Director: Paul W. S. Anderson
Intérpretes: Milla Jovovich, Wentworth Miller, Ali Larter
Web: http://residentevil-movie.com/
Los franquiciados cinematográficos de Hollywood son como los sarpullidos, los hay de todos los tipos y los puedes pillar en cualquier época del año. Ni siquiera respetan los géneros: la acción (“Transformers”), la comedia (“Los padres de ella”), el terror (“Viernes 13”) o las aventuras (“La búsqueda”). También, y comienza a ser inquietante mi trastorno obsesivo-compulsivo, al repasarlos puedes darte cuenta que cada uno posee una biografía con planteamiento, nudo y desenlace: mueren por agotamiento (El “Star trek” de Shatner y Nimoy), se reinventan (“Batman & Robin” frente a “Batman Returns”), reviven (“Pesadillla en Elm Street”), se estancan (“James Bond”), o copulan (“Alien vs. Predator”, “Freddy vs. Jason”).
En principio, cuando se lanzó la primera entrega de “Resident evil”, ningún ser humano en la faz de este planeta pensó que esa amalgama de videojuego, James Bond y terrores “zombi” fuese a sobrevivir hasta la cuarta entrega. Nos equivocábamos. Ese director desigual, cargante y loco llamado Paul W. S. Anderson (“Mortal kombat”, “Horizonte final”) ha conseguido la dudosa hazaña de potenciar y estrenar otro filme que alimentase la saga y, esta vez, a ritmo del 3D. El discurrir de la Alice mutante (Milla Jovovich) aluniza en un Tokyo devastado por la apocalipsis (afortunadísimos títulos de crédito, lo mejor del metraje) y en una venganza cuasi-personal: la destrucción total de la maligna corporación que todavía se empeña en experimentar con el virus letal. Como buena capitana de barco de aventuras, la protagonista tiene sentido sólo si parasita a los quehaceres habituales del género: el viaje infinito plagado de desafíos (aquí va desde Tokyo a Alaska y, luego, a Los Ángeles, en busca de Arcadia, un ¿lugar? donde ¿no exista? la infección); la contraposición con un malvado incansable e interminable (para James Bond, SPECTRA; para el inspector Gadget, MAD; para nuestra Alice, UMBRELLA); y, asociado a ese caminar impenitente, el establecimiento de la franquicia en un “tempo” de serial clásico (arranca la película dando solución a un “continuará” anterior y da pie a un “continuará” posterior, en este caso, el quinto, sin miedo a que éste último, por falta de financiación, no se produzca).
Lo contradictorio es que, mientras la estructura general del cuarteto de filmes está clara y muy mascada (repetimos, la de un serial de aventuras, he ahí su éxito), el metraje del que se sustenta, especialmente ahora que ha cambiado del más convencional Rusell Mulcahy a Paul W. S. Anderson, se encasquilla en varios compartimentos estanco dedicados en exclusiva a que el espectador disfrute (mucho, eso sí) del 3D. Esta adicción monotemática convierte a la cinta en una ficción susceptible, cual zombi, de empodrecerse rápidamente. En una suerte de “eterno retorno”, “Resident evil: Ultratumba” se atrinchera en el búnker del que salió: el videojuego. De ahí que su valía, esto es, su capacidad para entretenernos, se apoye en unos pocos resortes (cámaras lentas, efectos tridimensionales, mucho machetazo) que, nos imaginamos, caducarán pasado mañana.
La que sí parece impermeable al paso del tiempo es Milla Jovovich. ¡Casi veinte años! después de “Retorno al lago azul” (sí, me marcó, ¿algún problema?), y con diversos triunfos en su filmografía (“Jóvenes desorientados”, “Juana de Arco”, “El perdón”, “Sin motivo aparente”, “La cuarta fase”…), la estupenda actriz ucraniana se ha apropiado de Alice y, como Harrison Ford e Indiana Jones o Sigurney Weaver y Ripley, ya no se entiende su personaje sin su persona. Quizá por ese solitario motivo (y por sus buenos ratos de aventura olvidable), debamos estar siempre agradecidos al petardo de Paul W. S. Anderson y, quizá por ese solitario motivo, la saga “Residente evil” permanezca en pie.
lunes, 13 de septiembre de 2010
domingo, 5 de septiembre de 2010
BRIGHT STAR
Director: Jane Campion
Intérpretes: Abbie Cornish, Ben Whishaw, Paul Schneider
Web: http://www.brightstar-movie.com/
Hay películas que, como a antiguas novias, postres de niñez o acnés prefrontales, uno no debería regresar. Una de ellas es “El piano” (1993) de la directora neozelandesa Jane Campion. Los recuerdos, que son un poco cabroncetes, la colocan siempre en ese lado benevolente de la memoria que uno nunca sabe si nace A) del valor intrínseco del filme o B) del valor del momento en el que se consumió el largometraje. Eso sí, niéguense a comprobar cuál de las dos opciones es la correcta y recuerden que, antes que la Verdad, preferimos la Identidad. Además, con la madurez (una forma de hablar) con la que hemos visto la producción posterior de Campion, probablemente marquemos la opción “B”. Brilla la cineasta en su compromiso con su manifiesto artístico, lo que le otorga, y esto no convalida a todos los creadores que en el mundo son, una voz propia y característica; vamos, que sabemos cuándo estamos ante una película de la Campion. Desde las cimas (o eso creemos) de “El piano”; pasando por las rarezas, “Holy Smoke”; los encargos, “En carne viva”; y las bajezas, “Retrato de una dama”; su constancia en el discurso pausado, cromático (y congelado), la engancha con las rutinas de James Ivory o algunas irregularidades de la obra de Stephen Frears.
En “Bright star”, continúa la directora con esa obsesión por buscar una “literalidad visual” a la literatura mediante su lenguaje fílmico casero. La relación del poeta John Keats con su vecina Fanny Brawne ocupa los minutos de Campion con una parsimonia asombrosa e impertinente. Atrapada en los tópicos narrativos de este tipo de filmes (uno sufre mucho pero no menos que la otra, que sufre un huevo; él se suele morir y ella llora un montón), y en los tópicos narrativos de su tipo de filmes, solamente reviven a la cinta de un letargo infinito, los hallazgos visuales (esas agujas deslizando la tela, esa mágica luz “veermeriana”) de sus subordinados Greig Fraser, director de fotografía, y Christian Huband, director artístico. Tampoco, y esto es de justicia, se nos puede olvidar el trabajo de la actriz Abbie Cornish. Al lado de un Ben Whishaw que parece que no renueva sus recursos dramáticos, la actriz australiana sostiene, junto al talento explosivo de Paul Schneider, la vertiente interpretativa de la película.
Y a todo esto, ¿dónde anda Campion? La imaginamos tan monopolizada por su estilo que no es capaz de preocuparse por el fondo de su obra. Estallan las imágenes de la naturaleza lluviosa al desbocarse la emocionalidad del romance, los silencios a-sexuales entre los protagonistas y, cuando el pulso decae, la voz en “off” de Whishaw leyendo poemas de Keats. Demasiado fácil, vamos. Los rótulos del final, manteniendo el comatoso “qué fue de...” de telefilme (¿para qué nos vamos a liar?), nos dejan con la sensación de que hay películas que no sólo empeoran con el tiempo, sino que empeoran a velocidad absurda, como un video de Lady Gaga (vean su “jit-basura” “Alejandro”) o una pizza titilínica de microondas.
Intérpretes: Abbie Cornish, Ben Whishaw, Paul Schneider
Web: http://www.brightstar-movie.com/
Hay películas que, como a antiguas novias, postres de niñez o acnés prefrontales, uno no debería regresar. Una de ellas es “El piano” (1993) de la directora neozelandesa Jane Campion. Los recuerdos, que son un poco cabroncetes, la colocan siempre en ese lado benevolente de la memoria que uno nunca sabe si nace A) del valor intrínseco del filme o B) del valor del momento en el que se consumió el largometraje. Eso sí, niéguense a comprobar cuál de las dos opciones es la correcta y recuerden que, antes que la Verdad, preferimos la Identidad. Además, con la madurez (una forma de hablar) con la que hemos visto la producción posterior de Campion, probablemente marquemos la opción “B”. Brilla la cineasta en su compromiso con su manifiesto artístico, lo que le otorga, y esto no convalida a todos los creadores que en el mundo son, una voz propia y característica; vamos, que sabemos cuándo estamos ante una película de la Campion. Desde las cimas (o eso creemos) de “El piano”; pasando por las rarezas, “Holy Smoke”; los encargos, “En carne viva”; y las bajezas, “Retrato de una dama”; su constancia en el discurso pausado, cromático (y congelado), la engancha con las rutinas de James Ivory o algunas irregularidades de la obra de Stephen Frears.
En “Bright star”, continúa la directora con esa obsesión por buscar una “literalidad visual” a la literatura mediante su lenguaje fílmico casero. La relación del poeta John Keats con su vecina Fanny Brawne ocupa los minutos de Campion con una parsimonia asombrosa e impertinente. Atrapada en los tópicos narrativos de este tipo de filmes (uno sufre mucho pero no menos que la otra, que sufre un huevo; él se suele morir y ella llora un montón), y en los tópicos narrativos de su tipo de filmes, solamente reviven a la cinta de un letargo infinito, los hallazgos visuales (esas agujas deslizando la tela, esa mágica luz “veermeriana”) de sus subordinados Greig Fraser, director de fotografía, y Christian Huband, director artístico. Tampoco, y esto es de justicia, se nos puede olvidar el trabajo de la actriz Abbie Cornish. Al lado de un Ben Whishaw que parece que no renueva sus recursos dramáticos, la actriz australiana sostiene, junto al talento explosivo de Paul Schneider, la vertiente interpretativa de la película.
Y a todo esto, ¿dónde anda Campion? La imaginamos tan monopolizada por su estilo que no es capaz de preocuparse por el fondo de su obra. Estallan las imágenes de la naturaleza lluviosa al desbocarse la emocionalidad del romance, los silencios a-sexuales entre los protagonistas y, cuando el pulso decae, la voz en “off” de Whishaw leyendo poemas de Keats. Demasiado fácil, vamos. Los rótulos del final, manteniendo el comatoso “qué fue de...” de telefilme (¿para qué nos vamos a liar?), nos dejan con la sensación de que hay películas que no sólo empeoran con el tiempo, sino que empeoran a velocidad absurda, como un video de Lady Gaga (vean su “jit-basura” “Alejandro”) o una pizza titilínica de microondas.
lunes, 30 de agosto de 2010
KARATE KID
Director: Harald Zwart
Intérpretes: Jaden Smith, Jackie Chan, Taraji P. Henson
Web: http://www.sites.sonypicturesreleasing.es/sites/karatekid_teaser/
En junio de este año la loquísima web de humor “Funny or die”, creada por el director Judd Appatow y el cómico Will Ferrell, nos rulaba otro monumentazo más: el tráiler de una película falsa sobre las desgracias de Ralph Macchio. En el corte “Wax on, f*ck off”, el actor responsable de interpretar al primer “Karate kid”, se flagelaba contando las lamentables estrategias (léase falsos romances con prostitutas o filmes como “Rosencrantz y Guilderstein son zombies”) que el pobre hombre tiene que seguir para revivir su carrera comatosa en Hollywood. Visto ese clip, uno se pregunta ¿de verdad ésto es una película falsa? Si el dios Will Ferrell nos lo asegura, será falsa,… pero se puede entender que cualquier ser racional se quede muy, muy, muy, muy tocado después de haber protagonizado uno de los “jits” de acción de los ochenta, un referente generacional que consiguió que mozalbetes unicejos de Matalascañas y Cañada del Páramo se enrollasen un trozo de cinta blanca a la cabeza y se autosatisfaciesen al grito de “¡¡Dar cera, pulir cera!!”. ¿O acaso no se acuerdan de ese cartel con el careto de nuestro querido Ralph Macchio en posición de “quetedoyuncañonazo,oyes” en las carpetas de sus hijas quinceañeras?
Dirigida por John G. Avildsen (el realizador de “Rocky”, ¿no ven las similitudes?), la cinta original a la que hoy nos remite el “remake” de Harald Zwart, jugaba con esa mitología del “karatexplotation” de los setenta (Bruce Lee que estás en los cielos) y la masificaba a una gran audiencia juvenil de los ochenta, ávida de experiencias “kitsch” y azuzada por el “pop” de Madonna (sonaba en el filme ese himno de sintetizador, “You’re the best around” de Joe Espósito) y por el neoliberalismo de Ronald Reagan (“no hay amarillo que vacile a un “true american””, sentenciaría, orgulloso, el ex – presidente).
A estos productos de consumo, tan marcados, tan necesarios y tan adecuados a la época en la que se produjeron, o se les falta al respeto a lo bestia (la estupenda “El equipo A” de Joe Carnahan o la saga de “Misión imposible”) o la cosa se estanca en una revisitación sin chicha, sin alma; un artilugio colgado en un bucle “revival” que ni es tal por la imposiblidad de recrear unos valores artísticos que, como buenos valores artísticos, sólo se mantuvieron durante un tiempo y en un espacio determinados y que, en el caso de “Karate kid”, caducaron rápidamente salvo, of course, en los cabolos calenturientos de la muchachada de Matalascañas y Cañada del Páramo.
Concebida como un juguete que el bueno de Will Smith le regala por Navidades a su chiquillo, Jaden Smith, este regreso al rollo de las artes marciales (eso sí, ahora el mozo viaja a China y se enamora de una china, chifladuras de la interculturalidad) vale únicamente para reiterar lo “naive” y encantador de la primera película (quizá su gran mérito) y lo artificioso de ésta. Basada en el mismo incidente que su predecesora (el conflicto del prepúber protagonista con unos malvados karatekas que le retan a un torneo), la función estrenada el viernes se soporta por ver a Jackie Chan haciendo de Jackie Chan que intenta hacer de Pat Morita. Permanecerán en las antologías del absurdo la re-partición de hostias del (casi) sesentañero asiático con un grupete de chavales y su esfuerzo, dramático, intenso, jodido, de sacar una lágrima de esos ojos rasgados de truhancete. Menudo bribón, amigos. La solitaria esperanza que uno tiene con este “Karate kid” es que el chaval de las trenzas, el “fio” “del” Will, el nuevo “Karate kid”, vamos, no acabe como Ralph Macchio o que, al menos, comparta su sentido del humor. De momento, esta demostración de amor paterno degenerado (“Papá, cómprame un papel en una peli, andaaaa”), similar a la de esos progenitores que meten en la televisión a sus niños a bailar sevillanas o a cantar “Yo soy aquel”, da grima, mucha grima.
Intérpretes: Jaden Smith, Jackie Chan, Taraji P. Henson
Web: http://www.sites.sonypicturesreleasing.es/sites/karatekid_teaser/
En junio de este año la loquísima web de humor “Funny or die”, creada por el director Judd Appatow y el cómico Will Ferrell, nos rulaba otro monumentazo más: el tráiler de una película falsa sobre las desgracias de Ralph Macchio. En el corte “Wax on, f*ck off”, el actor responsable de interpretar al primer “Karate kid”, se flagelaba contando las lamentables estrategias (léase falsos romances con prostitutas o filmes como “Rosencrantz y Guilderstein son zombies”) que el pobre hombre tiene que seguir para revivir su carrera comatosa en Hollywood. Visto ese clip, uno se pregunta ¿de verdad ésto es una película falsa? Si el dios Will Ferrell nos lo asegura, será falsa,… pero se puede entender que cualquier ser racional se quede muy, muy, muy, muy tocado después de haber protagonizado uno de los “jits” de acción de los ochenta, un referente generacional que consiguió que mozalbetes unicejos de Matalascañas y Cañada del Páramo se enrollasen un trozo de cinta blanca a la cabeza y se autosatisfaciesen al grito de “¡¡Dar cera, pulir cera!!”. ¿O acaso no se acuerdan de ese cartel con el careto de nuestro querido Ralph Macchio en posición de “quetedoyuncañonazo,oyes” en las carpetas de sus hijas quinceañeras?
Dirigida por John G. Avildsen (el realizador de “Rocky”, ¿no ven las similitudes?), la cinta original a la que hoy nos remite el “remake” de Harald Zwart, jugaba con esa mitología del “karatexplotation” de los setenta (Bruce Lee que estás en los cielos) y la masificaba a una gran audiencia juvenil de los ochenta, ávida de experiencias “kitsch” y azuzada por el “pop” de Madonna (sonaba en el filme ese himno de sintetizador, “You’re the best around” de Joe Espósito) y por el neoliberalismo de Ronald Reagan (“no hay amarillo que vacile a un “true american””, sentenciaría, orgulloso, el ex – presidente).
A estos productos de consumo, tan marcados, tan necesarios y tan adecuados a la época en la que se produjeron, o se les falta al respeto a lo bestia (la estupenda “El equipo A” de Joe Carnahan o la saga de “Misión imposible”) o la cosa se estanca en una revisitación sin chicha, sin alma; un artilugio colgado en un bucle “revival” que ni es tal por la imposiblidad de recrear unos valores artísticos que, como buenos valores artísticos, sólo se mantuvieron durante un tiempo y en un espacio determinados y que, en el caso de “Karate kid”, caducaron rápidamente salvo, of course, en los cabolos calenturientos de la muchachada de Matalascañas y Cañada del Páramo.
Concebida como un juguete que el bueno de Will Smith le regala por Navidades a su chiquillo, Jaden Smith, este regreso al rollo de las artes marciales (eso sí, ahora el mozo viaja a China y se enamora de una china, chifladuras de la interculturalidad) vale únicamente para reiterar lo “naive” y encantador de la primera película (quizá su gran mérito) y lo artificioso de ésta. Basada en el mismo incidente que su predecesora (el conflicto del prepúber protagonista con unos malvados karatekas que le retan a un torneo), la función estrenada el viernes se soporta por ver a Jackie Chan haciendo de Jackie Chan que intenta hacer de Pat Morita. Permanecerán en las antologías del absurdo la re-partición de hostias del (casi) sesentañero asiático con un grupete de chavales y su esfuerzo, dramático, intenso, jodido, de sacar una lágrima de esos ojos rasgados de truhancete. Menudo bribón, amigos. La solitaria esperanza que uno tiene con este “Karate kid” es que el chaval de las trenzas, el “fio” “del” Will, el nuevo “Karate kid”, vamos, no acabe como Ralph Macchio o que, al menos, comparta su sentido del humor. De momento, esta demostración de amor paterno degenerado (“Papá, cómprame un papel en una peli, andaaaa”), similar a la de esos progenitores que meten en la televisión a sus niños a bailar sevillanas o a cantar “Yo soy aquel”, da grima, mucha grima.
EL ZARA DEL FÚTBOL
Por eso al desembarcar en Barajas y leer las noticias, el “shock” me dejó tan noqueado que unos viandantes me confundieron con Massiel recién salida de una boda. ¿España, campeona del mundo? ¿Raúl, al Schalke 04? ¿Los toros, prohibidos en Barcelona? ¿Camilo Sexto, vuelve a cantar? Dios, el universo se ha vuelto tarumba. Y más aún cuando comienzas a leer los titulares: la COPE y la SER, enfrentadas por culpa de Paco González. Páginas y más páginas hablando de las “putadillas” que le hicieron al pobre de Paco y las “putadillas” que el pobre de Paco tuvo que hacer. Menudo lío. Ah, y Rossell diciendo que Laporta era un pufista y que no tienen un duro. Ah, y el Atlético ganando la Supercopa de Europa contra un Inter de pandereta. Ah, y Anelka declarando que los miembros de la federación son “unos payasos” por sancionarle por su comportamiento en la Copa del Mundo. Rápidamente, busqué la única solución que tengo para cuando me quedo sin respuestas: la bebida.
¿Dónde estaba el Madrid? ¿No ha hecho pretemporada? ¿Cuáles son sus fichajes? ¿Hay vida más allá de Mou? El bueno de José Luis Moreno, ese impulsor de la cultura desde sus tiempos de los desfiles de verracos y verracas en lencería, declaró al tomar las riendas de la Laboral de Gijón que iba a convertir a este centro en el “Zara de la cultura”. Vamos, que fuera los “gafapastas” y pa’ dentro la Pantoja y Manolo Royo. En la prensa deportiva de este verano parece como si hubiese ocurrido algo semejante: dejémonos de tonterías cultas, es decir, de hablar de fútbol, y vamos a ponernos a mil con el morreo de Carbonero a Casillas. Esperemos que, con el movimiento centrífugo del balón, con la belleza del saque inicial, se acaben las tonterías y nos dediquemos a esa amante habitual que vuelve siempre, bendita sea, a finales de agosto.
jueves, 26 de agosto de 2010
"¿DE QUÉ SE RÍE, SR. MARTÍNEZ?" CON PEPE COLUBI Y ANTONIO TRASHORRAS
Amig@s, este jueves día 26 de agosto a las 19:00 finalizamos “¿De qué &/$# se ríe, señor Martínez?” en Onda Cero.
“Menos mal”, dirán algunos cabronazos.
El último capítulo de la temporada tendrá dos partes. En la primera media hora hablaremos con Arturo González Campos y El Monaguillo, dos humanos que retoman su programa de humor en las madrugadas de Onda Cero.
En la segunda parte, titulada “Kirk Cameron ya no vive aquí”, charlaremos sobre sitcoms con Antonio Trashorras, crítico y director de cine, y con Pepe Colubi, periodista “punk”.
Os prometo no abrasaros más... este jueves 26 de agosto a partir de las 19:00 en Onda Cero.
Como es el último, os recomiendo que bajéis el podcast, lo escuchéis, lo eliminéis y lo tengáis un tiempo en la papelera de reciclaje. Así después, un día tonto, podréis clickar con ganas en “Vaciar papelera de reciclaje”. Da gustirrinin.
lunes, 23 de agosto de 2010
HABLAMOS DE WOODY ALLEN EN ONDA CERO
Hola, amig@s!!! Hoy a partir de las 19:30 estaremos hablando sobre Woody Allen en "JELO en verano" (Onda Cero) con motivo del estreno de su nueva película, "Conocerás al hombre de tus sueños".
¿Qué humanos se propondrán semejante tarea? Pues el escritor Ignacio del Valle (autor de las brutales "El arte de matar dragones" (Ed. ECO) y "El tiempo de los emperadores extraños" (Ed. Seix Barral)), Arturo Téllez, presentador de "JELO en verano" y el que esto escribe.
Hora: 19:30
Lugar: Onda Cero
Tema: el gran Woody Allen
CENTURIÓN
Director: Neil Marshall
Intérpretes: Michael Fassbender, Dominic West, Olga Kurylenko
Web: http://www.centurionmovie.com/
Esculpido por los últimos usos televisivos de la Roma clásica (“Roma”, “Espartaco: sangre y arena”), el largometraje de Neil Marshall narra las andanzas del centurión Quintus Dias (Michael Fassbender), un soldado del ejército imperial confinado en una de las fronteras más inestables del territorio: el norte de Inglaterra, un lugar, entonces (117 D.C.), dominado por los pictos, una tribu ascendiente del pueblo escocés. Como se pueden imaginar, no pretende el director (recordado por las notables “Dog soldiers” y “The descent”) un documental del canal “Historia” o, aquí sí que le respetaríamos, una novelesca de intriga y asesinato en tiempos del Imperio romano. Su interés se centra en rodar una película de acción con una dosis, pequeña, de aventura.
Su estructura es bien simple: diversas escaramuzas de ida y vuelta para liberar a miembros de las legiones romanas. Ah, y, en medio, mucha sangre y mucha cuchillada. Creerán que estas líneas son una exageración pero, a ratos, “Centurión” se convierte en fotogramas repetidos de descabezamientos, machetazos y flechazos sin otra justificación que fotogramas repetidos de descabezamientos, machetazos y flechazos. Esto no significa que esta opción esté mal, sino, más bien, que “Legion” no deja lugar a la narrativa (sus intentos, especialmente, con excusas de “Gladiator” en la cabeza, siempre acaban mal) y se confía el desarrollo de su argumento a la píldora roja del instante violento y reiterado. Una pena; con actores adecuados a este tipo de formato (Fassbender, West, Kurylenko, Morrissey o Thomsen), un presupuesto notable (a pesar de los cochambrosos títulos de crédito) y un artesano de cierto pulso (revisen su “The descent”), se termina pensando que el filme podría haber superado su asepsia pringada de sangre digital.
Intérpretes: Michael Fassbender, Dominic West, Olga Kurylenko
Web: http://www.centurionmovie.com/
Esculpido por los últimos usos televisivos de la Roma clásica (“Roma”, “Espartaco: sangre y arena”), el largometraje de Neil Marshall narra las andanzas del centurión Quintus Dias (Michael Fassbender), un soldado del ejército imperial confinado en una de las fronteras más inestables del territorio: el norte de Inglaterra, un lugar, entonces (117 D.C.), dominado por los pictos, una tribu ascendiente del pueblo escocés. Como se pueden imaginar, no pretende el director (recordado por las notables “Dog soldiers” y “The descent”) un documental del canal “Historia” o, aquí sí que le respetaríamos, una novelesca de intriga y asesinato en tiempos del Imperio romano. Su interés se centra en rodar una película de acción con una dosis, pequeña, de aventura.
Su estructura es bien simple: diversas escaramuzas de ida y vuelta para liberar a miembros de las legiones romanas. Ah, y, en medio, mucha sangre y mucha cuchillada. Creerán que estas líneas son una exageración pero, a ratos, “Centurión” se convierte en fotogramas repetidos de descabezamientos, machetazos y flechazos sin otra justificación que fotogramas repetidos de descabezamientos, machetazos y flechazos. Esto no significa que esta opción esté mal, sino, más bien, que “Legion” no deja lugar a la narrativa (sus intentos, especialmente, con excusas de “Gladiator” en la cabeza, siempre acaban mal) y se confía el desarrollo de su argumento a la píldora roja del instante violento y reiterado. Una pena; con actores adecuados a este tipo de formato (Fassbender, West, Kurylenko, Morrissey o Thomsen), un presupuesto notable (a pesar de los cochambrosos títulos de crédito) y un artesano de cierto pulso (revisen su “The descent”), se termina pensando que el filme podría haber superado su asepsia pringada de sangre digital.
lunes, 16 de agosto de 2010
RAQUEL MARTOS, FRAN NIXON Y RAÚL MINCHINELA EN "¿DE QUÉ SE RÍE, SR. MARTINEZ?". ONDA CERO. 4º PROGRAMA.
Amig@s, este jueves día 19 de agosto a las 19:00 continúo en el programa de Julia Otero en Onda Cero con “¿De qué &/$# se ríe, señor Martínez?”, un espacio semanal sobre el humor (y sus circunstancias) junto a Arturo Téllez, y una serie de human@s de variopinta procedencia.
El cuarto capítulo de la temporada tendrá dos partes. La primera media hora se titula “Pop-humor” y tendrá como invitados a Francisco Nixon, cantautor “pop” y Raúl Minchinela, escritor y creador de la página de análisis bizarro, “Las reflexiones del Dr. Repronto”.
“¿Las mujeres tienen gracia?” será nuestra segunda parte y, al lado de Nixon, estará Raquel Martos, cómica, guionista y autora del libro “La chica que se quería quemar a lo bonzo”. Todo esto sale del artículo de Christopher Hitchens, "Why women aren't funny".
Vaya coñazo que damos... este jueves 19 de agosto a partir de las 19:00 en Onda Cero.
Como se rumorea que Nixon va a tocar alguna canción, molaría que os bajaseis el podcast en ondacero.es y cortéis los trozos correspondientes para llevar en el Ipod.
IMPORTANTE: Después de la emisión, asistiremos a un concierto acústico de Fran Nixon en “Miss Limones” (C/ Limón, 12, Madrid) a partir de las 22:00 para celebrar que han descubierto otro actor porno entre los concursantes de “Hombres, mujeres y viceversa”.
domingo, 15 de agosto de 2010
¡PHILLIP MORRIS, TE QUIERO!
Directores: Glenn Ficarra & John Requa
Intérpretes: Jim Carrey, Ewan McGregor, Leslie Mann
Aunque Ewan McGregor lo aparente de mejor manera, Jim Carrey y él siempre han sabido combinar los franquiciados hollywoodienses (“Star wars” o “La isla”; “Ace Ventura” o “Batman forever”) con proyectos arriesgados (“El escritor” o “El sueño de Casandra”; “Olvídate de mí” o “Un loco a domicilio”). La historia real de Steven Russell (Carrey) y su vida en fuga y sus sucesivas reclusiones en la cárcel y su amor loco por su compañero de celda Phillip Morris (McGregor), se plantea como una oportunidad espléndida para compartir cartel y para que el personal, ensimismadísimo, se pregunte “¿Eh? ¿Obi Wan y el Grinch, morreándose con lengua?”. Los directores John Requa y Glenn Ficarra controlan esa maldad que descoloca al espectador incauto; en “Bad Santa” y “Una pandilla de pelotas” desterraban a dos figuras paternales e impolutas (Papá Noel y el típico entrenador de equipo de perdedores) a los terrenos miserables del híper-individualismo norteamericano.
También “Phillip Morris, te quiero” demuestra las alturas y las bajuras del sueño americano. Dentro del onirismo instalado en USA, cualquier mostrenco es capaz de conseguir (casi) cualquier cosa si representa bien al personaje que el público espera. Podrá integrar su sexualidad “rara”, escapar de la cárcel, escalar a puestos directivos... Justamente ése es el currículum de Steven Russell y, he aquí lo tenebroso del “american dream”, por él está cumpliendo una condena de 144 años en una celda de alta seguridad. Pero la vertiente eficaz de “Phillip Morris, te quiero” no es la de denuncia. Funciona el filme cuando carbura como un cuento de los Coen. Su arranque, con ese niño jugando a ver nubes con forma de pene o la construcción de una máscara que oculte su condición sexual, primero, y su condición profesional, después, proporcionan una entidad al conjunto que justifica su visionado. Capítulo aparte, no nos permite el márketing obviarlo, merecen los actores protagonistas. Ellos se cargan (en esencia, Carrey) con el peso de la cinta. Aún en desigualdad de condiciones por esa vis cómica que chorrea el canadiense y que barniza al escocés, se justifica el detenerse en sus elevados méritos. No debe ser fácil tirar de una película cercenada (a medio camino se notan algunas irregularidades de edición, quizá forzadas por las inestables condiciones de producción del filme); arriesgada para un actor “mainstream” (McGregor, un intérprete asociado al arquetipo del héroe, se atreve hasta con una felación); y, qué poco gay, que no se decide por su mejor lado.
Porque los directores desmerecen a su largometraje cuando quieren ser los Coen y Gus Van Sant al mismo tiempo. La liviandad del conjunto no se corresponde con sus intenciones en el epílogo y, por supuesto, éste último es el que más chirría. El contraste del resto con el capítulo final (un “protest short film”), difumina el retrato gozoso de “great pretender” que Carrey lleva a cabo y convierten a “¡Phillip Morris, te quiero!” en un todo incompleto. Dan ganas de preguntarles a Requa y a Ficarra por qué, ya puestos a denunciar desde el principio la situación de los gays en Norteamérica, no entran a saco con las condiciones de vida en las, ideales en la película, prisiones norteamericanas, o con los movimientos religiosos que les consideran, directamente, abominables. No se puede sera la vez “Antes que anochezca” y la versión “queer” de “Atrápame si puedes”. A veces, hay que decidirse y, si nos ponemos a escoger, el que escribe ésto prefiere la segunda opción.
Intérpretes: Jim Carrey, Ewan McGregor, Leslie Mann
Aunque Ewan McGregor lo aparente de mejor manera, Jim Carrey y él siempre han sabido combinar los franquiciados hollywoodienses (“Star wars” o “La isla”; “Ace Ventura” o “Batman forever”) con proyectos arriesgados (“El escritor” o “El sueño de Casandra”; “Olvídate de mí” o “Un loco a domicilio”). La historia real de Steven Russell (Carrey) y su vida en fuga y sus sucesivas reclusiones en la cárcel y su amor loco por su compañero de celda Phillip Morris (McGregor), se plantea como una oportunidad espléndida para compartir cartel y para que el personal, ensimismadísimo, se pregunte “¿Eh? ¿Obi Wan y el Grinch, morreándose con lengua?”. Los directores John Requa y Glenn Ficarra controlan esa maldad que descoloca al espectador incauto; en “Bad Santa” y “Una pandilla de pelotas” desterraban a dos figuras paternales e impolutas (Papá Noel y el típico entrenador de equipo de perdedores) a los terrenos miserables del híper-individualismo norteamericano.
También “Phillip Morris, te quiero” demuestra las alturas y las bajuras del sueño americano. Dentro del onirismo instalado en USA, cualquier mostrenco es capaz de conseguir (casi) cualquier cosa si representa bien al personaje que el público espera. Podrá integrar su sexualidad “rara”, escapar de la cárcel, escalar a puestos directivos... Justamente ése es el currículum de Steven Russell y, he aquí lo tenebroso del “american dream”, por él está cumpliendo una condena de 144 años en una celda de alta seguridad. Pero la vertiente eficaz de “Phillip Morris, te quiero” no es la de denuncia. Funciona el filme cuando carbura como un cuento de los Coen. Su arranque, con ese niño jugando a ver nubes con forma de pene o la construcción de una máscara que oculte su condición sexual, primero, y su condición profesional, después, proporcionan una entidad al conjunto que justifica su visionado. Capítulo aparte, no nos permite el márketing obviarlo, merecen los actores protagonistas. Ellos se cargan (en esencia, Carrey) con el peso de la cinta. Aún en desigualdad de condiciones por esa vis cómica que chorrea el canadiense y que barniza al escocés, se justifica el detenerse en sus elevados méritos. No debe ser fácil tirar de una película cercenada (a medio camino se notan algunas irregularidades de edición, quizá forzadas por las inestables condiciones de producción del filme); arriesgada para un actor “mainstream” (McGregor, un intérprete asociado al arquetipo del héroe, se atreve hasta con una felación); y, qué poco gay, que no se decide por su mejor lado.
Porque los directores desmerecen a su largometraje cuando quieren ser los Coen y Gus Van Sant al mismo tiempo. La liviandad del conjunto no se corresponde con sus intenciones en el epílogo y, por supuesto, éste último es el que más chirría. El contraste del resto con el capítulo final (un “protest short film”), difumina el retrato gozoso de “great pretender” que Carrey lleva a cabo y convierten a “¡Phillip Morris, te quiero!” en un todo incompleto. Dan ganas de preguntarles a Requa y a Ficarra por qué, ya puestos a denunciar desde el principio la situación de los gays en Norteamérica, no entran a saco con las condiciones de vida en las, ideales en la película, prisiones norteamericanas, o con los movimientos religiosos que les consideran, directamente, abominables. No se puede sera la vez “Antes que anochezca” y la versión “queer” de “Atrápame si puedes”. A veces, hay que decidirse y, si nos ponemos a escoger, el que escribe ésto prefiere la segunda opción.
KILLERS
Director: Robert Luketic
Intérpretes: Katherine Heigl, Ashton Kutchner, Tom Selleck
Web: http://www.killerslapelicula.com/
Hace tiempo que venimos sospechando que en el bazo de las producciones de Hollywood se está gestando un engendro horripilante, un cruce de dos subgéneros palomiteros y diferenciados por el sexo; la comedia romántica de acción. No queremos ser brasas pero este monstruo ya está entre nosotros, invadiendo nuestras familias, saturando la cabecita de nuestras novias “and” novios, a los que proporciona por igual un ratico de besicos y un ratico de disparos. Con este plan, todo se confunde: ella no sabe si toca abrazar o cerrar los ojos; él no sabe si morder un nacho pringoso o un centímetro de labio. A ello, como antes hicieron “El señor y la señora Smith” o “Exposados”, contribuye esta semana “Killers”, del ínclito Robert Luketic (le aceptamos al hombre la valía de ese monumento a las rubias imbéciles titulado “Una rubia muy legal”).
Ashton Kutchner (un actor mediocre, un tipo divertidísimo, disfruten su programa “Punk'd” en MTV) se mete en la piel de un asesino que liga con Katherine Heigl (una actriz mediocre, una tipa aburrida) y trata de ocultarle su trabajo. Como se pueden imaginar, de ahí salen equívocos “pa dar y tomar”. A punto de entrar al ”top” de momentos ridículos de la temporada (ese se lo ha ganado Gerard Butler por correr al ritmo de los Bee Gees en “La cruda verdad”), están algunas de las tonterías de “Killers” que sí merecen un poco de atención: el estupendo Rob Riggle pulsando algún botón de la comedia (defecto de fábrica: uno se parte con los humanos sin uno de los paletos) o a los grandes Tom Selleck y Catherine O'Hara ofreciendo brazadas de apoyo a la gris pareja protagonista. Un consejo: o lo uno o lo otro o, al menos, lo uno y lo otro bien hecho. Moza, deja a tu novio en casa y vete a ver con tus amigas “Mi segunda vez”. Mozo, deja a tu novia en casa y vete a ver con tus amigos “Los mercenarios”. De nada.
Intérpretes: Katherine Heigl, Ashton Kutchner, Tom Selleck
Web: http://www.killerslapelicula.com/
Hace tiempo que venimos sospechando que en el bazo de las producciones de Hollywood se está gestando un engendro horripilante, un cruce de dos subgéneros palomiteros y diferenciados por el sexo; la comedia romántica de acción. No queremos ser brasas pero este monstruo ya está entre nosotros, invadiendo nuestras familias, saturando la cabecita de nuestras novias “and” novios, a los que proporciona por igual un ratico de besicos y un ratico de disparos. Con este plan, todo se confunde: ella no sabe si toca abrazar o cerrar los ojos; él no sabe si morder un nacho pringoso o un centímetro de labio. A ello, como antes hicieron “El señor y la señora Smith” o “Exposados”, contribuye esta semana “Killers”, del ínclito Robert Luketic (le aceptamos al hombre la valía de ese monumento a las rubias imbéciles titulado “Una rubia muy legal”).
Ashton Kutchner (un actor mediocre, un tipo divertidísimo, disfruten su programa “Punk'd” en MTV) se mete en la piel de un asesino que liga con Katherine Heigl (una actriz mediocre, una tipa aburrida) y trata de ocultarle su trabajo. Como se pueden imaginar, de ahí salen equívocos “pa dar y tomar”. A punto de entrar al ”top” de momentos ridículos de la temporada (ese se lo ha ganado Gerard Butler por correr al ritmo de los Bee Gees en “La cruda verdad”), están algunas de las tonterías de “Killers” que sí merecen un poco de atención: el estupendo Rob Riggle pulsando algún botón de la comedia (defecto de fábrica: uno se parte con los humanos sin uno de los paletos) o a los grandes Tom Selleck y Catherine O'Hara ofreciendo brazadas de apoyo a la gris pareja protagonista. Un consejo: o lo uno o lo otro o, al menos, lo uno y lo otro bien hecho. Moza, deja a tu novio en casa y vete a ver con tus amigas “Mi segunda vez”. Mozo, deja a tu novia en casa y vete a ver con tus amigos “Los mercenarios”. De nada.
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