Ya lo saben, soy un gran aficionado a los jugadores latinobizarros (Dertycia y su alopecia, Hicks y su “chapacú-ismo”, Mauro Zárate y sus saludos fascistas…) que han alunizado en Europa y la imagen del “asistentetecnicoalseleccionadorcolombiano” funcionó en mis entrañas emocionales con una potencia similar a admirar la papada de Uribarri. Esos rizacos, ese devenir capilar entre la turbulencia y el torbellino, me arrastró principios de los noventa, cuando el bueno de Leonel era futbolista del Valladolid y las armaba pardas en los campos de España con su compatriota Carlos Valderrama. Antes de que conociésemos a Aureliano Buendía, antes de que Shakira se liase con Piqué y se estampase en nuestras vidas #eldeloscuadros, esos dos humanos del equipo blanquivioleta nos descubrieron Colombia y sus “waka-locuras” en una visita a Oviedo. Allí estaban, con sus miradas turbias y su pelaco, ¡ese pelaco moreno!, ondeando en el Tartiere. Chiquillos nosotros, nos acercamos a ver si caía un autógrafo… y solo nos llevamos la mirada cabreada de otro ilustre colombiano, el dentista (y, entonces, míster del Valladolid) “Pacho” Maturana.

Este viaje a los noventa no terminó el miércoles. Los madridistas de mi generación, además de recordar a Leonel, volvimos a tener una sensación olvidada en el más remoto de los tiempos: ¡una jornada en la que el Barcelona no gana! ¡Qué emoción, compañeros! ¡Ay, amigos, y tenía que ser el Sporting, ese equipo tan querido en la capital asturiana! Por una vez y sin que sirva de precedente, nuestro profundo agradecimiento al equipo de Preciado; Mou le enviará un “bouquet” de flores al entrenador con un sencillo mensaje, tomado de esa gran composición de Daddy Yankee, “lo que pasó, pasó”. Lo que dijo el portugués sobre Preciado (“cuando juegan contra el Barça y ven que no pueden ganar, meten al segundo equipo”) era una broma de cámara oculta. Ríanse, mozos, y enterremos calificativos del estilo de “p… canalla” o “asqueroso”. Mou no se refería al Sporting, tontones, que hizo un partido muy serio y supo contener, Cuellar mediante (a pesar de su error en el gol), a esa armada de orcos.

No nos engañemos, como María Teresa Campos o Parada, los madridistas somos unos yonquis de la nostalgia. Escribía Neil Young en “The needle and the damage done”, “canto esta canción porque quiero al adicto”. Amigos, quiérannos. De tarde en tarde y más en estas tardes de los tres últimos años, los aficionados al Real Madrid tenemos que mirar al pasado para intentar construir un algo (¿una liga? ¿una copa? ¿un buen pelaco?) que lo siga alimentando, que nos vuelva a dar motivos para añorarlo.

PRIMOS

2011-02-11T14:19:00.000+01:00

Director: Daniel Sánchez Arévalo
Intérpretes: Quim Gutierrez, Raúl Arévalo, Antonio De La Torre
Web: http://www.primoslapelicula.com/

La comedia “romanticostumbristelevisiva” ha marcado la trayectoria de una generación de cineastas: David Serrano, Borja Cobeaga, Tom Fernández, Nacho G. Velilla... Aunque todavía no esté muy claro si el movimiento se debe al éxito comercial del subgénero, a una afinidad temática entre creadores (o a ambas), sí existen diferencias al afrontarlo: desde el franquiciado (G. Velilla), desde el localismo astur (Tom Fernández) o desde la remezcla postmoderna (Cobeaga). Daniel Sánchez Arévalo, a pesar de compartir edad y gustos con los anteriores, se situaba a medio camino entre este humorismo y el drama. Sus dos experimentos previos, “Azuloscurocasinegro” y “Gordos”, saltaban del grotesco a la dramedia, del gamberrismo al almodóvarismo, complicando con semejante mezcolanza el vaticinio de hacia dónde se dirigiría su carrera. Ahora, con “Primos”, su opción no deja lugar a dudas: danzar alegremente por los (pringosos) terrenos de la comedia romántica junto a algunos de sus actores fetiches.

Dos primos (Raúl Arévalo y Adrián Lastra) consuelan a un tercero (Quim Gutierrez), al que una (mala) mujer ha abandonado en pleno altar. Como manda la reciente comedia española, nada mejor que regresar al pueblo (natal o accidental) si queremos reubicar nuestra vida sentimental (es decir, encontrar a una moza salvaje y casera) mientras que, en el impás entre lo/a uno/a y lo/a otro/a, se deje paso al suficiente número de enredos que justifiquen el metraje. Esto, que parece tan mecánico, puede (de)mostrar diversas formas de enfocar el cine. Que Sánchez Arévalo se mueve a un nivel notable en todo aquello que cuenta lo podemos adivinar con el inicio del relato: un hombre solo, patético, se inmola ante su familia como un inmaduro funcional (no es capaz de desvelarles que le han dejado hasta el último momento) y, consecuentemente, se comporta como un inmaduro funcional, tratando de recuperar a su primer amor. En un pequeño pueblo de Cantabria, lejos de la (malvada) gran ciudad, se encuentra esa chica del pasado, Martina (una espléndida y guapísima Inma Cuesta), y es allí, entre borrachos buenos y putas buenas, entre “glory days” caducados, donde los personajes recomponen su existencia, atrapados por las recetas clásicas shakesperianas: equívocos, “gags” y romance. Este material, que en manos de muchos de sus congéneres se tornaría plano y repetitivo, durante la primera mitad del filme adquiere una entidad brillante, soleada, frenética. Su “cast” principal, con un Quim Gutiérrez que perpetra comedia con encanto, un Raúl Arévalo que perpetra comedia “punk” y un Adrián Lastra que perpetra comedia autista, engrandece el resultado final. Que este subgénero depende en gran parte del guión y de los actores se nos recuerda, para bien y para mal, en el total de “Primos”; aunque su tramo final derive en comedia romántica al uso (y exportable), se agradecen sus ratos luminosos, su Comillas imposible, su reparto y, cómo no, su liviandad bien hecha.

127 HORAS

2011-02-08T10:31:00.000+01:00

Director: Danny Boyle
Intérpretes: James Franco, Amber Tamblyn, Kate Mara
Web: http://www.foxsearchlight.com/127hours/

En este mundo, hay “historias no-hollywoodizables” e “historias hollywoodizables”. En la primera categoría (si nos ceñimos a la actualidad), entrarían “La vida en tiempos de guerra” de Todd Solondz o “Copia certificada” de Kiarostami. Entre las segundas, se podría incluir a la reciente (y pomposa, y automática, como prueba la bendición de la Reina de Inglaterra) “El discurso del rey” o a la nueva cinta de Danny Boyle, “127 horas”. La película se ocupa de una microsecuencia en la vida de Aron Ralston que marcó el resto de su existencia. Ralston, un aventurero experimentado, quedó atrapado por el brazo después de un accidente en las montañas de Utah. Solo, sin posibilidad de escape, Aron decidió cortarse la mano para conseguir zafarse y, así, evitar una muerte segura. Material guionizable de supervivencia épica que, en lugar de incubarse en la corte isabelina a través de la aséptica superación de una tartamudez, se prueba aquí cercenándose un miembro del cuerpo.

Danny Boyle, poseído física y cinematográficamente por Joel Schumacher, aupado a los altares por la mediocre “Slumdog millionaire”, asume la tarea de llevar al celuloide las ciento veintisiete horas que aislaron al montañista dentro de la grieta. Esa ¿modernidad? ¿modernez? con la que nos asaltó Boyle en los noventa (se recuerda, con cariño, sin revisión, a “Tumba abierta” o “Trainspotting”), ya suena, vistas “La playa” o “Sunshine”, a ajada el día del estreno. Mientras que el Timothy Threadwell de Werner Herzog en “Grizzly man” era reverenciado como un profeta hippie o el Christopher McCandless de Sean Penn en “Hacia rutas salvajes” se desarrollaba como un poeta “new age”, las primeras escenas del metraje revelan a un idiota inconsciente y autorreferente (siempre con cascos, siempre grabándose) con el que es muy difícil compaginarse. Esa pantalla partida, un recurso repetido que hace perder a la película eficacia dramática y consistencia fílmica, dibuja a un personaje incompleto, a alguien que aluniza en un hoyo y (re)construye sus conflictos emocionales con la única motivación de que avance un guion deslavazado.

Sueños sobremetaforizados, apariciones de familiares/chicas etéreas o pequeños artilugios narrativos (una lluvia repentina, la posibilidad de un rescate, bien dosificados por Rodrigo Cortes en “Buried”) no bastan a “127 horas” en su intento de sostener una ficción real. Sus minutos, una vez sufrida la (sangrienta e inútil) auto-amputación del protagonista, desembocan en el mismo punto que cualquier historia hollywoodizable: en el inevitable final feliz, en los inmaculados títulos de “qué fue de…” danzando por una triple pantalla.

BENZEMA NO ES JAMES BOND

2011-02-07T11:03:00.000+01:00

¿Este tipo se llama Bond, James Bond?

El lío más grande de la carrera de Albert R. Broccoli, mítico productor de las películas de James Bond, fue buscar un sustituto a Sean Connery después de que éste anunciase su abandono tras su quinto metraje interpretando al agente británico, “Sólo se vive dos veces” (1967). Intentando que todo cambiase para que todo siguiese igual, Broccoli escogió a George Lazenby, un modelo australiano cuya principal experiencia como actor eran unos anuncios de chocolatinas. “Al servicio secreto de su majestad” (1968) fue su único filme dando vida a Bond; bien parecido (y majete), Lazenby cumplió una de las premoniciónes que, con ironía, soltaba en el transcurso de la cinta: “esto no le hubiese ocurrido nunca al otro tipo”.

“Esto no le hubiese ocurrido nunca al otro tipo”, seguro que se ha repetido Karim Benzema a lo largo de la temporada pensando en Van Nistelrooy. Salvo en determinados momentos de verdadera demostración de clase, no se nos puede olvidar ese golazo en Sevilla o el tanto frente al Mallorca, al francés le vence la apatía, el fallo, el desapego ante la portería. ¿Adebayor es la solución? En lo poco que ha jugado, la solidez del africano es destacable. Aunque su currículum se encuentre a años luz del galo, sería justo reivindicarle como un posible reemplazo de Benzema en el once titular, al menos, hasta la vuelta de Higuaín. Se veía venir con el discurrir de los fichajes de verano: nos faltaba y nos falta todavía un “killer”, un delantero centro que socorra a CR7 con la responsabilidad del gol. Lo que en el Barça compone Xavi o Iniesta y ejecuta Messi, en nuestro equipo recae sobre Cristiano. Cuando falta alguno de sus proveedores (en la derrota en Pamplona, Xabi Alonso arrancó en el banquillo), él se ve desbordado por multiplicarse y por soportar a públicos de guerrilla como el del Osasuna en el Reyno de Mordor.

Valdano y Florentino tendrían que haberse leído la historia de Broccoli antes de hacer el ridículo con el regreso de Van Nistelrooy. El productor, al comprobar el fracaso de la saga con el experimento Lazenby, ofreció a Sean Connery un (con)trato inmejorable si reemplazaba al australiano y protagonizaba “Diamantes para la eternidad” (1971): 1,3 millones de dólares y un 12% de la taquilla. Con sus (imposibles) demandas económicas, el Hamburgo nos hizo un favor. Connery solo aguantó una aventura más de Bond, el personaje que le había aupado a la fama y que ya le lastraba, y aterrizó Roger Moore, que encarnaría al espía en siete películas consecutivas. En esas está el Madrid aun: buscándole un Roger Moore a Van Nistelrooy.

THE FIGHTER

2011-02-05T09:19:00.000+01:00

Director: David O. Russell
Intérpretes: Mark Whalberg, Christian Bale, Amy Adams
Web: http://www.thefightermovie.com/

Aun con sus irregularidades, echábamos de menos al cineasta David O. Russell. Casi como una mímesis de sus inestabilidades (se rumorea que en el rodaje de «Tres reyes» George Clooney estuvo a punto de golpearle), su filmografía discurre entre altibajos; ahora, después de guardar silencio durante seis años, estrena «The fighter», un proyecto ultrapremiado. Tras el desastre comercial de «Extrañas coincidencias» (un metraje a revisar), pareciera como si el director hubiese sacrificado parte de sus propuestas fílmicas (deformación multipantalla de la imagen, tramas/temporalidades entrecruzadas) en pos del reconocimiento público. Ya de arranque, su (socorrida y luminosa) afición por la neocomedia indie, cercana a sus amigos Alexander Payne o Wes Anderson, se aparca al abordar una (deport)ografía hollywoodiense en la que irrumpen características ajenas a su subgénero habitual: la ausencia de humor (incluso «Tres reyes» debía más a las películas «Road to...» de Crosby & Hope que a «Black Hawk derribado») y la capacidad de superación como principal motor en la evolución de personajes.

El atrevimiento de su director evita que «The fighter» no despegue siendo otro biopic-franquicia de Hollywood. La desmesura del prólogo, en tempo y atmósfera cercanos al Scorsese de «Malas calles», retrata con talento a sus dos hermanos protagonistas (y a su asfixiante Massachussets): en el caso del primogénito, un Christian Bale pasado de vueltas, la implacable (tele)visión de un hundimiento, y, en el caso del segundo, la (in)candidez de un futuro posible dentro de un ring. En la zona más potente del relato, familia y tradición (de fracasos) se interponen en el camino de la promesa del boxeo, Micky Ward, y colisionan contra las carnes de una mujer perdedora/ida, la única que le empuja a seguir adelante. Es en su realismo social, que huele (hablamos de emigrantes irlandeses) a Frears o Loach, donde mejor se mueve el metraje: mientras muestra la inmersión de la clase baja en el discurso televisivo como generadora y consumidora del mismo; el choque cultural con un cine marciano (la referencia a «Belle époque», deliciosa), o, por encima, la verdadera representación de esa familia hiperpoblada que, con una impresionante Melissa Leo a la cabeza, fagocita a sus propios miembros.

Al bambolear sobre el riesgo decepciona que la narración de «The fighter» desemboque en el convencionalismo. Nadie niega a O. Russell la fidelidad a la historia de Micky Ward, pero quizá esta (i)realidad sea lo que peor le haya sentado a su ficción. El brío, los claroscuros y las paradojas emocionales/visuales se diluyen al final, en busca de un «happy ending» que deje contento a productores y a biografiados. Este sacrificio, que en manos de Bruce Beresford o Gabriele Muccino hubiese degenerado en grima, en David O. Russell termina en una cierta amargura. Cuando nos (medio) reíamos con su metodología Robert Altman, cuando le ofrecía un (buen) par de hostias a George Clooney, nos gustaba más.

(NON) NOS DEIXARON SEM O TÍTULO

2011-01-31T19:20:00.000+01:00

El vídeo del lío...

Prólogo. Empiezo este artículo con una frase que me define como persona. Columna. Me cae bien Del Nido. Esto es como empezar una escrito y teclear “me cae bien Charlie Sheen”, “me cae bien Riopedre” o “me cae bien Rafi Camino”. Junto con “me ha salido un bulto en un testículo” o “mi mujer es aficionada al bondage”, son sentencias que dejan a uno tocado de por vida. El problema es cuando humanos inconscientes las utilizan. Disponer de un buen eslogan podría igualarse a poseer una espada láser o un pechaco musculado, al final, todos ellos son artilugios que te pueden llevar a muchos lugares divertidos. Los periodistas lo saben: un buen titular, una buena referencia, un buen Güikileaks… en nuestro mundo, lo que cotizan son las palabras (clave).

“Vamos deixar-te sem o titulo”. Ésta fue la frase que se le ocurrió a un publicitario de Dos Hermanas o Jaén para calentar el partido de Copa frente al Sevilla y, por consiguiente, a nuestro entrenador portugués. Seamos serios. A Del Nido se la han metido en una agencia de publicidad y, como me cae bien, me veo en el deber de avisarle. Lee, Chema: N-O-n-o-s-d-e-j-a-s-t-e-i-s-s-i-n-t-í-t-u-l-o. Tranquilos, lectores, creo que José María ya habrá llegado a esta conclusión tras ver el partido de Copa en el que les barrimos (¿fue gol? ¿no fue gol? Conclusión: da igual).

“Casarse por lo civil resulta más leve que contratar un móvil”, soltó Martínez Camino, ese monseñor soltero, esta semana. ¿Hostia? ¿Sí? Como saben los lectores de LA NUEVA ESPAÑA, me he casado cuatro veces (dos tailandesas, una jiennense y una rumana) y he pedido la portabilidad en dos ocasiones. Por tanto, les puedo asegurar que Juan Toni tiene razón. Es más fácil dejar a una mujer y a tus hijos que irse a Vodafone. “Tranquilo, se lo hacemos todo”, me aseguró María, mi nueva teleoperadora de Orange al pasarme a su compañía. ¿Cuándo os han dicho esto vuestras mujeres? ¿Será lo que te propongan tus querubines si les abandonas?

“A veces, las palabras se posan sobre las cosas como una mariposa sobre una flor, y las recubren de colores nuevos”, escribía Ángel González. Del Nido es feliz con la vacuidad de sus palabras. ¿Son ciertas, como las de Martínez Camino? No, pero son novedosas y, aunque el Sevilla tenga un equipo mediocre, corrupto y machetero, le (re)cubren de colores nuevos. Aquí, amigos, el poder de las palabras justas: como una candela un día lluvioso, aparecen cuando necesitas maquillar la realidad.

RED

2011-01-31T19:16:00.000+01:00

Director: Robert Schwentke
Intérpretes: Bruce Willis, Mary Louise-Parker, John Malkovich
Web: http://www.redlapelicula.com/

En 2003, el escritor Warren Ellis y el dibujante Cully Hammer publicaron “Red”, una miniserie de cómics que ilustraba una venganza: el ex-agente de la CIA Paul Moses, traicionado por sus compañeros, decide cazarlos sin piedad en una espiral de violencia que salpica cada una de sus páginas. Pero esa sinopsis caducó en 2008, justo cuando se anunció su adaptación al cine con Robert Schwentke en la dirección; ahí la maquinaria hollywoodiense comenzó a acomodar la historia original a sus preceptos industriales. La dificultad de trasladar un formato como el cómic al cine (y, especialmente, en áquellos con implicaciones comprometidas) se ha manifestado en los últimos intentos: las (más o menos) acertadas “Sin City”, “V de Vendetta” o “Watchmen” cohabitan con estrepitosas relecturas del original (“The Green Hornet”, “The Spirit”). Explicar “Red” como una adaptación sería insuficiente; siendo exactos, la película de Schwentke plantea una redefinición fílmica global del material primigenio. Cambia de género (del “thriller” a una “comedia negra”), propone nuevos (y múltiples) personajes (Malkovich o Freeman no aparecían en la obra de Ellis) y, quizá esto sea lo esencial, desecha los dos temas sobre los que pivota el cómic (la venganza y la violencia como la única mediadora posible para su consumación) en beneficio de un espectáculo de Hollywood, supervisado por el productor Lorenzo Di Bonaventura (“Transformers”), en el que se busca el (sanísimo) entretenimiento superficial.

Eliminados de la ecuación, muy a propósito, los seguidores del tebeo, la actitud adecuada al revisar “Red” debería ser la de olvidarse referencias previas. Este Paul Moses, no, perdón, aquí Frank Moses (Bruce Willis), es un agente de la CIA también retirado y también traicionado. Basta de similitudes. No se trata de vengarse, importa reunir a su antigua cuadrilla (Freeman, Cox, Malkovich, Mirren) con el objetivo de descubrir, en una escapada por Estados Unidos, quién y por qué le ha tendido una trampa. Es el filme de Shwentke una “action road movie” en la que Bruce Willis vuelve a practicar el subgénero donde mejor se encuentra. En “¿Qué es una buena película?” (Ed. Paidós), el profesor Laurent Julliet indica que las superproducciones norteamericanas se dirigen al estómago, a provocar la emoción instantánea y recurrente en el espectador, frente a otro tipo de cine que, desprovisto de las urgencias del espectáculo/retorno de la inversión, persigue la reflexión o la construcción de un discurso artístico que justifique su existencia.
“Red” funciona perfectamente como película del estómago. Schwentke, que ya había ejercitado el entretenimiento masivo con “Plan de vuelo: Desaparecida”, utiliza todas las bondades y maldades que le otorga una superproducción. De entre la turba de personajes planos (esa pareja de ex-espías sexagenarios o el propio Morgan Freeman, en línea con la afición hollywoodiense a planteles corales de relleno) o el avance previsible de la trama (¿en algún momento les inquieta saber quién ha vendido a Moses?), sí se disfrutan del filme algunas locuras de acción, casi siempre acompañadas por la presencia de un John Malkovich entonado o de una Helen Mirren anecdótica. Aunque el puzzle final roce el despropósito (uno no sabe qué pinta Rebecca Pidgeon o Richard Dreyfus poniendo cara de malos), si lo que pretendemos es un rato superficial de emociones inconexas (y sudoríparas), la película cumple su objetivo. El problema, como suele ocurrir con estos metrajes, es cuando te paras a pensarlos.

THE WALKING (& AZULGRANA) DEAD

2011-01-24T17:17:00.000+01:00

Así debería de haberse comportado Miguel Ángel Portugal y su Racing frente a los zombies azulgrana...

La nueva serie del canal AMC, “The walking dead”, narra la historia del levantamiento zombie y cómo los (pocos) humanos que han sobrevivido se resisten a estas criaturas. Pero, ¿todas aguantan? No, compañeros. En diversos capítulos descubrimos a algunas personas que, frente a la infinita magnitud del desastre, se dejan desaparecer para escapar, por la salida rápida, del horror. Entre ellos, podría encontrarse el bueno de Miguel Ángel Portugal. “Hablar de opciones ante este Barça no está bien”, declaró el míster del Racing de Santander después del 3-0 que le endosó la troupe zombi azulgrana. Menuda estampa de entrenador depresivo, menos mal que no entrena al Oviedo. “Uyyy, no está bien, uyyyy”, suelta el menudero, “qué miedo, no se vayan a cabrear y nos barran del mapa”. Hermanos futboleros, con este plan nuestra Liga no va a ninguna parte.

En el último capítulo de la imprescindible primera temporada de “The walking dead”, un científico, interpretado por Noah Emmerich, opta por el mismo camino que Portugal en el Camp Nou: el suicidio. Vaya elemento peligroso este Miguel Ángel. Con personal de esta calaña, el campeonato español está condenado a un fútbol plagado de zombies y huérfano de héroes, capado de talento. El “sheriff” protagonista, Rick Grimes (Andrew Lincoln), antepone la salvación de su familia a la de un mundo en Apocalipsis y, de esta manera, consigue sacar adelante tanto a su familia como a una (pequeña) parte de su mundo. Esa actitud debería haber adoptado Portugal, la de salvar a su equipo en lugar de dejarse zampar por unos no-muertos azulgrana que ni notaron su presencia.

“Quizá no nos guste vivir juntos, pero morir juntos no va a solucionar nada”, argumentaba una de las protagonistas de “La noche de los muertos vivientes”, esa obra maestra fundacional del maestro George A. Romero. La Liga, por planteamientos como el del amigo Portugal, se está degenerando en una dicotomía que, con el Madrid tanteándose aún, es una dictadura culé. Esteban Vigo, Manolo Preciado, José Luis Oltra, Quique Sánchez Flores, Joaquín Caparros… lo importante no es la derrota, sino la forma de afrontarla. Sólo tenéis que seguir al sheriff Grimes.

EL DEMONIO BAJO LA PIEL

2011-01-23T13:13:00.000+01:00

Director: Michael Winterbottom
Intérpretes: Casey Affleck, Jessica Alba, Kate Hudson
Web: http://www.ifcfilms.com/films/the-killer-inside-me

En cada ocasión en la que el cineasta Michael Winterbottom estrena una película, los aficionados al cine deberíamos estar de enhorabuena. A partir de 1995, el director británico nos ha regalado, fiel a su espíritu nómada y transgresor, un filme al año: desde necesarios experimentos cinematográficos (“El perdón”, “9 songs”, “Código 46” o “Génova”) hasta celuloides de una extraordinaria complejidad (“Tristram Shandy”, “In this world” o “24 hour party people”). “El demonio bajo la piel”, adaptación del “pulp” de Jim Thompson que ya fue llevada a la gran pantalla por Burt Kennedy en 1976, se adecúa a la perfección a la filosofía de Winterbottom.

Discurre la película a través de dos líneas que no paran de entrecruzarse. Por una parte se nos descubre, con violencia súbita y desbordada, a un mediocre policía (Casey Affleck) en su verdadero papel vital; el de un psicópata que se adentra en la oscuridad del mal con cada mentira, con cada asesinato. Es en el viaje desesperado de su (doble) personaje donde ejercita el director inglés su afición favorita: el cruce (y reversión) de géneros. En el guion de John Curran (“El velo pintado”) el “noir” y el cine de “psycho killer” se muestran entrelazados e, incluso, con sus arquetipos alter(n)ados: valga de ejemplo, la convivencia entre esa voz-en-off omnipresente, ajena a “Henry, retrato de un asesino”, y las escaramuzas del asesino para ocultar sus crímenes, justo el objetivo contrario al de Marlowe en “El sueño eterno”.

“El demonio bajo la piel”, atravesado por esa dualidad sexual y mortecina de Kate Hudson y Jessica Alba que entierra, feliz, a un imponente Casey Affleck, se debería celebrar como un logro más de la filmografía de Winterbottom. Quizá algunos tambaleos en la resolución (personajes, como el de Elias Koteas o Bill Pullman, poco pulidos) y ciertas incoherencias le alejen de sus mejores trabajos pero, retomando las reglas de su cruce de caminos, el filme recupera el pulso en sus últimos minutos con la resolución de un misterio resuelto (esto pasa por jugar con géneros) y la explosión junguiana de una violencia que cesa con violencia.

EL CIGARRILLO NO ESTABA ALLÍ

2011-01-17T17:52:00.000+01:00

Miss U..

En una estupenda micro-canción, los Replacements pedían más cigarrillos para que la fiesta no decayese. Una gran actitud la de esta banda norteamericana de cachondos mentales. Desde “Un blanco radiante” apoyamos esa moción, aún con el riesgo de que nos incendien el chiringo los fumadores y nos muramos dentro con tal de aspirar el humo. Pero, de entre los malvados inhaladores de efluvios peligrosos, esos cabronazos emperrados en que nuestro Lacoste huela mal, los más hundidos con esta imposición sanitaria somos los madridistas.

Háganse a la escena. Cuatro gorilas macho jamando y viendo el Real Madrid-Atlético en una cafetería del centro de la capital. Si les digo que el lugar en cuestión se llama “El Boston” ya podrán hacerse una imagen mental del habitáculo donde nos encontrábamos. Eso sí, para tranquilidad de mi abuela, no había barra americana. Patatas bravas, cerveza, oreja, cerveza, calamarones, cerveza. Una dieta equilibrada. Gritos a cascoporro. Un inglés, flipando en la mesa de al lado. Mateu Lahoz, en su papel de árbitro ausente. Y un Atlético, otra vez (y van…), a nuestra merced: Raúl García, desaparecido, Reyes, desaparecido, Forlán, desaparecido, Domínguez, desaparecido, Perea, desaparecido. Tan sólo Agüero y las manos de De Gea, ese prodigio postadolescente, retrasaron su agonía.

El principio de antítesis de Darwin, incluido en su esencial “La expresión de las emociones en hombres y animales” (1872), explica que algunos animales pueden manifestar de forma contradictoria una única emoción. Así, determinadas aves, cuando están en alerta, echan el cuerpo hacia atrás en posición de guardia y, a la vez, erizan las plumas en posición de ataque. Con la felicidad del último gol, a pies de ese monumental (y jovencísimo) Özil, y al mismo tiempo que elevábamos la mano izquierda en señal de victoria, la mano derecha buscaba un objeto humeante, tranquilizador, cancerígeno, bendito, sobre el que descargar la tensión, la frustración con Benzema y la panzada patatil que nos acabábamos de meter. Queríamos ver el Marlboro quemarse con la lentitud e inmovilismo de Quique Sánchez Flores. No. Prohibido, nos avisa Braulio, el camarero. Orfandad, miseria, desengorile en un solo instante. Nos miramos y pedimos una droga diferente (un gin-tonicazo). El partido dejó de ocupar el televisor y emergió Anne Igartiburu y su asquerosa higiene. Cuando despertamos, el cigarrillo no estaba allí.

THE GREEN HORNET

2011-01-16T11:17:00.000+01:00

Dirección: Michel Gondry
Intérpretes: Seth Rogen, Jay Chou, Cameron Díaz
Web: http://www.sites.sonypicturesreleasing.es/sites/thegreenhornet_site/

El (más que probable) cruce de caminos entre el cineasta Michel Gondry (“Olvídate de mí”, “Por favor, rebobine”) y el actor-guionista Seth Rogen (“Lío embarazoso”, “¿Hacemos una porno?”), se ha producido con la (más que improbable) adaptación de “The Green Hornet”, antiguo serial radiofónico/serie televisiva/cómic en el que un rico heredero (Seth Rogen) acaba adoptando la identidad de un justiciero enmascarado, junto a su fiel criado Kato (Jay Chou). Rodada en 3D, a los aficionados al cine de Gondry no debería preocuparles este detalle: el director siempre ha buscado múltiples formatos, como el video musical, la suecada o el “mash up”, donde reflejar sus inquietudes creativas en imágenes. Así, a lo largo del metraje y, en especial, cuando éste se lastra y pierde su esencia, Gondry dedica sus esfuerzos a experimentar con la estereoscopia, esta nueva/vieja moda de Hollywood, en la que estira, desdobla, multiplica y segmenta al superhéroe y sus escaramuzas con tal de explorar sus posibilidades (parece que) para futuros proyectos.

Mientras que, en el caso de Gondry, “The Green Hornet” funciona como laboratorio donde jugar con dinero de gran estudio a la acción en 3D, el protagonista y autor del guión, Seth Rogen, se apropia del proyecto. Escriben Fernando De Felipe e Iván Gómez, en su imprescindible ensayo “Adaptación” (Ed. Extensiones) sobre la adaptación de diversas formas artísticas (novelas, series, cómic) al celuloide, que “un actor nunca llega a parecerse del todo al personaje que interpreta. A veces, basta simplemente con dar con la voz adecuada para que un personaje resulte creíble”. Al tomárselo como algo más personal que Gondry, Rogen acomoda “El avispón” a su visión del cine postmoderno (y a su físico) con los dejes inevitables de la factoría Judd Appatow (“Supersalidos”, “Hazme reír”). Tanto en su interpretación como en su texto, conviven lo “pulp”; la revolución “nerd” (ésta es la condición de todos sus protagonistas y antagonistas); la neblina entre ficción y realidad (incluso el malvado de Christoph Waltz, reclama una identidad ficticio/secreta, por mucho que su presentación real/manifiesta sea suficientemente efectiva); las contradicciones del superhéroe del XXI (herederas de “Watchmen”, aquí amplificadas por su cercanía a la comedia y por ese compañero, Kato, mejor dotado para la profesión ¡que el propio protagonista!); o la hibridación de géneros (comedia, acción, fantástico, misterio…). A pesar de que esta mezcolanza sea el punto vapuleado por público y crítica, uno piensa que es, precisamente, lo valorable de la inconexa “The Green Hornet”. Su absoluta liviandad trans-génerica, que se demuestra en un estupendo arranque, se va apagando a medida que el metraje gana en minutos y termina por declararse difunta en una escaramuza final que podría servir de pago a los estudios que la financiaron, pero desmerece a su atrevimiento de inicio. La película, una vez disfrutados sus hábiles títulos de cierre en 3D, da la sensación de que no ha dejado contento a nadie: ni a Michel Gondry, ni a Seth Rogen, ni a Sony Pictures, ni, lo importante, al espectador.

PARA JUANITO NAVARRO (1926-2011)

2011-01-10T16:26:00.002+01:00

En Agosto, gracias a Arturo Téllez y a Onda Cero, tuve la oportunidad de charlar un rato con Juanito Navarro en el programa "JELO en verano".

Juanito se nos acaba de morir.

Pues aquí quede la que creo que es una de sus últimas entrevistas.

Espero que os guste.

NO CONTROLES

2011-01-10T10:27:00.001+01:00

Director: Borja Cobeaga
Intérpretes: Unax Ugalde, Julián López, Alexandra Jiménez
Web: http://www.nocontroleslapelicula.com/

Tras “Pagafantas”, su notable comedia de denuncia social, el dúo compuesto por el director Borja Cobeaga y el guionista Diego San José escoge en su segunda película explorar un subgénero, la “screwball comedy”, que mezcla enredos en los vaivenes de una relación amorosa. Son Unax Ugalde y Alexandra Jiménez la pareja culpable de que, en el microcosmos de un hotel cercado por la nieve, se desarrollen una serie de situaciones carburadas por una abundante terna de secundarios y por el compromiso de Cobeaga con la comedia.

Quizá este último punto sea el principal mérito del filme (y del director). Cuando esperábamos una reiteración en automático del gamberrismo al que nos tenía acostumbrados, en pocas ocasiones se descubre a un cineasta tan empeñado en olvidarse de sí mismo y experimentar con el hecho humorístico en todas sus formas. Durante su metraje, hay guiños visuales (el pelo imposible de Julián López después de sintonizar una antena), físicos (Ugalde sobreviviendo a una piscina de hielo) o sonoros (un Casio que desvela una mentira); pero, como ya ocurría en “Pagafantas”, la fortuna cae del lado de los lingüísticos, y no gracias a los protagonistas. Julián López, en un papel desbocado de conocido plasta, se zampa la función con sus extraordinarias dotes cómicas. ¿Es esto bueno para “No controles”? Probablemente, sí, porque sin él y sin un desigual Secun De La Rosa, la cinta hubiese desinflado sus argumentos.

Aplaudiendo la obsesión de Cobeaga con maquinar con diversos tipos de comedia alrededor de la desubicación vital, “No controles” desatiende elementos esenciales para llevar su humorismo a buen término. La elección de Unax Ugalde, actor impecable, no acaba de convencer en un rol reservado a otras fisicidades más vulgares: uno asumiría a alguien como Gorka Otxoa o Julián López cuando se trata de jugar a perdedores amorosos y sus equívocos. Esta decisión de reparto lastra la mayoría de los gags, dejando aquellos realmente efectivos en manos de Julían López. De la misma manera, la estupenda mala leche de “Pagafantas” se disuelve aquí en un guión y un montaje que rozan la inconexión al intercalar con descuido pasajes amables y conservadores (unos brochazos de “good feeling”, inmigrante incluido, o un último tercio de poco músculo) con momentos espléndidos (el “gag” del ladrillo en el coche o el del chupetón). Aún (re)conociendo que las tonalidades del total son diferentes a las del debut de Cobeaga (y que éstas vienen marcadas por el subgénero donde ha elegido moverse), las irregularidades de “No controles” desmerecen sus desafíos de arranque y no le permiten pasar de un correcto segundo filme.

(POR AHORA) NO NECESITAMOS A DI STEFANO

2011-01-10T10:24:00.001+01:00

No se preocupe, D. Alfredo, tenemos a CR7

Por fin se ha terminado nuestra semana en la ruta del Bakalao valenciana. Menuda locura, amigos. Acuérdense; el trámite del Levante en Copa del Rey se saldó con una derrota inerte del Real Madrid “B” y ese conciliador “Mourinho, muérete” que entonó el Ciutat de Valencia, emocionado con la visita de un míster de ese nivel a la (casi) Segunda División. Ahora, como solemos arrasar a los contrarios, la diversión del personal, hastiado con su equipo, es tocar las pelotas al entrenador del Real Madrid quien, con sus inoportunas declaraciones (la última, maravillosa: “Tampoco Jesucristo era simpático para todos, así que imagínate yo”), ha contribuido a convertirse en el Fernán-Gómez del fútbol español. Si no le provocan en una rueda de prensa, le provocan en los vestuarios; si no le provocan a la entrada de un restaurante, le provocan en los baños. Todo un poema en el que debería intervenir el presidente, por el bien de la imagen del club.

Nada que ver el mediocre Levante con la visita del espléndido Villarreal, tan obsesionado como siempre con el conjunto blanco. Se añora a Higuaín, se duerme la defensa en la primera parte (¿sintieron que nos estaban vacilando?), y ahí tenemos a Rossi, Marco Rubén, Cani y Cazorla haciendo lo que les daba la gana. Pero si en algo ha acertado el Madrid, ha sido en fichar al poligonero. Nuestra situación recuerda esa película bizarra de los ochenta, “La mujer explosiva” del gran John Hughes, en la que unos adolescentes feos (y salidos) construyen a una moza estupendísima (y biónica) que, con el cuerpazo de Kelly LeBrock, les arregle los problemas de popularidad en el instituto.

A base del talonario del tito Floren, hemos programado al jugador biónico perfecto que nos haga parecer populares en Liga. Su triplete y la victoria contra el Villarreal concluyeron en un estado amnésico-eufórico del madridismo, como si fuésemos adolescentes feos y salidos con novia salada de pega, bastante perjudicial en nuestra situación actual. Se nos olvidaron, por arte de magia, las carencias de Benzema, el aturdimiento de Pedro León, el autismo de Marcelo, la recuperación lenta de Kaká o la desaparición de Sergio Ramos. Le preguntaron estos días al octogenario Di Stefano si habría que fichar a algún delantero para sustituir a Higuaín. “Sí, a mí”, respondió el sabio. Siento mucho decirle a D. Alfredo que, con CR7, ya no le necesitamos. Bueno, por lo menos, hasta que el portugués se lesione.

LOS PRÓXIMOS TRES DÍAS

2011-01-08T12:59:00.000+01:00

Director: Paul Haggis
Intérpretes: Russell Crowe, Elizabeth Banks, Brian Dennehy
Web: http://www.thenextthreedaysmovie.com/

Hitchcock y Truffaut, en esa serie de conversaciones recogidas en el esencial tratado de Alianza Editorial, establecieron (o, más bien, el maestro inglés impuso) un acuerdo con respecto al suspense: la verosimilitud no debería ser una de las obligaciones del género. Director de la imprescindible “En el valle de Elah” y la desigual “Crash”, Paul Haggis se plantea en “Los próximos tres días”, mediante el “remake” de una película francesa, escapar de la trascendencia dramática de sus anteriores propuestas y embocar hacia un terreno dúctil, casi vacuo: el de los juegos de suspense que tan buen resultado proporcionan a las megaproducciones hollywoodienses. El solvente Russell Crowe da vida a un padre de familia quien, desesperado ante el encarcelamiento de su mujer por un crimen que no ha cometido, decide convertirse en un justiciero-callejero y liberarla de las garras del perverso Estado con un meticuloso plan de rescate.

A pesar de su turbio arranque, con Crowe asediado por una agonía fuera de campo, nada en la propuesta de Haggis busca dobleces y, menos aún, complicaciones como las que enfrentó su anterior filmografía. Nos ofrece el cineasta un rato de locura colectiva e inverosímil, muy indicado para ratos en los que no haya ninguna maldad que organizar. Es en sus momentos más pomposos (especialmente, en una burda explicación “conceptual” del Quijote o en las reuniones carcelarias madre-hijo) cuando el aparato del director flojea hasta límites intolerables. Disfrutamos, en cambio, con las imposibilidades del personaje de Crowe (de profesor a rescatador, créanselo) en su obsesión por liberar a esa falsa culpable (Elizabeth Banks, siempre a reivindicar); quizá sea esa acumulación de nimiedades tan vistas, tan sobadas, tan bien rodadas, la que oscurezca el despropósito de guión que hay detrás. Una tarde con un hombre mediocre negándose a sí mismo (en el fondo, eso nos gustaría hacer a nosotros), tramando escaramuzas entre “dealers” y policía, siempre se agradece cuando es con el (com)probado buen pulso de “thriller” que atesora Haggis.

Eso sí, cuando el cineasta olvida su metraje y se pone a rememorar “Crash” o “En el valle de Elah” y busca la verosimilitud dramática, los fantasmas de Hitchcock y Truffaut (y nosotros) se le aparecen. Por eso, esa obsesión innecesaria por atar cabos, por proporcionar coherencia (ir)racional a su relato, con la que se vuelve loco Haggis en el epílogo, desmerece al entretenimiento vacuo, pero entretenimiento al cabo, que nos había regalado durante el resto del filme. En cierta ocasión le preguntaron a Chicho Ibáñez-Serrador qué era lo peor de hacer terror. “Que la gente se ría con tu película”, contestó, lacónico, ese genio. Nos reímos con el final de “Los próximos tres días”, menudo fracaso, y todo por no querer dejarnos huérfanos, con lo bien que estábamos sin ella, de verosimilitud.

CAMINO A LA LIBERTAD

2011-01-07T22:52:00.002+01:00

Director: Peter Weir
Intérpretes: Jim Sturgess, Ed Harris, Colin Farrell
Web: http://www.thewaybackthemovie.com/

La relación del hombre con la Naturaleza ocupa el fondo de la filmografía del extraordinario director australiano Peter Weir. Se vale ésta del océano (“Master and commander”), de la selva (“La costa de los mosquitos”), del desierto (“Gallipoli”), o, en su ausencia, de las maldades de un medio ambiente sujeto a leyes artificiales (“El show de Truman”), para (re)marcar la épica a la que el cineasta nos tiene acostumbrados. Frente al azar indiferente, materialista, que la Naturaleza juega en la obra de otros directores (pensamos, cómo no, en Werner Herzog) y que arrolla incompasiva a sus personajes, el imaginario de Weir remite sin contemplaciones a “La Odisea” homérica, amoldando un mundo hostil al héroe, y sólo al héroe, que lo conquiste.

De la mano de National Geographic Entertainment, bajo el título de “Camino a la libertad”, regresa el realizador a narrarnos el huida de varios prisioneros de un gulag siberiano, en plena Segunda Guerra Mundial, desde las garras de Stalin hasta la libertad, miles de kilómetros más tarde, en la India británica. Basada en hechos reales, único punto sobre el que apoya su (in)verosimilitud, se argumenta la película como un largo viaje que evita suspense (la escapada del campo de concentración, el lugar perfecto a la tensión), Historia (tan sólo, al arribar a Mongolia, en una escena espléndida, se descubre la amplitud del imperio-Stalin), o interacción con el camino (los personajes que se encuentran en el viaje son sombras inertes), dejando el metraje en un itinerario repetitivo donde no hay evolución de los roles principales ni, por tanto, emotividad. Pareciese que Weir abandonase la suerte de su proyecto en una épica autista y en algunas (mínimas) bazas solventes: un arranque interesante (la in-humanidad del gulag); sólidos trabajos actorales (hay que reiterar la desbordante delgadez de Ed Harris); y un intenso y bellísimo diseño de producción que, en su exuberancia plagada de detalles, muy National Geographic, resta efectividad a lo contado (esto no es una contradicción).

Ya en el epílogo, se confirma la infertilidad del trayecto vital de estos hombres cuando Weir cierra el desarrollo con una escena innecesaria, impropia a su mejor cine: la visualización surreal (y, paradójicamente, real), de una vuelta al hogar previsible, lacrimógena, anciana, maniquea.

LISTA DE PELÍCULAS DE 2001 A 2010

2011-01-03T21:54:00.003+01:00

En Onda Cero me han pedido escoger siete películas de la década. Han caido éstas, pero podrían haber sido otras:

ZODIAC (David Fincher, 2007)
LA CINTA BLANCA (Michael Haneke, 2009)
GRIZZLY MAN (Werner Herzog, 2005)
AQUELLAS JUERGAS UNIVERSITARIAS (Todd Phillips, 2003)
WALL-E (Andrew Stanton, 2008)
TRISTRAM SHANDY: A COCK AND A BULL STORY (Michael Winterbottom, 2005)
OLVÍDATE DE MÍ (Michel Gondry, 2004)

Me dí cuenta que me faltaban demasiadas y comencé una lista dinámica a la que iré añadiendo títulos: todas, en mi opinión, justifican su visionado.

Empezamos:
A Mighty Wind (Christopher Guest, 2003), World's Greatest Dad (Bobcat Goldwaith, 2009), Four Lions (Christopher Morris, 2010), Copia Certificada (Abbas Kiarostami, 2010), Mullholland Drive (David Lynch, 2001), Inland Empire (David Lynch, 2007), El hombre que nunca estuvo allí (Joel & Ethan Coen, 2001), Black Hawk Down (Ridley Scott, 2001), Hermanos por pelotas (Adam McKay, 2008), Una historia de violencia (David Cronenberg, 2005), Un profeta (Jacques Audiard, 2009), Cache (Michael Haneke, 2005), El curioso caso de Benjamin Button (David Fincher, 2010), Two Lovers (James Gray, 2008), No Direction Home (Martin Scorsese, 2005), I'm Not There (Todd Haynes, 2007), Vals Con Bashir (Ari Folman, 2008), El nuevo mundo (Terrence Malick, 2005), Supersalidos (Greg Mottola, 2007), 24hour party people (Michael Winterbottom, 2002), In This World (Michael Winterbottom, 2002), El Hijo (Hermanos Dardenne, 2007), El Ladrón de Orquideas (Charlie Kaufman, 2002), Mystic River (Clint Eastwood, 2003), Babel (Alejandro González-Iñarritu, 2005), Dogville (Lars Von Trier, 2003), Match Point (Woody Allen, 2005), REC (Balagueró & Plaza, 2007), El escritor (Roman Polanski, 2010)

RAZONES PARA PROHIBIR LA NAVIDAD

2011-01-03T10:41:00.000+01:00

Esta imagen chunga es otra más de mis razones...

Ay, amigos, se termina la Navidad y en el campo de batalla sólo hay cadáveres. Quedan las indigestiones de cordero; el olor a langostino en la ropa; las discusiones violento-familiares sobre la prohibición del tabaco; el niño huérfano de las dos Playstation de Reyes; o los futboleros sin el balompié que necesitaríamos en vena para sobrevivir a esta temporada de «concordiayamorypazylechesenvinagre». José Mota despidió 2010 en TVE con una de las grandes majaderías de la década que, como gran majadería, nos sirve como eslogan a nuestros intereses: «En 2011, tenemos derecho a que nuestros sueños se cumplan».

Enhorabuena al estratosférico José por sus acertadas palabras. Aparte de un beso marrano a Angelina Jolie o dos elepés firmados de Pedro Ruiz, los futboleros tenemos derecho a que nuestras verdaderas ilusiones se cumplan en 2011, es decir, a que la RFEF, la LFP y la AFE se pongan de acuerdo y que el año que viene se convierta en la primera temporada con fútbol en Navidad. ¿Sabían que el día 25 de diciembre es la fecha con más paradas cardiacas del calendario? Eso se terminaría eliminando de la parrilla a Raphael y programando un soporífero Sporting-Osasuna. Todos tranquilos con semejante aburrimiento: ¡adiós a los trallazos al corazón! ¿Saben que en Navidad aumentan las cifras de suicidios? Chupao, pongan a jugar al Real Madrid y esa alegría que fomenta Mou en los corazones acabará de lleno con esta estadística. ¿Saben lo complicado que es para el Rey ensayar todos los años un discurso nuevo? Nada, le ponemos a leer los resultados y la quiniela de la jornada y ¡todo arreglado!

Compañeros, ¿no sería maravilloso dejar de ser españoles (un ratico) e instaurar en nuestro país esa maravillosa tradición inglesa del «boxing day»? Según sus mandatos, el día 26 de diciembre hay jornada de Liga con el objetivo de que los padres puedan depositar a sus engendritos en la grada de su equipo y, de un plumazo, logren eliminar un regalo de Papá Noel y a un pipiolo dando la barrila en casa. «¡Háganlo por los niñitos!», gritaría Flanders. Si no los he convencido para que apoyen el «Spanish boxing day», ¡optaré por la «vía Cascos» (arrasar con todo) y propondré prohibir la Navidad! Bueno, al menos, como el tabaco: en bares, locales públicos o casas de familiares cursis.

PINCHADA HOY EN EL ROCKET CON ANTONIO RICO

2010-12-29T20:52:00.002+01:00

¿La Navidad es espantosa?

Sí, lo es.

Pero el rock and roll la puede hacer un poco menos insoportable.

Edu Galán

y Antonio Rico

pincharán canciones escritas con tres acordes

el miércoles 29

(un momento, el 29 ¿es miércoles o jueves?,

da igual: el 29)

a las 23:00 horas (más o menos)

en el Rocket

(calle Oscura de Oviedo, p'abajo).

La cerveza no será gratis,

Buddy Holly, sí.

EL DISCURSO DEL REY

2010-12-28T11:10:00.000+01:00

Director: Tom Hooper
Intérpretes: Collin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonham-Carter
Web: http://www.kingsspeech.com/

Aún hoy, uno se fascina con la maestría de ciertos artesanos británicos para trasladar, con mecánica precisa, casi cualquier guion dramático a una zona muerta entre el filme y el telefilme. Es esta corrección absoluta, teatral, de té a las cinco, darling, thank you very much, la que dirige “El discurso del Rey” de Tom Hooper (en su haber las recomendables “The Damned United” y “Elisabeth I”) hacia unas temporalidades, espacialidades y tonalidades muy determinadas. Esta habilidad acomodaticia, que llegó a su paroxismo con aquella incómoda teleserie de la BBC “Pennies from heaven” (1978) del literato Dennis Potter, despreciada por Herbert Ross en celuloide dulzón y aséptico (“Dinero caído del cielo”, 1981), se torna referencia aquí al narrar el tratamiento de la tartamudez del Rey Jorge VI de Inglaterra (Collin Firth) por parte de un actor mediocre, Lionel Logue (Geoffrey Rush). Sólo de vez en cuando, a través de fisicidades de otras épocas (ese recrearse en primeros planos, ocasionalmente con acierto), demuestra Hooper algún interés en afrontar retos en su película; al cabo, abandonada en panegírico “british” de una figura vital en su Historia reciente.

Impulsados por un metraje que carga su única baza a sus espaldas, el principal logro de “El discurso del Rey” se halla en sus interpretaciones. Rodeados de una pléyade de actores británicos consagrados (Bonham-Carter, Jacobi, Spall…) que se revelan absorbidos por lo anecdótico (debajo de la barba, ¿está Michael Gambon?), los dos protagonistas se empeñan en levantar la función. Quizá sea porque Geoffrey Rush le ha soplado a Collin Firth que la forma adecuada de alcanzar un Oscar es la de dar vida a un discapacitado que se supere a sí mismo con esfuerzo y un mentor canoso. Los ejemplos históricos son innumerables: Dustin Hoffman en “Rain Man”, Marlee Matlin en “Hijos de un dios menor” o el citado Rush en “Shine”. Nada más lejos de la primera candidatura de Firth a la estatuilla dorada: un profesor gay en la California de los sesenta en “Un hombre soltero” de Tom Ford. “Con el rollo homosexual-liberal no se va a ninguna parte”, pensaría el estupendo actor (véanle en “Génova” de Michael Winterbottom), “¡ya se lo han dado a Sean Penn!” Si buscaba semejante premio, ha hecho bien Collin Firth en enmadejarse en su interpretación de Jorge VI: él solo ha eliminado las planicies del personaje; ha ahondado en sus tartajeos; ha aguantado de pie a un magistral Geoffrey Rush; y ha cercenado en minucia chirriante, agravada por ese último título de crédito que avisa que Rey y plebeyo cutre “fueron muy amigos toda la vida”, el libreto de Hooper.

TRON: LEGACY

2010-12-28T11:06:00.000+01:00

Director: Joseph Kosinski
Intérpretes: Garrett Hedlund, Jeff Bridges, Olivia Wilde
Web: http://disney.go.com/disneypictures/tron/

“Tron: legacy” pide de una atención cuidadosa: analizamos una película que, sin ser un “remake”, al mismo tiempo, lo es. Secuela de aquel éxito “Disneybizarro” de 1982 donde se proponía un universo electrónico que conducía sus comunicaciones a través de una red infinita, el nuevo filme no sólo se dedica darnos pistas sobre el paradero del científico Kevin Flynn (Jeff Bridges) y las pesquisas de su hijo (un pétreo Garrett Hedlund) para encontrarle. Obligado por la dependencia al estilo abrumador del original, han transcurrido veinte años desde su estreno, el largometraje se ve forzado a remozar su diseño, acercándolo a los dejes masivos del siglo XXI.

Uno no sabe qué es lo interesante del filme. ¿Merece más la pena focalizarse en las aventuras de un chiquillo y su padre enfrentados a un sistema rebelde que, a la vez, es el padre? O, probablemente, ¿no será de mayor provecho poner en contraposición las ambiciones formales de “Tron” y “Tron: legacy”? Si existía alguna duda ante este dilema, el guion en automático de Kitsis y Horowitz, rodado con mecánica frialdad por el debutante Joseph Kosinski, nos la descarta. El regreso a la tierra de las motos lumínicas repite los dejes del original. Por mucho que el tiempo lo haya mitificado, aquel “Tron” de Steven Lisberger no escapa a la anécdota, a ese “fíjate cómo éramos en los ochenta” que bastantes entonamos, observen lo mal que nos ha tratado la senectud, cuando nos recuerdan a las hombreras, a Wham! o a Ronald Reagan. Uno piensa que, con esta cinta, ocurrirá lo mismo al cabo, si me apuran, de dos o tres años. Desnaturalizada en sus referencias sexuales, ¿en qué se basa la relación pupila-maestro de Bridges y la estupenda Olivia Wilde?, y narrativas, un simple amontonamiento de escaramuzas sin fondo, la mirada del espectador se debería acercar más a la sociología que al análisis fílmico. “Tron: legacy” atrae a sus argumentos formales ochenteros (siempre “cool”, siempre de club gay) a las últimas tendencias petardas con el cuidado moral en albal que Disney exige. Ahí está el metrosexual (si es que no ha caducado), la meditación, las discotecas “techno” (incluso intervienen los “Daft Punk”), la comida macrobiótica, la loca “Ziggy Stardust” (un Michael Sheen desatado)…

Con esta película (y con la modernez mitificadora que tan rápido encumbra a Alaska como a Tamara), uno echa de menos los sudorosos, masculinos, cutres y tabaqueros “Recreativos Martínez” de Oviedo. Frente a la asepsia imbécil de “Tron: legacy”, allí se atropellaban los olores, el DYC, el mal rollo y la mediocridad, abstraídos todos ellos en el juego con un encanto especial, cuasinavideño.

QTAR LIMPIA Y DA BRILLO

2010-12-20T12:29:00.000+01:00

Blatter sabe varias cosas de Qatar: que hace un calor de cojones, que hay pasta a cascoporro y que los gays no les hacen mucha gracia.

Vivir esta liga es vivir atrapado en el tiempo. Uno arranca el fin de semana con la vana esperanza de que nada se repita y, al final, todo continúa igual. El Barcelona arrolla a nuestro querubín, el Espanyol, con la misma contundencia que a nosotros; el Sporting se agarra al bigotaco de Preciado como última arma antes del abismo; el Atlético se lo pasa estupendo con sus ciclotimias y machaca al pobre Málaga; y nosotros sobrevivimos a un Sevilla repleto de macheteros (el hachazo de Dabo a Di María es infame) y a un Clos Gómez que se afianza como uno de los peores árbitros de primera división. A finales de los noventa, se acuñó en España el nombre de “Liga de las estrellas” para designar al campeonato y, poco a poco, ese concepto se ha ido erosionando hasta convertirse en una sonoridad vacua que remite al pasado.

Hoy, el interés del aficionado se ha trasladado del campo a sus afueras. Si se fijan, hemos gastado la semana garruleando sobre si a Cristiano no le quiere el resto de sus compañeros. ¡Ay, amigos, cómo es posible que alguien piense eso! ¿Quién no podría adorar a un poligonero musculado? ¿Qué podría crear mal rollo con él? ¿Que le gusta “La excepción” y “Andy y Lucas”? ¿Que le molan las joyas de oro y las putucas de fin de semana? Uno no entiende que un ser humano con ese jolgorio encima pueda caer mal. Cabestros, dejen al portugués respirar y presten atención al tema más importante de la semana, el recién estrenado patrocinio del Barça por parte de la Qatar Foundation.

En una realidad previsible, lo único que salvaguardaba al Barcelona de la rutina era ese halo místico con el que envolvía, cual albal pringoso de un bocata de calamares, a su camiseta. ¿Cuántas veces hemos aguantado los madridistas el discursito de que “nuestra camiseta es intocable”, “nuestra camiseta es incorruptible”, “nuestra camiseta es esponjosa”? ¡Y todo porque no tenía un logo! Pero, claro, a estos humanos que van de dignos y limpios y buenos y suaves les ofreces treinta millones de euros y ¡se cargan al “Teletubbie” morado con sus propias manos! Cruyff declaró estos días que “Rossell había manchado la camiseta”. No se le olvide a “Yojan” que el verbo “manchar” es transitivo. Le faltó añadir el con qué: ¿grasa de chorizo, quizá? Mucho peor aún, con una fundación que defiende los valores de un país donde, según el informe anual de Amnistía Internacional de 2009, “se priva arbitrariamente de su nacionalidad a centenares de personas. Las mujeres siguen siendo objeto de discriminación y violencia. Hay al menos 20 personas condenadas a muerte”. Por lo menos, “Teka” sólo fabricaba fregaderos.