Amig@s, sabíamos que ya era hora de traer una verdadera estrella a "¿De qué se ríe, Sr. Martínez?", el espacio sobre humor que levantamos Arturo Téllez y yo todos los jueves a las 19:00 en Onda Cero.
Gran escena con Florinda Chico
Este jueves día 11 de agosto a las 19:00 tenemos en Onda Cero a uno de los monumentos del cine español:el señor Juanito Navarro.
Sí, descuidaros, cabrones, le vamos a preguntar si se presentará a las próximas elecciones del Real Madrid. El tercer capítulo de la temporada se titula “Mitos & Gametos del humor español. De la revista a "El mundo today"” y tendrá como invitados a Juanito Navarro, cómico, actor, monologuista, autor... lalecheenvinagre; Xavi Puig, director del diario humoristico "El mundo today"; y Antonio Castelo, cómico, colaborador de "UAU" y creador de la webserie "Tú antes molabas"". Sigo dando la brasa: este jueves 11 de agosto a partir de las 19:00 en Onda Cero. Ah, y si quereis escuchar psicofonías con el vozarro de Galán, simplemente bajaros el podcast después de la emisión y ponedlo marcha atrás bien entrada la noche.
Director: Tommy Wirkola
Intépretes: Vegar Hoel, Charlotte Frogner, Stig Frode Henriksen
Web: http://www.dodsno.no/
Si fuera consciente de sí mismo, el zombi se tomaría a broma. Al lado de la seriedad basura del vampiro o el encanto marrano del hombre lobo, este no-muerto pútrido, tambaleante, “slow-motion”, es un gilipollas. Su imbecilidad congénita (hablamos de un ser asalvajado en busca de sesos) la estableció la obra fundacional del subgénero, “La noche de los muertos vivientes” de Romero, y, salvo excepciones (excluiremos “28 días después” y sus zombis híperestimulados o esta “Zombis nazis”), se reproduce en las múltiples revisitaciones fílmicas de la criatura. Sólo faltaba que una generación de creadores atrajese a este monstruo tan, tan idiota al lugar perfecto para monstruos idiotas: la comedia. Max Brooks y sus ficciones “Guía de superviviencia zombi” y “Guerra mundial Z”, o las películas “Zombieland” o “Zombies party”, ponen al bicho donde debe estar: de secundario torpe que proporciona, en igual proporción, terror y humor.
Su tropa de zombis maquiavélicos, “inteligentoides”, aleja a “Zombis nazis” del cine no-muerto puro propuesto por Romero, pero no de la comedia. El director Tommy Wirkola intenta de forma muy evidente pertrechar un homenaje a la saga de “Evil dead” de Sam Raimi y, con alguna irregularidad (que, dicho sea de paso, comparte con su modelo), ¡vaya si lo consigue! Con el libro de estilo de este tipo de metrajes (unos chicos en medio de la montaña, la irrupción de un desconocido y el descubrimiento de una maldición), el filme alcanza lo que buscaba: un divertimento “gore-familiar”. Amputaciones, descabezamientos, tajadas... todo vale cuando se trata de librarse de un grupo de zombis que te dan la vara. Cercana a los desparrames de la dinamo Rodriguez-Tarantino (“Abierto hasta el amanecer”, “Planet terror”), la cinta se disfruta si suspendemos un rato nuestra obsesión por la higiene cinematográfica. No es obligatorio sentido ni narrativa lineal: hay películas que piden esta suspensión argumental... y “Zombis nazis” es una. Se le agradece su ritmillo transgresor e imposible de machetazo, sangre, víscera, machetazo, sangre, víscera, machetazo, sangre, víscera... un son que, como una melodía cerda de orquesta de pueblo, entra bien en verano.
Director: M. Night Shyamalan
Intépretes: Noah Ringer, Dev Patel, Nicola Peltz
Web: http://www.thelastairbendermovie.com/
En una rueda de prensa de lanzamiento de “Airbender”, una periodista se dirigió al responsable del filme, M. Night Shyamalan (“El sexto sentido”), preguntándole (esto es un decir) por qué había abandonado sus “películas del principio” (suponemos que se refería a “El sexto sentido” y “El protegido”) y se “había abandonado a la comercialidad” (suponemos que se refería a “El bosque”, “La chica del agua” o, cómo no, “Airbender”). La respuesta del indio fue perfecta: les remitimos a youtube para que aplaudan sus palabras. Si hay una película que se ría de estas situaciones, rutinarias a la labor del artista, es “Recuerdos” (1980) de Woody Allen. Durante todo el metraje, al personaje de Allen, un director que presenta una retrospectiva en un festival menor, sus “fans” le recriminan que no vuelva a sus primeras películas, “las graciosas”, y se deje de dramas, tan bajoneros ellos. Con el realizador asiático estalla un fenómeno similar. Shyamalan es un creador híperdotado que ha entregado algunas de las películas más importantes del último cine norteamericano (y, abróchense los cinturones, me refiero a “El sexto sentido”, “El protegido”, “La joven del agua”, “Señales”, la extraordinaria “El incidente” o “El bosque”); un tipo que, con la osadía del que mantiene a su obra en ebullición, apuesta en “Airbender” por otras vías (la adaptación), otras magnitudes (la megaproducción) y otros formatos (el 3D) con el fin de desentablillar, como hizo Allen, su filmografía.
Aunque falle la memoria, con los largometrajes de este director al personal le ocurre (reitero, por su atrevimiento) lo mismo. La reacción ante el estreno de “El protegido”, un clamor en su contra (“¡no se parece a “El sexto sentido” y el niño es más tonto!”), se ha mimetizado en cada uno de los lanzamientos posteriores, hasta llegar al paroxismo con la maltratada “El incidente”.
“Airbender” no supone la comercialización/degeneración del cine de Shyamalan. El cine de Shyamalan siempre ha sido comercial: sus cifras de producción de Hollywood están ahí, cerca de sus (generalmente, superiores) cifras de taquilla. ¿Qué cambia en esta ocasión? El que Shyamalan haya adaptado un texto ajeno, en este caso una serie animada de Nickelodeon, por primera ocasión en su carrera. El mal cálculo del cineasta con “Airbender” ha sido plantear cine generalista dirigido a una gran masa de público, mientras que, en sus películas previas, había producido cine minoritario (“La guerra de los mundos” de Spielberg es “Señales” a gran escala) que conectaba con una mayoría de la audiencia. Así, en lugar de atraer la adaptación a su terreno (Cuarón se aventuró con “Harry Potter y la cámara de los secretos”), la adaptación le ha empujado a él hacia el suyo.
Después de esta declaración de amor a uno de los directores hollywoodienses de mayor calado en la actualidad (añadiríamos a David Fincher, a James Gray…), no queda más remedio que admitir que “Airbender” no se libra del aprobado raspado. En ella están las querencias del cine de Shyamalan (el héroe que va asimilando su condición, la nínfula dispuesta a sacrificarse por su pueblo,…), untadas con ese reciente cine épico-fantástico-familiar que amortaja cualquier intento de trascendencia y cualquier calidad. Dentro de una lista de películas del ultragénero (“Las crónicas de Narnia”, “Legión”) al filme le pasa lo que jamás le había ocurrido a este cineasta: su cinta parece que la podría haber firmado cualquiera.
Con un ritmo aceptable, un 3D que luce únicamente en dos o tres escenas, y un final abierto a continuación (no destripo nada, sabemos de entrada que es un serial), a la propuesta la apuntalan los juegos formales con los que el realizador se divierte: los esplendorosos planos secuencia a cámara lenta o su colosal diseño de producción sirven para probar las saludables ganas que tenía Shyamalan de faltar al respeto a sus anteriores filmes y a sus “fans de siempre”. Tras este bache, aguardamos a su siguiente proyecto (“Devil”, un terror construido ¡dentro de un ascensor!) con el ansía con el que esperamos a los que se arriesgan, a los valientes que colocan su pellejo en cada fotograma.
Amig@s, este jueves día 5 de agosto a las 19:00 continúo en el programa de Julia Otero en Onda Cero con “¿De qué &/$# se ríe, señor Martínez?”, un espacio semanal sobre el humor (y sus circunstancias) junto a Arturo Téllez, y una serie de humanos de variopinta procedencia.
El segundo capítulo de la temporada se titula “Nacidos de pie. El "stand-up" en España” y tendrá como invitados a Carlos Clavijo, escritor, productor y monologuista, Ricardo Castella, monologuista y presentador de televisión; e Ignatius Farray, monologuista y colaborador habitual de "Muchachada Nui".
Sigo dando la brasa: este jueves 5 de agosto a partir de las 19:00 en Onda Cero.
Reitero: si os quereis llevar a Galán encapsulado, el podcast estará disponible en ondacero.es después de la emisión.
Director: Vicenzo Natali
Intérpretes: Adrien Brody, Sarah Polley, David Hewlett
Web: http://www.splicethefilm.com/
En las oscuridades de su cine metálico es donde el director Vicenzo Natali se mueve con mayor soltura. La gelidez marciana que subyace en sus previas (y magníficas) “Cube” (1997) y “Cypher” (2002) le arraiga en esa tradición del fantástico que David Cronenberg se encargó de acarrear, bandera de ese cientifismo inconsciente, arranque de las múltiples implicaciones de “Rabia”, “Inseparables” o “ExistenZ”. Pilar del Río, la viuda de José Saramago, contaba en una entrevista reciente que el Nobel estaba obsesionado por la ciencia ficción, una afición que a ella le resultaba “muy rara”, como buena mujer de “fan” del “sci-fi”. Mientras “Splice” nos desasosiega, y a la vez que emergen las tangencias de las obras de Natali y Saramago, se tiene la sensación de que el portugués hubiese gozado con el celuloide del estadounidense. Dentro de esa subversión perversa del género, y que llamaremos ciencia ficción íntima (“La mosca”, “Crash”), la película narra la vida de una pareja de científicos (los soberbios, valientes, Polley y Brody) que acoge clandestinamente a la criatura del experimento que están llevando a cabo, un ser que combina células de diversos animales y que va evolucionando hasta la figura de una pseudoadolescente que, como las adolescentes, guerrea con su cuerpo y con emocionalidades desconocidas.
Con Freud de coguionista, Natali introduce sutilmente, desde la repugnancia a la sensualidad, a esta “femme feral” en el espacio vital de los protagonistas, un lugar congelado por la in-acción de los días automáticos, un territorio vacío de sentido, sostenido por la posibilidad de un éxito profesional que reanime su futuro. Lo que antes recreaba una convivencia rutinaria, ahora, espoleado por la aparición de la extraña, niña y lolita, habitual y asombrosa, se abre a esa violencia de la no somos capaces de expropiarnos, a ese rencor íntimo de dos personas que coleccionan reproches. Sabe Natali que esa amargura se incuba en la penumbra y, al igual que conducía a los prisioneros de “Cube” a la luz, arrastra a su pareja hacia dos de las emociones más potentes de nuestro espectro: la lujuria y el sentimiento materno.
“Splice”, una de las películas de la temporada, consigue (y he aquí su logro mayúsculo) una voz propia para hablarnos de intimidades comunes. Reivindica Vicenzo Natali, con economía de medios, con la contundencia que proporciona la madurez creativa, su consideración como autor. Habrá que aguantar las causas y azares del camino, pero uno se imagina a Cronenberg observándole de lejos, orgulloso de su criatura.
Director: Dennis Dugan
Intérpretes: Adam Sandler, Chris Rock, Rob Schneider
Web: http://www.sites.sonypicturesreleasing.es/sites/ninosgrandes_site/
En “Niños grandes” (y no descubro nada), se reitera la obsesión de la nueva comedia norteamericana por diseccionar al cuarentañero actual. Parecería como si una de las escenas de la película de Denis Dugan (aunque todo suene a Adam Sandler) resumiese el asunto: el personaje del actor, un productor de Hollywood, mira a sus dos hijos, híperobservados, híperprotegidos e hípergilipollas, mientras ellos se machacan en la Play y él, pobre de él, tamborilea con un antiguo juego de mesa de los ochenta, lanzando señales al vacío para que los preadolescentes le hagan caso. Esa distancia entre el Facebook y el “Hundir la flota”, entre Lady GaGa y George Michael, entre el email y el fax, entre Atari y Apple, instala en la generación viejuna una psicología muy particular, pastoreada por una sentimentalidad infantiloide y desubicada. Esta última, descrita en “Resacón en Las Vegas”, “Aquellas juergas universitarias” o “Very bad things”, se caracterizaría por la añoranza del pasado pero, he aquí la gran diferencia con el pasado, en un momento histórico en el que sí se permite (y se premia) al hombre de cuarenta comportarse como un chavalico de veinte.
Con irregular fortuna (a ratos, simula a una suma de “gags” independientes), el filme de Dugan se ocupa de cinco amigos (Sandler, Rock, Schneider, Spade y James) que se reúnen (a su vera, sus numerosas familias) con el objetivo de pasar un fin de semana juntos tras el funeral del entrenador que les acompañó hasta la pubertad.
No pretende “Niños grandes” seguir al “Beautiful girls” de Ted Demme y explorar nostalgias. Al otro lado de una pared granítica de “sketches” (los hay de mil colores), se empeña el largometraje en analizar la cuestión con una mirada antropológica, presente también en el anterior proyecto de Sandler, “Funny people”, y que se suele echar de menos en el sub-sub-género. Dentro de sus muchas asperezas (lo peor, algunas se hallan en su maneras cómicas), sí se valora la significación dolorosa, mediante la fisicidad de la contraposición en la cercanía de un fin de semana familiar, de la distancia entre el culo de una veinteañera y cinco cuarentones imbéciles. Sus esfuerzos inútiles, reforzados por la mercadotecnia emocional, para volver a esas nalgas prietas, para volver a esa vida, centran el discurso de Sandler y recuerdan a los cantares de Springsteen. Amigos, esos días de gloria, advertía el “Boss”, se ha apagado como el guiño de una joven.
Director: Bart Freundlich
Intérpretes: Catherine Zeta-Jones, Justin Bartha, Kelly Gould
El imaginario de mujeres maduras que seducen a jóvenes dispuestos a ser seducidos, empapa al cine con la misma sudoración pegajosa de los chiquillos que no despegan ojo a la Mrs. Robinson de Anne Bancroft, a la Luisa de Victoria Abril, a la Mrs. Stiffler de Jennifer Coolidge o a la Saraghina de Eddra Gale. A este mosaico de féminas le salpicó en plenos noventa una nueva variación que venía encapsulada en las televisivas “Sexo en NY” y “Mujeres desesperadas”. Parasitando lo más profundo de las más miserables comedias románticas, ésas en las que un hombre maduro ideal y guapo, inteligente y rico, se trajina a una mozuca de clase baja, germina una versión en la que se intercambian los papeles: en “Mi segunda vez”, el desgraciado es el hombre (pero es joven, algo tenía que tener) y la glamourosa es la mujer (pero es una solitaria con un par de pipiolos, algo tenía tener). De esa salsa industrial, sale el filme de Catherine Zeta-Jones, acostumbrada a la majadería “Cosmopolitan”.
Lo intrépido de esta aventura en la que se embarca el director Bart Freundlich es la posibilidad espuria, artificiosa (y malintencionada) de una pseudocomedia romántica con una cuarentona súpermolona y jamelgosa (Catherine Zeta Jones) y un chavalín imberbe y “pobre/cool” de veinticinco años (Justin Bartha). Habrá que admitir antes de echarse a desbarrar como un mandril en celo, que quizá en la genética (en que, a día de hoy, soy un tío), se encuentre mi vergüenza ajena por una tontería con semejantes ínfulas. La historia es la de siempre: una mujer despechada que se escapa a la ciudad (NY, of course, que mola) para liberarse.
Allí, se le presentan las dos opciones de desmadre en este tipo de ficciones (me refiero las que marca la ultraconservadora “Sexo en Nueva York 2”): a) unos pretendientes guapos a la par que tontos (uno de los gags más lamentables de la década transcurre en un urinario de obra); b) unos pretendientes guapos a la par que inteligentes, sensibles y “bellos” interiormente (el pimpollo que interpreta Bartha). Sabemos todos con quién va a acabar, ¿no? Sí, han acertado. Con el guapo.
Amig@s, este jueves día 29 de julio a las 19:00 arrancamos en Onda Cero “¿De qué &/$# se ríe, señor Martínez?”, un espacio semanal sobre el humor (y sus circunstancias) junto a Arturo Téllez y una serie de humanos de variopinta procedencia.
¡¡Daremos la lata todo el mes de agosto!! El primer capítulo se titula “¿Tetas, tetas y más tetas? La comedia costumbrista en el cine español” y tendrá como invitados a Jordi Costa, crítico de “EL PAÍS” y “Fotogramas”, David Serrano, director de “Días de fútbol” y “Una hora más en Canarias”, y Borja Cobeaga, director de “Pagafantas”. Doy la brasa: este jueves 29 de julio a partir de las 19:00 en Onda Cero. Una recomendación:: si os quereis descojonar de Galán durante vuestras vacaciones en Tombuctú, el podcast estará disponible en ondacero.es.
Uno de los esfuerzos titánicos de la carrera de Sylvester Stallone, aún mayor que rodar "Rocky VI”, aún mayor que rodar "¡Alto!, o mi madre dispara", se centró en la (inútil) ocultación de su intervención en un "porno light" de principios de los setenta, "El semental italiano" o "Fiestón en Kitty y Stud's", dirigido por el “híper-freak” Morton Lewis . Es curioso que el ¿actor? tratase de enterrar a su criatura (un tipo latino, hípermusculado y trincador), para que luego él mismo la necrofilizase en "El especialista" u "Óscar", películas terribles que, ¡putadas de no llegar a fin de mes!, ensalzaban a un tipo latino, hipermusculado y trincador. Similar es la quimera del director Wes Craven (“La serpiente y el arcoiris”, “La última casa a la izquierda”); como Pierre Nodoiuna, el cineasta persigue (con nula fortuna) la masacre de uno de sus monstruos, Freddy Krueger. Harto de secuelas y secuelas y secuelas ajenas (¡hasta una en 3D, “Pesadilla final”!), el realizador norteamericano pensó en acabar con el hombre del jersey a rayas de dos puñaladas definitivas y repletas de talento: el largometraje "La nueva pesadilla" (1994) , que trasladaba a su psicópata satánico del mundo onírico a la realidad y le desmembraba gracias a las leyes de la física; y la saga “Scream”, donde Craven le remataba con las armas adecuadas a la bellísima tarea de la aniquilación total del arquetipo “slasher” (asesino machetero): la autorreferencia y la ironía.
Después de esta hazaña, parece lógico que al bueno de Wes le haya sentado como una patada en las criadillas que inhumen el cadáver putrefacto de Krueger del fondo de su sótano infernal. Vaquero, éstos son los daños colaterales de no haber salvaguardado los derechos legales de tu personaje. Al no poseer el copyright de tu invento, es muy posible que las malignas “majors” te ataquen con “crossovers” (la estupenda “Freddy vs. Jason” de Ronny Yu) o, créanselo, ¡hasta “realities”(en 2004, NBC produjo “The Real Nightmares”, donde concursantes vivían sus pesadillas con Robert Englund)! Inevitable: el siguiente paso era el “remake”. Tras el éxito de experimentos semejantes (“Viernes 13”, “Las colinas tienen ojos”), tocaba cederle la figura arqueada del cuchillero maldito al realizador de “videoclips” Samuel Bayer. Imagino a los productores de “Pesadilla en Elm Street: el origen”, en una mesa plagada de puros y billetes, haciendo cálculos: “a Robert Englund le disfrazamos de Jackie Lee Earle digitalizado; a los adolescentes ochenteros, les disfrazamos de adolescentes de Facebook; y a las pesadillas sangrientas del XX las disfrazamos de “cangueles” del XXI. Chaval, pónme otro Cardhu, ¡que vamos “embolaos”!”.
Ay, amigos de la pasta, no es tan fácil. La conceptualización “kitsch”, “naive” (y, por tanto, marrana) de los filmes de Craven no deja mucho espacio a su adaptación en nuestro hábitat internetizado, impoluto y siliconado. Esa liviandad de serie “B” (la primera película y la última, “Freddy vs. Jason”, supuran ese bizarrismo) se tambalea al jugar con variables contradictorias (cine “mainstream” vs. cine de bajo presupuesto; actor enraizado vs. debutante); y al redibujar a Freddy desde una perspectiva sombría (las referencias gratuitas a la pederastia y al psicoanálisis vuelven pretencioso al conjunto). Se lo anticipo, no se basa esta reseña en una nostalgia viejuna de terrores ochenteros: escarbando el palimpsesto de esta revisitación no encontramos nada que recuerde méritos de entregas previas ni que asiente suficientes honores autónomos. Tampoco la nueva Nancy (la chiquilla preferida de Krueger, aquí interpretada por Rooney Mara), despojada del encanto “nerd” de Heather Langenkamp, se diferencia de cualquiera de las miles de secundarias que pueblan terrores mínimos (“Un San Valentín de muerte”, “Destino final 3” o, por ponernos patrios, “Intrusos en Manasés”).
En suma, el imaginario de la calle Elm debería mimetizarse en formas tan ingobernables (y tan divertidas) como su dueño. Así, la estrategia de pretender aprisionarlo con márketing, digitalizaciones, estandarizaciones o, el mayor pecado, la rebaja en su sana sinvergonzonería, se revela como una temeridad equiparable a la del pobre “teenager” guaperas e imbécil que confía en librarse de las garras de Freddy mientras aúlla por las tinieblas de su sótano infernal. De castigo ¿divino?, molaría que el Sr. Craven copase las pesadillas de los productores de este “remake” al grito, en bucle infinito y predicante, de “ésto nooooo, majaderooooosssss, ésto nooooooooo”.
David Serrano, explorador de las entrañas del musical (“Hoy no me puedo levantar” y “40. El musical”) y la comedia (“El otro lado de la cama” y “Días de fútbol”), regresa con “Una hora más en Canarias” a unos terrenos que, ocho años desde su debut, ya le son familiares. En su tercera película como director, la idea de arranque le sitúa en las proximidades de las típicas “veranadas” de los sesenta (uno recuerda “Verano 70” de Lazaga o “Cuarenta grados a la sombra” de Mariano Ozores), unos filmes que se introducían en las maquinaciones de futuras infidelidades que germinaban en las cabecitas de los humanos patrios, cachondos ellos por el “solecito” y la altísima probabilidad de admirar jamelgas en bikini. Aquí, que han pasado los años y somos muy liberales, se intercambian los papeles: son tres mozas las dispuestas a pelearse por un donjuán de paletos divergentes (Quim Gutierrez). Serrano construye su película con similares argumentos a “El otro lado de la cama”: números musicales de bajo presupuesto, candidez en la comedia y un alto grado de engaños y desengaños que mantengan el engranaje en acción.
Esos supuestos que en su anterior producción funcionaban bien, no repiten su altísima eficacia en “Una hora más en Canarias”. Se resume el filme en aportaciones secundarias: el encanto de algunos números musicales (especialmente aquellos que son autoconscientes); los buenos trabajos de Gutiérrez (robo la descripción al gran Ángel Ramos, “a lo Pajares”), Ordaz y Manver; y la eficacia de sus “gags” (especialmente, en los que se ve envuelta la psicópata que interpreta Miren Ibarguren). Ese honesto final, machacando a las comedias románticas al uso, nos deja la impresión de que si Serrano hubiese tratado de ser Ozores o Lázaga y no Cukor o Donen, nos hubiésemos divertido más.
