Francisco Nixon y Ricardo Vicente. Sábado 25 de septiembre. Lugar: La
antigua estación, Oviedo. 10 euros.
En uno de los encuentros que organiza myspace.com, el alma de los Beach Boys, Brian Wilson, charla con la actriz Zoey Deschanel, embarcada estos días en el proyecto musical “She & Him”. En un instante revelador, Wilson le cuenta a la cantante que le ha gustado mucho su disco, “Volume one”, y, especialmente, “el corte uno y el tres”. Al despiezar los LP, convirtiéndolos en una secuencia numérico-mecánica con sentido, entidad global y posibilidad de desmontaje, Wilson remite a algunas de las esencias de la (su) música: su conexión pitagórica y la concepción, tan olvidada, de la composición como artesanía, “craftmanship”, duro trabajo que requiere más de proletariado que de pose.
Fran Nixon y su compañero de armas, Ricardo Vicente, demostraron en la Antigua Estación de Oviedo que conocen los mandatos de San Brian Wilson y los ponen en escena. Únicamente desmerecidos por una sonoridad de ultratumba, la pareja revivió con solvencia inusitada hitos de sus tres etapas, la Costa Brava (“Adoro a las pijas de mi ciudad”), el proyecto Nixon (“Inditex” o “Vagamos por la calles”) y ese último cruce de talentos que se titula “Gloria y la belleza sureña” y que combina a partes iguales los esfuerzos de Francisco y Ricardo. Certificada la grandeza popular de “El perro es mío”, uno de los discos nacionales de la década, resulta chocante (y esperanzador) que el personal indie ventriloquee a Ricardo Vicente y sus estupendas canciones de subordinada (“Del lucero de la noche saqué lo que te digo, las adelfas de tu patio, el jardín de los ahorcados;/ los senderos se bifurcan en San Fernando”). Funcionan las coplas pop de Nixon como un mecanismo prodigioso que se adaptaría a una producción de Bacharach, a una velada acústica con el “Paul Simon Songbook” de fondo o a un concierto a doble voz (qué trabajo hay en las armonías de la pareja) en un sótano de un bar.
“Algunos no saben ni lo que significa la palabra “trabajo””, recita Dylan en “Working Man's Blues #2”. Cuando atrás se queda el músico pinchando en el “Supernova Bar”, después ya de su concierto, tres de la bendita mañana, uno recuerda lo que significaba la palabra “trabajo” para su abuelo, un lechero de Tiñana, y asume que es sinónima a lo que hacen Nixon y Vicente al cantar la extraordinaria “Erasmus borrachas” o colocar en el plato “You can call me Al” y, somos nosotros, ahora, los que cantamos.
miércoles, 6 de octubre de 2010
lunes, 4 de octubre de 2010
EL MADRID, EN SEGWAY
Si bebes, no conduzcas
Estos días se ha producido un par de disturbaciones en la fuerza que reafirman esa frase hipersobada que me soltó la hipersobada hermana de mi novia en la oscuridad de un cine: «Ten cuidado con lo que deseas, porque puede hacerse realidad». La primera alteración, en el cuerpo del bueno de Felechosa, ex concejal de Cultura del Ayuntamiento de Oviedo. El mozo escribe una carta de apoyo a Cascos, inocente donde las haya (¿no es lo que esperan hacer los niños en Navidades?), y se lo cargan alegando trapicheos artísticos. A él, al pobre de él, que toda la vida anheló ser concejal y, luego, alcalde, y luego, jedi. En «Foot of pride» cantaba Bob Dylan que «¿sabes lo que dicen sobre adular a la gente adecuada cuando subes? / Que a esos mismos te los vas a encontrar cuando caigas». El que se cayó fue el pobre Jimi Heselden. El empresario se compra la compañía Segway (esos biciclos en los que todos, en un futuro bizarro, nos moveríamos, como íbamos a usar el laserdisc, Second Life o los magnetizadores de agua) y, mientras da un paseo por un monte subido en, orgulloso de, una de sus máquinas, se estrella y, ¡oh, my God!, se mata.
Cómo queríamos a Mou. Le queríamos tanto que ahora que está aquí echamos de menos a Pellegrini. Sí, a ese triste, a ese ingeniero que nos arrastró a la ruina de ganar todo y no ganar nada. Por lo menos, dicen los espabilados, marcábamos goles. Por lo menos, dicen los alumnos aventajados, CR7 estaba contento y enseñaba la quijada como «Imperioso». Por lo menos, dicen esos pecadores, el Pipita vivía en racha y podíamos depender de él.
Madridistas del alma, en todos los clubes hay personal como el que acabo de retratar. Evítenlos más que el presidente Bances a un miembro de los Symmachiarii. Cuando se escoge a Mou, como cuando se escoge a tu novia, como cuando se escoge ser concejal, se escoge todo el paquete. Te toca a la suegra, a las puñeteras de sus amigas, a su perro «Toby» y al anormal de su hermano. Con el portugués, nos llevamos sus desplantes, sus imbecilidades (jamás al nivel de las de Stoitchkov), y las enormes posibilidades de ver miles y miles y miles de partidos del palo del Auxerre-Real Madrid.
Sabíamos que iba a pasar, nos picaba todo al ver los partidos de Mou en el Inter; sabía que iba a pasar, Felechosa lo notaba cuando sus compañeros le miraban raro en los plenos; sabía que iba pasar, Jim Heselden lo sospechaba al trastabillarse en su nuevo Segway. Lo sabíamos, lo queríamos, lo escogimos, y Floren nos lo regaló. Ahora no andemos jodiendo.
domingo, 3 de octubre de 2010
BURIED (ENTERRADO)
Director: Rodrigo Cortés
Intérprete: Ryan Reynolds
Web: http://www.experimentaburied.es/
En 1944, Alfred Hitchcock ideó un reto maléfico (más) en su carrera cinematográfica: encarcelar a varios personajes en un espacio limitado por el océano (un bote salvavidas) y dejarlos hacer(se). En el texto clásico que recoge las entrevistas entre ambos, el director británico le comentaba a François Truffaut que, si la mayor parte de las “películas psicológicas corrientes” (cito textualmente) se basaban en planos cortos y medios de sus protagonistas, por qué no proponerse lo mismo acotándoles los espacios, por qué no proponerse lo mismo abandonándoles en alta mar. De ese desafío formal nació “Náufragos”, un filme que abrió paso a atrevimientos de retales similares (“El ángel exterminador”, de Luis Buñuel).
Que el maestro inglés inunda la cabeza de Rodrigo Cortés se demuestra ya en los títulos de crédito; unos trazos amarillos desgarran la pantalla y evidencian la tradición postmoderna, ahí está Hitchcock pero además, de sus reflejos de dólares dorados, emerge la lúdica de tramas como los “Ocean's Eleven” de Lewis Milestone o “Charada” de Stanley Donen. Los que vimos el debut de Cortés, “Concursante” (2007), notamos que, bajo la supuesta artificiosidad de su producción, se escondía un cineasta comprometido con la industria y los retos formales. Eso parece que fue lo que le atrajo de un guión maldito (no se entiende que haya deambulado desapercibida por los despachos de las “majors”). El desafío creativo de maquinar una solución (equivalga solución a divertimento de gran público) a un texto ¡de suspense! en el que el protagonista ocupa todo el metraje dentro de una caja, parecía suficientemente interesante como para asumir el riesgo.
Y el riesgo arranca al apagarse los títulos de crédito: la oscuridad despierta a su inquilino a centellazos de luz. Es la cinta de Cortés un artilugio de artilugios; si Hitchcock utilizó un periódico abandonado en la mar para su “cameo” profesional de “Náufragos”, Cortés avanza su desarrollo sólo si un artefacto lo consiente: un mechero, una linterna, un “vecino” inesperado, un vídeo, un móvil... bastan en su labor de evitarle al espectador “flashbacks” y onirismos, y de engrandecer los usos de Cortés. Pocas ocasiones en el cine reciente una película se asemeja más a un enorme mecano, a una competición de castillos de naipes tele-dirigida, no tanto a que el público se asombre, estamos suficientemente condicionados como para no asombrarnos con nada, sino a conseguir que su trama discurra, carbure. En uno de los capítulos de “Alfred Hitchock presenta”, titulado “Breakdown” (1955), el cineasta contaba la historia de un hombre (Joseph Cotten) que, dado por muerto cuando, en realidad, se encuentra paralizado, se desespera por comunicarse con el exterior mediante su única extremidad móvil, un dedo de la mano. En su reescritura de mitos hitchcockianos también se apoya Cortés en el cuerpo de un actor (un impresionante Ryan Reynolds) que acciona con su musculatura las bisagras de su juguete mortuorio. Ahora son sus dedos, ahora su cabeza, ahora sus piernas. Extraordinario esfuerzo de un intérprete que remite a una estirpe de actores mediocres (Kevin McCarthy en “La invasión de los ladrones de cuerpos”, Victor Mature en “El beso de la muerte”) en el papel de su vida.
No se engañen, no hay intenciones políticas en el ataúd; con su trasfondo iraquí, el realizador homenajea a Hitchcock, de nuevo, mediante un “mccguffin”. No importaría que su caja de pino, nada se acopla mejor a una pantalla rectangular, estuviese enterrada en El Cairo, Ohio o las Hurdes: lo esencial es crear el tras-fondo de cultivo para que el “show” continúe. Con lo que Cortés actualiza al maestro, como ya lo hiciera la sobresaliente “Última llamada” de Joel Schumacher, es con la sabia utilización de nuestra tecnología circundante en pos del suspense. Escribía Richard Sennet en el esencial “La corrosión del carácter” que, mientras que nuestros abuelos amortajaban sus relaciones personales con un mínimo movimiento (mudarse de ciudad, extraviar un número de teléfono), nosotros acarreamos (internet, móvil) a las personas de nuestro alrededor, en pesadísima alforja, a lo largo de nuestro camino vital. Entonces, ¿tiene algún sentido un bote en el que montar un “ring” donde los personajes se machaquen? No. Simplemente, dele un celular a un hombre encerrado y, como buen celular, permita que éste último le putee siempre que haya (o no) cobertura, que haya (o no) contestador, que haya (o no) respuesta.
Que, en su epílogo, “Buried” nos conduzca a una trampa (más), no debería cabrearnos en mayor grado que si nos sorprendemos porque un trilero, quién lo iba a pensar, nos haya estafado nuestra pasta. Cortés (y puede que no se dedique a otra cosa durante el metraje) no se cansa de repetirnos, a través de un aliado imprevisto, a través un amor inalcanzable, a través un psicópata y sus chantajes, “os voy a engañar”. No me sean dignos, déjense meter mano y disfruten. De eso se trata. Hitchcock estaría, salvo por su deshonroso doble espejo final, orgulloso de su discípulo.
Intérprete: Ryan Reynolds
Web: http://www.experimentaburied.es/
En 1944, Alfred Hitchcock ideó un reto maléfico (más) en su carrera cinematográfica: encarcelar a varios personajes en un espacio limitado por el océano (un bote salvavidas) y dejarlos hacer(se). En el texto clásico que recoge las entrevistas entre ambos, el director británico le comentaba a François Truffaut que, si la mayor parte de las “películas psicológicas corrientes” (cito textualmente) se basaban en planos cortos y medios de sus protagonistas, por qué no proponerse lo mismo acotándoles los espacios, por qué no proponerse lo mismo abandonándoles en alta mar. De ese desafío formal nació “Náufragos”, un filme que abrió paso a atrevimientos de retales similares (“El ángel exterminador”, de Luis Buñuel).
Que el maestro inglés inunda la cabeza de Rodrigo Cortés se demuestra ya en los títulos de crédito; unos trazos amarillos desgarran la pantalla y evidencian la tradición postmoderna, ahí está Hitchcock pero además, de sus reflejos de dólares dorados, emerge la lúdica de tramas como los “Ocean's Eleven” de Lewis Milestone o “Charada” de Stanley Donen. Los que vimos el debut de Cortés, “Concursante” (2007), notamos que, bajo la supuesta artificiosidad de su producción, se escondía un cineasta comprometido con la industria y los retos formales. Eso parece que fue lo que le atrajo de un guión maldito (no se entiende que haya deambulado desapercibida por los despachos de las “majors”). El desafío creativo de maquinar una solución (equivalga solución a divertimento de gran público) a un texto ¡de suspense! en el que el protagonista ocupa todo el metraje dentro de una caja, parecía suficientemente interesante como para asumir el riesgo.
Y el riesgo arranca al apagarse los títulos de crédito: la oscuridad despierta a su inquilino a centellazos de luz. Es la cinta de Cortés un artilugio de artilugios; si Hitchcock utilizó un periódico abandonado en la mar para su “cameo” profesional de “Náufragos”, Cortés avanza su desarrollo sólo si un artefacto lo consiente: un mechero, una linterna, un “vecino” inesperado, un vídeo, un móvil... bastan en su labor de evitarle al espectador “flashbacks” y onirismos, y de engrandecer los usos de Cortés. Pocas ocasiones en el cine reciente una película se asemeja más a un enorme mecano, a una competición de castillos de naipes tele-dirigida, no tanto a que el público se asombre, estamos suficientemente condicionados como para no asombrarnos con nada, sino a conseguir que su trama discurra, carbure. En uno de los capítulos de “Alfred Hitchock presenta”, titulado “Breakdown” (1955), el cineasta contaba la historia de un hombre (Joseph Cotten) que, dado por muerto cuando, en realidad, se encuentra paralizado, se desespera por comunicarse con el exterior mediante su única extremidad móvil, un dedo de la mano. En su reescritura de mitos hitchcockianos también se apoya Cortés en el cuerpo de un actor (un impresionante Ryan Reynolds) que acciona con su musculatura las bisagras de su juguete mortuorio. Ahora son sus dedos, ahora su cabeza, ahora sus piernas. Extraordinario esfuerzo de un intérprete que remite a una estirpe de actores mediocres (Kevin McCarthy en “La invasión de los ladrones de cuerpos”, Victor Mature en “El beso de la muerte”) en el papel de su vida.
No se engañen, no hay intenciones políticas en el ataúd; con su trasfondo iraquí, el realizador homenajea a Hitchcock, de nuevo, mediante un “mccguffin”. No importaría que su caja de pino, nada se acopla mejor a una pantalla rectangular, estuviese enterrada en El Cairo, Ohio o las Hurdes: lo esencial es crear el tras-fondo de cultivo para que el “show” continúe. Con lo que Cortés actualiza al maestro, como ya lo hiciera la sobresaliente “Última llamada” de Joel Schumacher, es con la sabia utilización de nuestra tecnología circundante en pos del suspense. Escribía Richard Sennet en el esencial “La corrosión del carácter” que, mientras que nuestros abuelos amortajaban sus relaciones personales con un mínimo movimiento (mudarse de ciudad, extraviar un número de teléfono), nosotros acarreamos (internet, móvil) a las personas de nuestro alrededor, en pesadísima alforja, a lo largo de nuestro camino vital. Entonces, ¿tiene algún sentido un bote en el que montar un “ring” donde los personajes se machaquen? No. Simplemente, dele un celular a un hombre encerrado y, como buen celular, permita que éste último le putee siempre que haya (o no) cobertura, que haya (o no) contestador, que haya (o no) respuesta.
Que, en su epílogo, “Buried” nos conduzca a una trampa (más), no debería cabrearnos en mayor grado que si nos sorprendemos porque un trilero, quién lo iba a pensar, nos haya estafado nuestra pasta. Cortés (y puede que no se dedique a otra cosa durante el metraje) no se cansa de repetirnos, a través de un aliado imprevisto, a través un amor inalcanzable, a través un psicópata y sus chantajes, “os voy a engañar”. No me sean dignos, déjense meter mano y disfruten. De eso se trata. Hitchcock estaría, salvo por su deshonroso doble espejo final, orgulloso de su discípulo.
viernes, 1 de octubre de 2010
GOODBYE, MR. CURTIS
Aunque muchos le diesen por muerto, el actor Tony Curtis falleció ayer en su casa de California a los ochenta y cinco años, según informó su hija, la también actriz Jamie Lee Curtis. Desaparecido para el gran público durante los últimos treinta años, el intérprete vivía de recordar sus grandes películas, esos éxitos que poblaron su carrera en los cincuenta y sesenta y que dejaron de aparecer a medida que se acercaba su madurez.
A pesar de la lejanía, no se puede olvidar la importancia del actor en el apogeo (y posterior decadencia) de un cine de estudios que no se repetirá jamás. Él encarnó, en una carrera mutable e incomparable, a héroes y a comediantes, a asesinos y a mediocres. Hijo de inmigrantes húngaros, a un tipo que se llamaba Bernard Schwartz de nacimiento, le aguardaba la gloria inmerso en otro nombre, Tony Curtis. Con esa bandera, y tras participar en la Segunda Guerra Mundial desde la distancia, el actor entró en Hollywood de golpe, encadenando grandes taquillas en las que el campeón que representaba se solidificaba a golpes: “Fugitivos”, “Cenizas bajo el sol” o la magistral “Los vikingos” construyeron en él a un mito sexual que Billy Wilder se encargó de arrastrar a la comedia. “Con faldas y a lo loco”, uno de los largometrajes esenciales del siglo, le encumbró a otro arquetipo: el de ligón de clase alta. Desde ese pedestal, alternando subproductos, “Bromas con mi mujer, ¡no!”, con experimentos divertidos, “La carrera del siglo”, Curtis encaró los sesenta con una nueva imagen de triunfador, de actor de clase “A”, preparado para comerse el mundo.
Pero eso no ocurrió. Cansado de venderse a su arquetipo, entrado en kilos y ojeroso, se lanzó a su proyecto más arriesgado y acertó. “El estrangulador de Boston” fue, a la vez, el culmen y el inicio de la decadencia del intérprete. A partir de ese Fleischer oscuro, mucha serie “B”, mucho “revival”, mucha mujer más joven, demasiado intento vano de regresar a ese cuerpo, el puto tiempo no nos lo permite, que co-reinaba “Espartaco”.
martes, 28 de septiembre de 2010
CARANCHO
Director: Pablo Trapero
Intérpretes: Ricardo Darín, Martina Gusman, Carlos Weber
Web: http://www.caranchofilm.com/
“22 muertos por día, 683 por mes, más de 8000 por año, 100.000 muertes en la última década. En Argentina, los accidentes de tráfico son la principal causa de muerte entre jóvenes menores de 35 años. Esto sostiene un negocio millonario en indemnizaciones”.
Necesario apropiarse de las palabras que, sobre un fondo (muy) negro, prologan las sub-ciedades asfaltadas por donde se va a mover “Carancho”, la séptima película de Pablo Trapero (realizador de la memorable “Mundo grúa”). Las calles y carreteras de Buenos Aires le sirven a Sosa (Ricardo Darín), un abogado de poca monta, para ganarse el pan suyo de cada día. Muy sencillo: se trata de exprimir a los afectados de un accidente de tráfico a cambio de una generosa comisión o, si esa estrategia no funciona, se trata de simular atropellos, afectados, “incidentes”. Todo sea por el dinero de la aseguradora; todo sea por servirse el dinero de una organización mafiosa que se esconde bajo el nombre de “La fundación”. En un universo (los arrabales bonaerenses, saturados de oficinas de pladur, de matones de saldo, de hospitales descuartizados), donde la cochambre se contagia, donde la existencia equivale a la supervivencia, la huida de este hombre hacia una ficción luminosa, enganchado a un ángel de ambulancia (Martina Gusman), forma el principal ingrediente de un “noir” tenaz, trabajado e inteligente.
Controla Trapero los “tempos” del género y, aún más, se luce mediante licencias visuales que engrandecen su producción. Con su apuesta por los planos secuencia, un portento que remite, en un hospital convertido en una guerra de bandas, a George A. Romero y sus criaturas; o, en una sala de reanimación, a Brian De Palma y sus dobles identidades, el director recuerda a quién quiere rendir pleitesía: a esa generación de cineastas norteamericanos (Bob Rafelson, Arthur Penn, Robert Benton) que jugaron con el “negro” en los setenta, lo remezclaron,.. y ganaron. La pareja protagonista, interpretada con pulso y grandeza por Darín (qué inmenso actor) y Gusman, remarca, incansable, una de las profecías del género: los perdedores no tienen futuro, por mucho que nosotros, lamentables espectadores, consideremos que se merezcan un rato, un instante, un segundo, de victoria. Los dos, él, un mediocre acostumbrado al engaño, y ella, una adicta acostumbrada a la soledad, buscan una escapatoria que, en principio, les parece justa pero que, en el último tercio, les parece única, quién creería en la justicia cuando se vive en la mierda, y corren tras ella olvidando sus imposturas de arranque, su ilusión inicial de equidad ontológica y fiestas de cumpleaños.
A pesar de que se atranque en la segunda parte, entre alguna escena de hospital de más, entre alguna reiteración formal de más (no todos los cineastas son Audiard o Polanski), la notabilísima película de Pablo Trapero obliga una visita al cine. No siempre se consigue encontrar estas pequeñas joyas que, en el fondo, como lo eran las pequeñas/enormes joyas que se rodaron en los setenta en Estados Unidos, son un homenaje a un cine que no volverá, a unos señores llamados Tourneur, Houston o Hawks.
Intérpretes: Ricardo Darín, Martina Gusman, Carlos Weber
Web: http://www.caranchofilm.com/
“22 muertos por día, 683 por mes, más de 8000 por año, 100.000 muertes en la última década. En Argentina, los accidentes de tráfico son la principal causa de muerte entre jóvenes menores de 35 años. Esto sostiene un negocio millonario en indemnizaciones”.
Necesario apropiarse de las palabras que, sobre un fondo (muy) negro, prologan las sub-ciedades asfaltadas por donde se va a mover “Carancho”, la séptima película de Pablo Trapero (realizador de la memorable “Mundo grúa”). Las calles y carreteras de Buenos Aires le sirven a Sosa (Ricardo Darín), un abogado de poca monta, para ganarse el pan suyo de cada día. Muy sencillo: se trata de exprimir a los afectados de un accidente de tráfico a cambio de una generosa comisión o, si esa estrategia no funciona, se trata de simular atropellos, afectados, “incidentes”. Todo sea por el dinero de la aseguradora; todo sea por servirse el dinero de una organización mafiosa que se esconde bajo el nombre de “La fundación”. En un universo (los arrabales bonaerenses, saturados de oficinas de pladur, de matones de saldo, de hospitales descuartizados), donde la cochambre se contagia, donde la existencia equivale a la supervivencia, la huida de este hombre hacia una ficción luminosa, enganchado a un ángel de ambulancia (Martina Gusman), forma el principal ingrediente de un “noir” tenaz, trabajado e inteligente.
Controla Trapero los “tempos” del género y, aún más, se luce mediante licencias visuales que engrandecen su producción. Con su apuesta por los planos secuencia, un portento que remite, en un hospital convertido en una guerra de bandas, a George A. Romero y sus criaturas; o, en una sala de reanimación, a Brian De Palma y sus dobles identidades, el director recuerda a quién quiere rendir pleitesía: a esa generación de cineastas norteamericanos (Bob Rafelson, Arthur Penn, Robert Benton) que jugaron con el “negro” en los setenta, lo remezclaron,.. y ganaron. La pareja protagonista, interpretada con pulso y grandeza por Darín (qué inmenso actor) y Gusman, remarca, incansable, una de las profecías del género: los perdedores no tienen futuro, por mucho que nosotros, lamentables espectadores, consideremos que se merezcan un rato, un instante, un segundo, de victoria. Los dos, él, un mediocre acostumbrado al engaño, y ella, una adicta acostumbrada a la soledad, buscan una escapatoria que, en principio, les parece justa pero que, en el último tercio, les parece única, quién creería en la justicia cuando se vive en la mierda, y corren tras ella olvidando sus imposturas de arranque, su ilusión inicial de equidad ontológica y fiestas de cumpleaños.
A pesar de que se atranque en la segunda parte, entre alguna escena de hospital de más, entre alguna reiteración formal de más (no todos los cineastas son Audiard o Polanski), la notabilísima película de Pablo Trapero obliga una visita al cine. No siempre se consigue encontrar estas pequeñas joyas que, en el fondo, como lo eran las pequeñas/enormes joyas que se rodaron en los setenta en Estados Unidos, son un homenaje a un cine que no volverá, a unos señores llamados Tourneur, Houston o Hawks.
lunes, 27 de septiembre de 2010
APRENDA A QUEDAR 0-0 CON ESTE POST
Me aburrooo
He visto cosas que nunca creeríais. He visto madridistas con cara de póker tras empatar cero a cero con el Levante. He visto a familias cambiando de canal a “La noria” durante nuestro partido en Valencia. No se engañen: todo esto no se disolverá en la lluvia, ¡nos entrena Mou, amigos!, sino que se repetirá un montón, un huevo, un cojón, de veces a lo largo de la temporada. Por eso, siguiendo el servicio social que presta esta columna a los lectores de LA NUEVA ESPAÑA, vamos a regalarles seis técnicas que les servirán para afrontar la infinitud de ocasiones en las que el Real Madrid de Mourinho quedará cero a cero. Síganlas al pie de la letra y, por dos euros más, les enviaremos un DVD motivador con Álvarez Cascos diciendo, en un bucle, “sí, jodido, tú puedes”.
1) Sonría compulsivamente a lo largo del partido. No se preocupe, el fútbol es en el único lugar donde uno se puede reír al tuntún sin que el personal piense que estás lobotomizado.
2) Mienta. “Con Mou, las cosas son así. No jugamos bien pero vamos a ganar todo”.
3) Dedíquese a otros menesteres. Lo sabemos. Sabemos que su mujer siempre le ha echado en cara que no se le presta atención cuando juega el Madrid. Eso se acabó. En un experimento de la Universidad de Utah se ha demostrado que, mientras se disputan partidos como el del Levante, los sujetos pueden acometer al mismo tiempo ¡hasta 4 tareas!: cocinar platos simples (huevo con patatas, guisantes con jamón), planchar camisetas, colocar mamparas, y realizar rutinas sexuales simples (imaginarse a sí mismos follando, vamos).
4) Grite aleatoriamente. En cualquier otro aspecto de su vida, como ocurría con la regla 1, le tratarían como un chiflado, pero ¡no en el fútbol! Le recomiendo varias imprecaciones fortuitas y asépticas para que se venga arriba: “Vamooos”, “Graanddeeeeees”, “Así, así, así gana el Madrí”, “Olé, Raúl” (aunque el gran capitán esté en el Schalke, nadie lo notará) y, sobre todo, refiriéndose al árbitro, “este *&%$@ nos viene a robar”.
5) Quédese con los detalles insignificantes. Al final, como en una primera cita, lo que permanecen son las nimiedades. “Bueno, Pedro León hizo algún centrín” o “Benzema tocó con cariño al cuarto árbitro cuando salía al campo”.
6) Espere el siguiente encuentro como si fuese el 3-8 del Oviedo-Valladolid. No hay cero a cero que no arregle un árbitro.
COME, REZA, AMA
Director: Ryan Murphy
Intérpretes: Julia Roberts, Javier Bardem, Richard Jenkins
Web: http://www.sites.sonypicturesreleasing.es/sites/comerezaama_teaser/
En el estreno de la octava temporada de su programa de debate “Real time” (HBO), el cómico Bill Maher afirmó, con mucha mala baba, que si el pastor Terry Jones quemaba copias del Corán, se les podía permitir a los musulmanes que quemasen copias de la nueva sagrada escritura estadounidense, “Come, reza, ama”. El “bestseller” de Elizabeth Gilbert se mantuvo durante ¡ochenta y ocho semanas! en la lista de libros más vendidos del “New york times”, atrapando con un subtítulo tan pomposo como vacuo (“The search for Everything”, la mayúscula es reveladora) los anhelos/ilusiones de un público objetivo muy determinado y muy apreciado por las marcas en su escalado caníbal de consumidores potenciales. Son las mujeres urbanas, de clase media y media-alta, con estudios y un trabajo estable, a las que azuza la novelista. ¿Y qué les cuenta? Su “historia” de “búsqueda interior” en un viaje “molón” a través del mundo (discúlpenme la acumulación de comillas pero necesito algún tipo de profiláctico lingüístico ante tal patraña). Tras divorciarse de su marido (en la película dramatizado como un idiota insensible en el cuerpo de Billy Cudrup) y “pasar de” una relación “superficial” con un actor que la introduce en la meditación (James Franco), la Gilbert (Julia Roberts) decide emprender un tránsito en tres etapas: la primera, Italia, para zampar; la segunda, India, para rezar a cascoporro y adentrarse en una “espiritualidad cool”; y la tercera, Bali, para darse un gusto con un negociante brasileño (Javier Bardem).
El director Ryan Murphy, renegando de sus agrias (y estupendas) “Recortes de mi vida” (2007) y la serie “Nip/Tuck” (2003), muestra las correrías de la Roberts con una luz cálida, cercana y, miedito, acrítica. Pareciera como si en sus retinas y en las de su extraordinario director de fotografía, Robert Richardson, no se inscribiesen las majaderías que están rodando. La concepción de un viaje de clase alta (o, ¿serán así los viajes de clase alta?) en el que todo se adapta a los preceptos, mandatos y prejuicios de la protagonista (¡incluso un elefante se le acerca mansamente y le arrulla!), deletrea una de las mayores barrabasadas que se han filmado en un buen tiempo, y convierte en quimera, este fenómeno no le ocurre al personal que me acompaña, cualquier suspensión de la verosimilitud. A lo largo del periplo de la Roberts, no hablamos de un “tour” con Marsans, cada una de las personas que se encuentra le tratan con amabilidad, le facilitan las cosas y le ayudan a, finalmente, “sentir el Universo en sí misma”, en una escena únicamente superada en pomposidad y gratuidad por el texto en el que se basa.
Aunque “Sexo en Nueva York 2” sea, categorización definitiva de Tino Pertierra en este diario, “una trama desharrapada”, sí poseía la ligereza de la desvergüenza neoliberal de cuatro mujeres ricas que, al igual que Stallone descarga ansiedades en soldados latinos, acarrean sus manías por compras compulsivas. Porque sólo puede verse “Come, reza, ama” en su papel de prescriptora enmascarada, apocada, “espiritualoide”, de ilusiones de consumo; y sólo puede verse enfrentada a al “blahnikismo” sincero, pijo y descarnado de Carrie Preston y su grupo de zombis devora-complementos. No es extraño que la novela apremie a añorar viajes inasumibles e imposibles; que diversos cines organicen una engendro tan lamentable como “Alfombras rosas” (pases exclusivos para mozas que incluyen un “cocktail” y coloquio posterior); y que la película recomiende “merchandise” circundante a su trama (velas, gorritos, “bolas de meditación”... visiten la tienda oficial worldmarket.com), como única solución a una vida insatisfactora de mujer de clase media. Observar con distancia el filme y disfrutar bebiendo, eructando, fumando de las canciones de Neil Young, Stevie Nicks, Joao Gilberto o Eddie Vedder que componen su BSO pueden ser algunas de las justificaciones a no cabrearse con semejante desfachatez.
Intérpretes: Julia Roberts, Javier Bardem, Richard Jenkins
Web: http://www.sites.sonypicturesreleasing.es/sites/comerezaama_teaser/
En el estreno de la octava temporada de su programa de debate “Real time” (HBO), el cómico Bill Maher afirmó, con mucha mala baba, que si el pastor Terry Jones quemaba copias del Corán, se les podía permitir a los musulmanes que quemasen copias de la nueva sagrada escritura estadounidense, “Come, reza, ama”. El “bestseller” de Elizabeth Gilbert se mantuvo durante ¡ochenta y ocho semanas! en la lista de libros más vendidos del “New york times”, atrapando con un subtítulo tan pomposo como vacuo (“The search for Everything”, la mayúscula es reveladora) los anhelos/ilusiones de un público objetivo muy determinado y muy apreciado por las marcas en su escalado caníbal de consumidores potenciales. Son las mujeres urbanas, de clase media y media-alta, con estudios y un trabajo estable, a las que azuza la novelista. ¿Y qué les cuenta? Su “historia” de “búsqueda interior” en un viaje “molón” a través del mundo (discúlpenme la acumulación de comillas pero necesito algún tipo de profiláctico lingüístico ante tal patraña). Tras divorciarse de su marido (en la película dramatizado como un idiota insensible en el cuerpo de Billy Cudrup) y “pasar de” una relación “superficial” con un actor que la introduce en la meditación (James Franco), la Gilbert (Julia Roberts) decide emprender un tránsito en tres etapas: la primera, Italia, para zampar; la segunda, India, para rezar a cascoporro y adentrarse en una “espiritualidad cool”; y la tercera, Bali, para darse un gusto con un negociante brasileño (Javier Bardem).
El director Ryan Murphy, renegando de sus agrias (y estupendas) “Recortes de mi vida” (2007) y la serie “Nip/Tuck” (2003), muestra las correrías de la Roberts con una luz cálida, cercana y, miedito, acrítica. Pareciera como si en sus retinas y en las de su extraordinario director de fotografía, Robert Richardson, no se inscribiesen las majaderías que están rodando. La concepción de un viaje de clase alta (o, ¿serán así los viajes de clase alta?) en el que todo se adapta a los preceptos, mandatos y prejuicios de la protagonista (¡incluso un elefante se le acerca mansamente y le arrulla!), deletrea una de las mayores barrabasadas que se han filmado en un buen tiempo, y convierte en quimera, este fenómeno no le ocurre al personal que me acompaña, cualquier suspensión de la verosimilitud. A lo largo del periplo de la Roberts, no hablamos de un “tour” con Marsans, cada una de las personas que se encuentra le tratan con amabilidad, le facilitan las cosas y le ayudan a, finalmente, “sentir el Universo en sí misma”, en una escena únicamente superada en pomposidad y gratuidad por el texto en el que se basa.
Aunque “Sexo en Nueva York 2” sea, categorización definitiva de Tino Pertierra en este diario, “una trama desharrapada”, sí poseía la ligereza de la desvergüenza neoliberal de cuatro mujeres ricas que, al igual que Stallone descarga ansiedades en soldados latinos, acarrean sus manías por compras compulsivas. Porque sólo puede verse “Come, reza, ama” en su papel de prescriptora enmascarada, apocada, “espiritualoide”, de ilusiones de consumo; y sólo puede verse enfrentada a al “blahnikismo” sincero, pijo y descarnado de Carrie Preston y su grupo de zombis devora-complementos. No es extraño que la novela apremie a añorar viajes inasumibles e imposibles; que diversos cines organicen una engendro tan lamentable como “Alfombras rosas” (pases exclusivos para mozas que incluyen un “cocktail” y coloquio posterior); y que la película recomiende “merchandise” circundante a su trama (velas, gorritos, “bolas de meditación”... visiten la tienda oficial worldmarket.com), como única solución a una vida insatisfactora de mujer de clase media. Observar con distancia el filme y disfrutar bebiendo, eructando, fumando de las canciones de Neil Young, Stevie Nicks, Joao Gilberto o Eddie Vedder que componen su BSO pueden ser algunas de las justificaciones a no cabrearse con semejante desfachatez.
lunes, 20 de septiembre de 2010
MOU, ¡TE CEDEMOS DOS PARTIDOS AL BARÇA!
¡Mira cómo dirige!
Muchos dirán “vuelve Galán otro lunes con Mourinho… menudo brasas”. Y llevan razón. Ni la adecuada adaptación de Özil (a pesar de que algunos chisgarabises anden escribiendo que el Barça no le aceptaría como suplente); ni la recuperación de CR7 en Anoeta; ni la alegría que nos dio el golazo de Di María a Bravo. Aquí lo que importa son las milongas de nuestro entrenador. Pasamos de que el Madrid haya ganado en un campo complicadísimo (aún con un gol de churro), pasamos de criticar la primera parte (en la que Xabi Alonso se desapareció) y todavía más, pasamos de ver como Higuaín está lejos de llegar a su mejor forma. Lo esencial es que a Mou le escupieron al entrar en el estadio (uno se acuerda del mítico capítulo de Seinfeld, “El novio”, que toca el mismo tema) y, sobre todo, que la federación lusa le solicitó para dirigir, por la gorra, los próximos dos partidos de la selección portuguesa.
Que los portugueses son gente lista lo sabíamos desde el 91. Mi abuela Luz se trajo de ese gran país un gallo de juguete que cambiaba de color con la temperatura. Aquel artefacto fascinaba por igual a los habitantes y a los visitantes de nuestra casa. Ahora, con avances como el Facebook o el Viagra, les sorprenderá semejante inocencia, pero piensen… eran los noventa: Masip gobernaba y los ovetenses andábamos por la calle enfundados con camisetas de “Zapato veloz”. ¡Ay, en manos de aquel instrumento de plástico resignamos el futuro de nuestra familia! Si se ponía verde, íbamos a la playa de Salinas y, si no, nos encerrábamos en casa. No revelaré su ratio de aciertos: sólo les voy a confesar que el pobre animal acabó saliendo por la ventana. Una movida violenta así debería de haber ejecutado el Real Madrid en el momento en el que la FPF les propuso la cesión de Mourinho. Con lo bien que dice “¡no!” Florentino, es una pena que permita que se den situaciones dantescas como A) que nuestro míster convoque una rueda de prensa bajo un reloj y B) que, desesperados, los portugueses terminen fichando a Paulo Bento, ese mozo que jugó en el Oviedo durante el Pleistoceno.
Ustedes también la bailaron, no me jodan
Eso sí, no me vayan a llamar rata. No dudaría un segundo en ceder dos o tres partidos a Mourinho al Barça. ¡Benditos!, tienen tanta obsesión con el entrenador del Madrid que, como los niños, no nos importaría prestárselo un par de fines de semana para que lo prueben. Seguro que con él aprenderían a jugarle al Atlético de Madrid, al Inter o ¡al Hércules! y recordarían los buenos tiempos en los que el luso le llevaba Fuensanta a Robson. Además, no os preocupéis, amigos culés, creo que esto os va a convencer definitivamente; ¡os lo dejamos gratis! ¡Quietos, locos, no os lancéis!
Sniff, qué tiempos aquellos en los que el Barça jugaba con cinco defensas...
EL AMERICANO
Director: Anton Corbijn
Intérpretes: George Clooney, Violante Placido, Thekla Reuten
Web: http://focusfeatures.com/film/the_american/
En mayo de 2005, antes de que R.E.M. atacase “The one I love” (¿o era “Orange crush”?), el cantante Michael Stipe agarró un móvil, marcó, y pidió al público de su concierto en Gijón que entonase el “cumpleaños feliz” a un amigo. El humano en cuestión era el fotógrafo holandés Anton Corbijn, al que muchos en la audiencia recordaban (o, si no, ya había algún “gafapasta” cercano que se lo aclarase) por su colaboración en la construcción de franquicias como U2 o Depeche Mode. Aún con las dificultades que surgen al transmutar disciplinas artísticas, Corbijn enfrentó su debut cinematográfico en terrenos favorables: “Control” (2007), la biografía de Ian Curtis, el líder del grupo británico Joy división, le permitió entrar con seguridad en el celuloide al no alejarse demasiado de su discurso fotográfico de claroscuros rugosos (les recomiendo que lo exploren en su libro “Star trak”) y “celebrities”. Arropado por la bandera de la iconografía post-punk, el holandés logró reflejar con emoción esa fragilidad adolescente de su protagonista que, enclaustrada en un “amour fou” de Rivette, le atrancaba cualquier vida adulta, que, por tanto, le atrancaba cualquier futuro.
“El americano” supone, más que el “thriller” a lo “Bourne” que anuncian los carteles, un experimento con ese “noir” europeo clásico que reescribe los arquetipos del norteamericano y los mueve por terrenos escabrosos (violencia, sexo, introspección). Comienza su película con ¿una traición? que marcará el desarrollo posterior: un asesino (George Clooney) es descubierto en su retiro por un comando de mercenarios. Obligado por las circunstancias y los remordimientos, se oculta en un pequeño pueblo italiano donde se enamora de una prostituta (Violante Placido). Las reminiscencias de monumentos fílmicos a la reinvención personal, “El reportero” (1973) de Michelangelo Antonioni, al asesino hermético, “El silencio de un hombre” (1957) de Jean-Pierre Mellville, o al drama del último encargo, “Touchez pas au grisbi” (1954) de Jacques Becker, solidifican las fortalezas del metraje: la brutalidad de su arranque, el potente esfuerzo de un (siempre) arriesgado George Clooney o ese poso a cine milimetrado (fotografía impecable, silencios justos) que, en tiempos de vídeos YouTube, se le agradece a Corbijn.
Sin embargo, a pesar de sus desvelos por arrimarse a la tradición europea y a una buena labor de manufactura, “El americano” se desluce con preocupaciones estéticas que, de los nombres anteriores, sólo hubiesen atosigado a Antonioni. Centradas las cámaras en lo accesorio, es su guión, lo esencial, el gran vapuleado de la cinta. Mientras que el personaje principal de Clooney posee una entidad completa (y, reiteramos, la interpretación del norteamericano, por su riesgo y compromiso, resulta admirable), el resto del mosaico que le acompaña no supera el esbozo. Naturalmente, jamás sabremos por qué: ¿se perdió en la sala de montaje? ¿El déficit existía ya en la adaptación de Rowan Joffe o en la novela de Martin Booth? ¿Se sacrificó en una especie de mutilación a la mayor gloria del “cine críptico” que gusta a un cierto tipo de creadores?
Después de haber celebrado la primigenia “Control” casi con el mismo espíritu con el que le cantamos “cumpleaños feliz” en Gijón, uno duda al escoger entre la segunda o la tercera pregunta. Lo que sí se mantiene es la certeza de que el propio Corbijn es el que, con sus talentos, desmerece o ensalza su filme. Tan rápido rueda un estupendo prólogo como un estúpido final; una serie de metáforas visuales (muy) burdas, como una persecución cuasi-musical en un pueblo fantasmagórico; una redención grosera (cura mediante, of course), como un duelo hitchcockiano en el aparcamiento de un bar de carretera. Al final, huyamos de la seriedad, se trata de una segunda película. Siga buscándo(se), señor Corbijn.
Intérpretes: George Clooney, Violante Placido, Thekla Reuten
Web: http://focusfeatures.com/film/the_american/
En mayo de 2005, antes de que R.E.M. atacase “The one I love” (¿o era “Orange crush”?), el cantante Michael Stipe agarró un móvil, marcó, y pidió al público de su concierto en Gijón que entonase el “cumpleaños feliz” a un amigo. El humano en cuestión era el fotógrafo holandés Anton Corbijn, al que muchos en la audiencia recordaban (o, si no, ya había algún “gafapasta” cercano que se lo aclarase) por su colaboración en la construcción de franquicias como U2 o Depeche Mode. Aún con las dificultades que surgen al transmutar disciplinas artísticas, Corbijn enfrentó su debut cinematográfico en terrenos favorables: “Control” (2007), la biografía de Ian Curtis, el líder del grupo británico Joy división, le permitió entrar con seguridad en el celuloide al no alejarse demasiado de su discurso fotográfico de claroscuros rugosos (les recomiendo que lo exploren en su libro “Star trak”) y “celebrities”. Arropado por la bandera de la iconografía post-punk, el holandés logró reflejar con emoción esa fragilidad adolescente de su protagonista que, enclaustrada en un “amour fou” de Rivette, le atrancaba cualquier vida adulta, que, por tanto, le atrancaba cualquier futuro.
“El americano” supone, más que el “thriller” a lo “Bourne” que anuncian los carteles, un experimento con ese “noir” europeo clásico que reescribe los arquetipos del norteamericano y los mueve por terrenos escabrosos (violencia, sexo, introspección). Comienza su película con ¿una traición? que marcará el desarrollo posterior: un asesino (George Clooney) es descubierto en su retiro por un comando de mercenarios. Obligado por las circunstancias y los remordimientos, se oculta en un pequeño pueblo italiano donde se enamora de una prostituta (Violante Placido). Las reminiscencias de monumentos fílmicos a la reinvención personal, “El reportero” (1973) de Michelangelo Antonioni, al asesino hermético, “El silencio de un hombre” (1957) de Jean-Pierre Mellville, o al drama del último encargo, “Touchez pas au grisbi” (1954) de Jacques Becker, solidifican las fortalezas del metraje: la brutalidad de su arranque, el potente esfuerzo de un (siempre) arriesgado George Clooney o ese poso a cine milimetrado (fotografía impecable, silencios justos) que, en tiempos de vídeos YouTube, se le agradece a Corbijn.
Sin embargo, a pesar de sus desvelos por arrimarse a la tradición europea y a una buena labor de manufactura, “El americano” se desluce con preocupaciones estéticas que, de los nombres anteriores, sólo hubiesen atosigado a Antonioni. Centradas las cámaras en lo accesorio, es su guión, lo esencial, el gran vapuleado de la cinta. Mientras que el personaje principal de Clooney posee una entidad completa (y, reiteramos, la interpretación del norteamericano, por su riesgo y compromiso, resulta admirable), el resto del mosaico que le acompaña no supera el esbozo. Naturalmente, jamás sabremos por qué: ¿se perdió en la sala de montaje? ¿El déficit existía ya en la adaptación de Rowan Joffe o en la novela de Martin Booth? ¿Se sacrificó en una especie de mutilación a la mayor gloria del “cine críptico” que gusta a un cierto tipo de creadores?
Después de haber celebrado la primigenia “Control” casi con el mismo espíritu con el que le cantamos “cumpleaños feliz” en Gijón, uno duda al escoger entre la segunda o la tercera pregunta. Lo que sí se mantiene es la certeza de que el propio Corbijn es el que, con sus talentos, desmerece o ensalza su filme. Tan rápido rueda un estupendo prólogo como un estúpido final; una serie de metáforas visuales (muy) burdas, como una persecución cuasi-musical en un pueblo fantasmagórico; una redención grosera (cura mediante, of course), como un duelo hitchcockiano en el aparcamiento de un bar de carretera. Al final, huyamos de la seriedad, se trata de una segunda película. Siga buscándo(se), señor Corbijn.
lunes, 13 de septiembre de 2010
MOURINHO CONTRA NEIRA
Para mi bródel Gerardo, otro gran fan de Jesús Neira
Una de las mejores tradiciones de Japón, si dejamos a un lado los “Love hotels”, el sushi o a Shin-chan, son, sin duda, las películas de Godzilla. Siguiendo la filosofía de la cumbia “El cocodrilo” (Un animal malévolooooo/ al que hay que tenerle pánicooooo) que cantaban “Fito Olivares y la pura sabrosura”, ese “peaso” de lagarto se dedicaba a destrozar ciudades del Imperio del Sol Naciente con la misma soltura con la que los Morancos sueltan chistes “pa’ rise muncho”. Una de las subvariantes de estos filmes era aquella en la que Godzilla se enfrentaba a otros animales mitológicos como Gigan, un dinosaurio con alas, o Mothra, un mariposón gigante. En estas luchas sólo había dos damnificados: la ciudad de Tokyo, que acababa como Madrid después de La Noche En Blanco, y los operarios que se disfrazaban de los monstruos, que acababan más sudados que “El golosina” después de una fiesta en “Cantora”.
“Ha sido un partido fácil de ganar, sin problemas”, declaró Mourinho al terminar el encuentro del sábado contra el Osasuna. Les reto a que busquen en las hemerotecas unas declaraciones semejantes de un entrenador “post-unpartidode1-0”. Donde Guardiola o Sánchez Flores dirían “peleamos mucho” o “fueron un digno rival”, nuestro amigo portugués se marca una sobrada del estilo de “jugamos contra cuatro fantoches de Pamplona”. Menuda huevada, amigos. Y como los madridistas (salvo los que pitaban en el Bernabéu) le hemos subido a nuestro “altar Charles Bronson” (con Juanito o Capello), le perdonamos todo. Eso sí, con esta tontunada contra los habitantes del Reyno de Mordor, se le ha ido la mano.
De nada sirve que yo, un pobre columnista cabezón y gordito, le diga a Mou que se está pasando de la raya. Me hostiaría sin piedad y no me quedaría otra que llorar “a lo Belén Esteban”. Necesitamos a un monstruo de su altura que le ponga en su sitio para que no nos hunda la liga con sus bravuconerías. ¡Aleluya, “brodels”! ¡Ha aparecido el candidato perfecto! Un titán que, tras ir borracho al volante, haciendo eses por la carretera (uno se imagina al hombre practicando algún tipo de baile en la M40), declaró que “si me quito la cerveza, le voy a decir al médico que me voy a matar” y desafió a su jefa, la, asimismo, muy rabuda Esperanza Aguirre, a “que le eche”. Sabíamos por otros Neiras (Chus, periodista, y Ernesto, bailarín), que ese linaje era grande… pero nunca tanto. Jesús Neira tiene que ser el Mothma de Mourinho en una batalla a muerte sobre la ciudad de Seseña. Piensen que todos saldríamos ganando: por fin, borraríamos Seseña del mapa y, por fin, uno de los dos se callaría (un poco) la boca.
¡¡Así queremos ver a Mourinho y a Jesús Neira!!
Una de las mejores tradiciones de Japón, si dejamos a un lado los “Love hotels”, el sushi o a Shin-chan, son, sin duda, las películas de Godzilla. Siguiendo la filosofía de la cumbia “El cocodrilo” (Un animal malévolooooo/ al que hay que tenerle pánicooooo) que cantaban “Fito Olivares y la pura sabrosura”, ese “peaso” de lagarto se dedicaba a destrozar ciudades del Imperio del Sol Naciente con la misma soltura con la que los Morancos sueltan chistes “pa’ rise muncho”. Una de las subvariantes de estos filmes era aquella en la que Godzilla se enfrentaba a otros animales mitológicos como Gigan, un dinosaurio con alas, o Mothra, un mariposón gigante. En estas luchas sólo había dos damnificados: la ciudad de Tokyo, que acababa como Madrid después de La Noche En Blanco, y los operarios que se disfrazaban de los monstruos, que acababan más sudados que “El golosina” después de una fiesta en “Cantora”.
Un animal malévolooooo/ al que hay que tenerle pánicooooo
“Ha sido un partido fácil de ganar, sin problemas”, declaró Mourinho al terminar el encuentro del sábado contra el Osasuna. Les reto a que busquen en las hemerotecas unas declaraciones semejantes de un entrenador “post-unpartidode1-0”. Donde Guardiola o Sánchez Flores dirían “peleamos mucho” o “fueron un digno rival”, nuestro amigo portugués se marca una sobrada del estilo de “jugamos contra cuatro fantoches de Pamplona”. Menuda huevada, amigos. Y como los madridistas (salvo los que pitaban en el Bernabéu) le hemos subido a nuestro “altar Charles Bronson” (con Juanito o Capello), le perdonamos todo. Eso sí, con esta tontunada contra los habitantes del Reyno de Mordor, se le ha ido la mano.
Que los Neiras son grandes lo sabe hasta Ernesto
De nada sirve que yo, un pobre columnista cabezón y gordito, le diga a Mou que se está pasando de la raya. Me hostiaría sin piedad y no me quedaría otra que llorar “a lo Belén Esteban”. Necesitamos a un monstruo de su altura que le ponga en su sitio para que no nos hunda la liga con sus bravuconerías. ¡Aleluya, “brodels”! ¡Ha aparecido el candidato perfecto! Un titán que, tras ir borracho al volante, haciendo eses por la carretera (uno se imagina al hombre practicando algún tipo de baile en la M40), declaró que “si me quito la cerveza, le voy a decir al médico que me voy a matar” y desafió a su jefa, la, asimismo, muy rabuda Esperanza Aguirre, a “que le eche”. Sabíamos por otros Neiras (Chus, periodista, y Ernesto, bailarín), que ese linaje era grande… pero nunca tanto. Jesús Neira tiene que ser el Mothma de Mourinho en una batalla a muerte sobre la ciudad de Seseña. Piensen que todos saldríamos ganando: por fin, borraríamos Seseña del mapa y, por fin, uno de los dos se callaría (un poco) la boca.
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