TOKIO BLUES

Director: Anh Hung Tran
Intérpretes: Rinko Kikuchi, Kenichi Matsuyama, Kiko Mizuhara
Web: http://www.tokioblues.es/



La inclusión en la banda sonora de “Tokio blues” de diversas canciones de “Can”, ese grupo sesentero, psicodélico (y alemán), sirve para desvelar muchas de las intenciones de Anh Hung Tran en su adaptación cinematográfica de la novela de Haruki Murakami. A lo largo de 1967, año en el que arranca el metraje, en Alemania Occidental y en Japón alcanzaba la mayoría de edad una generación que había crecido bajo control norteamericano y que, en parte, se había educado bajo una serie de reformas (y rutinas) (tele)dirigidas por el gobierno estadounidense. La canción de los Beatles, “Norwegian Wood”, representante de un movimiento occidental (hippismo + amor libre) en conflicto con una cultura oriental, desencadena el recuerdo en Toru Watanabe (Kenichi Matsuyama) de un tiempo de posadolescencia en el que (sobre)vivió al suicido de su mejor amigo Kizuki, a la vez que establecía una relación amorosa con la ex-novia de éste, Naoko (Rinko Kikuchi).

Hung Tran, director de las imprescindibles “El olor de la papaya verde” y “Cyclo”, traslada el texto de Murakami con el mayor respeto posible en cine: asimilándolo a su visión filmica. El cineasta aplica su tempo, pausado y detallista (disfruten la fotografía de Pin Bing Lee), a la inestabilidad de lo retratado; un cúmulo de emociones soterradas durante la iniciación de unos adolescentes a un mundo adulto que, reitero, (a)parecía aún más incierto en el Japón de 1967. En ese mosaico surge la sexualidad, la locura, el suicidio (diseccionado durante una escena inicial fuera de plano) o la enfermedad, todo a revoluciones súbitas que remarcan las intenciones del director para con su proyecto. “Los tiempos están cambiando”, cantó Bob Dylan cuatro años antes de lo que ficciona la película. El metraje basta como evidencia tangible de la afirmación del cantautor, describiendo con fuerza las contradicciones de una época que dejó enmedio a una nueva tipología masiva: la de la mujer liberada (y sus despresurización, especialmente, en una sociedad como aquel Japón). No deben de extrañar, y de esta manera están contadas en el filme, algunas de las consecuencias de la asimilación de lo norteamericano en el país imperial: la progresiva occidentalización de los trastornos psicológicos (incluso integrados en un sistema de curación como el que sugiere la cinta) o la expresión de (ya) nuestra variopinta sexualidad (“necesito ver porno, algo perverso”, ordena una de las mujeres del filme). Asumimos alguna cadencia excesiva y alguna hípermetafora en “Tokyo blues” solo porque posee méritos notables: adaptar un “best-seller” muy ligado a la memoria sentimental actual (casi tanto como “Norwegian wood” a su protagonista) y, además, por hacerlo con voz autónoma, casi proponiéndonos que nos olvidemos de, que matemos a, Murakami.

MAPA DE LOS SONIDOS DE TOKYO

Directora: Isabel Coixet
Intérpretes: Sergi López, Rinko Kikuchi
Web: http://www.mapofthesoundsoftokyo.com/



El cine de Isabel Coixet (sí, ya hay algo con ese nombre tras veinte años) se revuelve entre contradicciones. Nunca ha evitado la realizadora su compromiso con contar historias y eso es lo que ensalza su producción. “Cosas que nunca te dije”, “Mi vida sin mí” y “Elegy” continúan en la terna de sus trabajos reseñables. Ahora bien, en el momento que decide que debe mediar el artificio en la emoción, incluso su mejor producción se resiente. “A los que aman” y “La vida secreta de las palabras”, paroxismos de la herencia publicitaria de la realizadora, mudan su texto en eslogan musical, sus colores en contraposiciones cromáticas “á la Álmodovar”, y sus escenas en discursos silentes muy, muy largos (y muy, muy incoherentes).

“Mapa de los sonidos de Tokyo” resumiría los vicios y las virtudes de Coixet. En esencia, a una asesina japonesa se le encarga eliminar a un español del que acaba enamorándose. Entonces gusta la película. Gusta cuando dedica su tiempo a la antropología y a la psicología: la transferencia de un ser desaparecido (una suicida, aquí) a una persona vacía (como nuestra protagonista, como Freud en su silla), y la venganza de un padre a través de un Tokyo bizarro, inesperado, “camp”, delicado, marciano.

A “Mapa de los sonidos de Tokyo” le ocurre como a un sencillo grano de maíz convertido en palomita iluminada por el microondas industrial de un multicine atiborrado de color. Como si se tratase de un asunto de vida o muerte, deforma Coixet las motivaciones de sus personajes con diseño, publicidad y artificio. En su reiteración, las escenas de sexo (un trasunto que se devalúa de Bertolucci a Lynne) escribirían la síntesis de excesos generales: una voz en off injustificada que retira el sentido al narrador; o un epílogo (con línea final embarazosa incluida) que no haría justicia a Corín Tellado.

Sólo dejando la sala atrás y repensando “Mapa de los sonidos de Tokyo”, extirpándole sus capas sobrantes, hallamos la fuerza de la directora catalana. Sabe Coixet arrancar ideas (y adaptarlas, vean “Elegy”); dirigir actores (López está a la altura de un grande) y componer caracteres interesantes. Para redondear un filme, le faltaría a Coixet escuchar a Leonard Cohen en “Anthem” (“Hay una grieta en todo/ así es como entra la luz”). Comprendería que no es necesario abrir grietas, sino descubrirlas. De ahí entra la luz.